Le théâtre (du grec θέατρον - le sens principal est un lieu de spectacles, puis - spectacle, de θεάομαι - je regarde, je vois) est une forme d'art spectaculaire, qui est une synthèse de divers arts - littérature, musique, chorégraphie, chant, arts visuels et d'autres et a sa spécificité : le reflet de la réalité, des conflits, des personnages, ainsi que leur interprétation et évaluation, l'affirmation de certaines idées se fait ici à travers une action dramatique dont le principal porteur est l'acteur.

Le concept générique de « théâtre » englobe ses différents types : théâtre dramatique, opéra, ballet, théâtre de marionnettes, théâtre de pantomime, etc.

De tout temps, le théâtre a été un art collectif ; dans un théâtre moderne, outre les acteurs et le metteur en scène (chef d'orchestre, chorégraphe), la création d'un spectacle implique un scénographe, un compositeur, un chorégraphe, ainsi que des accessoiristes, des costumiers, des maquilleurs, des machinistes et techniciens d'éclairage.

Le développement du théâtre a toujours été indissociable du développement de la société et de l'état de la culture dans son ensemble - son épanouissement ou son déclin, la prédominance de certains courants artistiques dans le théâtre et son rôle dans la vie spirituelle du pays étaient associés au particularités du développement social.

THÉÂTRE (du grec theatre - lieu de spectacle, spectacle), le principal type d'art du divertissement. Le concept générique de théâtre est divisé en types d'art théâtral : théâtre dramatique, opéra, ballet, théâtre de pantomime, etc. L'origine du terme est associée au théâtre grec antique, où les sièges de l'auditorium étaient appelés ainsi (du verbe grec « theaomai » - je regarde). Cependant, aujourd'hui, la signification de ce terme est extrêmement diversifiée. Il est également utilisé dans les cas suivants :

1. Un théâtre est un bâtiment spécialement construit ou adapté pour présenter des spectacles (« Le théâtre est déjà plein, les loges brillent » de A.S. Pouchkine).

2. Une institution, une entreprise engagée dans la projection de spectacles, ainsi que toute l'équipe de ses employés assurant la location de représentations théâtrales (Théâtre Mossovet ; visites du Théâtre Taganka, etc.).

3. Un ensemble d’œuvres dramatiques ou scéniques, structurées selon un principe ou un autre (théâtre de Tchekhov, théâtre de la Renaissance, théâtre japonais, théâtre de Mark Zakharov, etc.).

4. Dans un sens dépassé (conservé uniquement dans l'argot professionnel du théâtre) - scène, scène (« La noble pauvreté n'est bonne qu'au théâtre » de A.N. Ostrovsky).

5. Au sens figuré - le lieu de tout événement en cours (théâtre d'opérations militaires, théâtre anatomique).

Comme toute autre forme d’art (musique, peinture, littérature), le théâtre possède ses propres caractéristiques. Il s'agit d'un art synthétique : une œuvre théâtrale (performance) est constituée du texte de la pièce, du travail du metteur en scène, de l'acteur, de l'artiste et du compositeur. Dans l'opéra et le ballet, la musique joue un rôle déterminant.

Le théâtre est un art collectif. Un spectacle est le résultat des activités de nombreuses personnes, non seulement celles qui apparaissent sur scène, mais aussi celles qui cousent les costumes, fabriquent les accessoires, installent l'éclairage et accueillent le public. Ce n’est pas pour rien qu’il existe une définition des « ouvriers d’atelier de théâtre » : un spectacle est à la fois créativité et production.

Le théâtre propose sa propre façon de comprendre le monde qui nous entoure et, par conséquent, son propre ensemble de moyens artistiques. Une représentation est à la fois une action particulière se déroulant dans l’espace scénique et une pensée imaginative particulière, différente, par exemple, de la musique.

Une représentation théâtrale est basée sur un texte, comme une pièce de théâtre pour une représentation dramatique. Même dans les productions scéniques où il n'y a pas de mot en tant que tel, le texte est parfois nécessaire ; en particulier, le ballet, et parfois la pantomime, ont un scénario - un livret. Le processus de travail sur un spectacle consiste à transférer le texte dramatique sur scène - c'est une sorte de « traduction » d'une langue à une autre. Du coup, la parole littéraire devient une parole de scène.

La première chose que le public voit après l’ouverture (ou le lever) du rideau est l’espace scénique dans lequel le décor est placé. Ils indiquent le lieu de l'action, l'époque historique et reflètent la couleur nationale. À l'aide de constructions spatiales, vous pouvez même transmettre l'humeur des personnages (par exemple, dans un épisode de souffrance du héros, plonger la scène dans l'obscurité ou recouvrir son fond de noir). Au cours de l'action, à l'aide d'une technique spéciale, le décor change : le jour se transforme en nuit, l'hiver en été, la rue en pièce. Cette technique s'est développée avec la pensée scientifique de l'humanité. Les mécanismes de levage, les boucliers et les trappes, qui autrefois étaient actionnés manuellement, sont désormais relevés et abaissés électroniquement. Les bougies et les lampes à gaz ont été remplacées par des lampes électriques ; Les lasers sont également souvent utilisés.

Même dans l'Antiquité, deux types de scène et d'auditorium étaient formés : une scène en loge et une scène en amphithéâtre. La scène en loge comprend des gradins et des stands, et la scène en amphithéâtre est entourée de spectateurs sur trois côtés. Aujourd’hui, les deux types sont utilisés dans le monde. La technologie moderne permet de modifier l'espace théâtral - d'aménager une estrade au milieu de la salle, d'asseoir le spectateur sur scène et de présenter la représentation dans la salle. Une grande importance a toujours été attachée au bâtiment du théâtre. Les théâtres étaient généralement construits sur la place centrale de la ville ; les architectes voulaient que les bâtiments soient beaux et attirent l'attention. En venant au théâtre, le spectateur se détache du quotidien, comme s'il s'élevait au-dessus de la réalité. Ce n'est donc pas un hasard si un escalier décoré de miroirs mène souvent au hall.

La musique contribue à renforcer l’impact émotionnel d’une représentation dramatique. Parfois, cela sonne non seulement pendant l'action, mais aussi pendant l'entracte - pour maintenir l'intérêt du public. Le personnage principal de la pièce est l'acteur. Le spectateur voit devant lui une personne qui s'est mystérieusement transformée en une image artistique - une œuvre d'art unique. Bien entendu, l’œuvre d’art n’est pas l’interprète lui-même, mais son rôle. Elle est la création d'un acteur, créée par la voix, les nerfs et quelque chose d'intangible - l'esprit, l'âme. Pour que l'action sur scène soit perçue comme intégrale, il est nécessaire de l'organiser de manière réfléchie et cohérente. Ces fonctions dans le théâtre moderne sont exercées par le metteur en scène. Bien sûr, beaucoup dépend du talent des acteurs de la pièce, mais ils sont néanmoins subordonnés à la volonté du leader - le metteur en scène. Les gens, comme il y a plusieurs siècles, viennent au théâtre. Le texte des pièces résonne depuis la scène, transformé par les forces et les sentiments des interprètes. Les artistes mènent leur propre dialogue – et pas seulement verbal. Il s’agit d’une conversation de gestes, de postures, de regards et d’expressions faciales. L’imagination de l’artiste décorateur, à l’aide de la couleur, de la lumière et des structures architecturales de la scène, fait « parler » l’espace scénique. Et le tout est enfermé dans le cadre strict du plan du réalisateur, qui donne aux éléments hétérogènes exhaustivité et intégrité.

Le spectateur évalue consciemment (et parfois inconsciemment, comme contre sa volonté) le jeu des acteurs et la mise en scène, la conformité de la solution de l'espace théâtral avec la conception générale. Mais l'essentiel est que lui, le spectateur, se familiarise avec l'art, contrairement à d'autres, créé ici et maintenant. En comprenant le sens du spectacle, il comprend le sens de la vie. L'histoire du théâtre continue.

Types et genres de l'art théâtral

VAUDEVILLE est un type de sitcom avec des chants en vers et des danses. Originaire de France ; Avec début XIX V. a reçu une distribution paneuropéenne. Les meilleures œuvres se caractérisent par un plaisir ludique et un reflet actuel de la réalité.

Le DRAME est l'un des principaux genres dramatiques, depuis le siècle des Lumières, dans lequel le monde est représenté. personne réelle dans sa relation extrêmement conflictuelle, mais pas désespérée, avec la société ou avec lui-même. Au 20ème siècle Le drame se distinguait par un contenu sérieux, reflétait divers aspects de la vie humaine et de la société et explorait la psychologie humaine.

LA COMÉDIE est un type de drame dans lequel l'action et les personnages sont interprétés sous des formes comiques. Comme une tragédie, né en La Grèce ancienne des rituels qui accompagnaient les processions en l'honneur du dieu Dionysos. La comédie, explorant sobrement la nature humaine, ridiculise les vices et les idées fausses des gens. Les meilleurs exemples de ce genre se distinguent par leur analyse sans compromis, leur acuité et leur courage à ridiculiser les vices de la société. DANS différents pays Ah, nos propres versions de la comédie sont nées. La comédie « scientifique » des humanistes italiens et la comédie espagnole de Lope de Vega et Calderon, la comédie anglaise de la Renaissance, la comédie classique française des Lumières et la comédie réaliste russe sont bien connues. Selon le principe d'organisation de l'action, on distingue une comédie de personnages, de situations et d'idées. Selon le type d'intrigues, les comédies peuvent être quotidiennes et lyriques, et selon la nature du comique - humoristique, satirique.

MELODRAMA est une pièce avec une intrigue aiguë, une émotivité exagérée, un contraste frappant entre le bien et le mal et une tendance morale et instructive. Originaire de fin XVII V. en France, en Russie - dans les années 20. XIXème siècle

MIM est un genre de comédie du théâtre populaire ancien, de courts sketches d'improvisation de nature satirique et divertissante.

L'OPÉRA est un genre d'art musical et dramatique dans lequel le contenu s'incarne au moyen d'une dramaturgie musicale, principalement à travers la musique vocale. La base littéraire de l'opéra est le livret. En cela genre musical poésie et art dramatique, musique vocale et instrumentale, expressions faciales, danse, peinture, décors et costumes sont fusionnés en un seul tout.

MYSTERY est un genre de théâtre religieux médiéval d’Europe occidentale. Des mystères étaient présentés sur les places de la ville. Des scènes religieuses alternaient avec des intermèdes.

MONODRAMA est une œuvre dramatique interprétée par un seul acteur.

MORALITE - un genre de théâtre d'Europe occidentale des XVe-XVIe siècles, un drame allégorique édifiant dont les personnages personnifiaient diverses vertus et vices.

MUSICAL - une œuvre musicale et scénique, principalement de nature comique, qui utilise les moyens de la musique pop et quotidienne, des arts dramatiques, chorégraphiques et lyriques, le genre s'est formé aux États-Unis en fin XIX V.

PARODIE - 1) un genre au théâtre, sur scène, une imitation consciente à des fins satiriques, ironiques et humoristiques d'une manière, d'un style, de stéréotypes de discours et de comportement individuels ; 2) une ressemblance déformée de quelque chose.

PASTORALE - un opéra, une pantomime ou un ballet dont l'intrigue est associée à une représentation idéalisée de la vie pastorale.

SOTI - genre comédie-satirique théâtre français XV-XVII siècles, une sorte de farce.

LA TRAGÉDIE (traduit du grec par « chant des chèvres ») est un type de drame imprégné du pathétique du tragique. Dans l’Antiquité, il représentait la vie immédiate des personnages dans des événements tragiques ; l’action prévalait sur l’histoire. À la Renaissance, l’unité d’action, considérée comme obligatoire, est écartée dans les pièces de théâtre ; le tragique est souvent combiné au comique. Par la suite, la tragédie est strictement réglementée : là encore l'unité d'action, de lieu et de temps prévaut ; Il y a une frontière entre le comique et le tragique. Dans le théâtre moderne, la tragédie sous sa forme pure est rare. La base de la tragédie est constituée de conflits sociaux aigus, de problèmes fondamentaux de l'existence et de conflits entre l'individu, le destin et la société. Un conflit tragique se résout généralement par la mort du héros.

La TRAGICOMÉDIE est une œuvre dramatique qui présente à la fois les caractéristiques de la comédie et de la tragédie. Elle repose sur un sentiment de relativité des critères de vie existants ; Le dramaturge voit le même phénomène sous un angle à la fois comique et tragique, caractéristique du XXe siècle.

Farce - 1) un type de théâtre populaire médiéval d'Europe occidentale composé de comédies quotidiennes de nature satirique, qui existait aux XIVe et XVIe siècles. A proximité du fastnachtspiel allemand, de la commedia dell'arte italienne, etc.; 2) au théâtre des XIXe-XXe siècles. une comédie-vaudeville au contenu léger avec des techniques comiques purement extérieures.

L'extravagance est un genre de représentations théâtrales dans lesquelles des effets scéniques sont utilisés pour des scènes fantastiques. Originaire d'Italie au XVIIe siècle.

FLIAKI - représentations théâtrales folkloriques de la Grèce antique, particulièrement répandues aux IIIe-IVe siècles. AVANT JC. dans les colonies grecques : courtes blagues d'improvisation-sketch de Vie courante sur les joyeuses aventures des dieux et des héros.

2. Théâtre de la Grèce antique.

L'émergence du théâtre dans la Grèce antique.

Le théâtre est l'un des arts les plus anciens. Ses origines se perdent dans société primitive. Le théâtre est né de jeux folkloriques de chasse et d’agriculture à caractère magique. Croyant que l'imitation d'un animal, son apparence et ses habitudes peuvent affecter le résultat d'une chasse, les peuples primitifs organisaient des danses vêtus de peaux d'animaux de personnes.

Avec l’avènement de l’agriculture, des fêtes célébraient les récoltes. Lors de la fête en l'honneur du dieu du vin Dionysos, des vignerons en peaux de chèvre ont représenté divers épisodes de la vie de Dionysos et ont chanté le pouvoir de la vigne, qui donne de la joie.

De ce chant des gens en peau de chèvre est née la tragédie (tragos signifie « chèvre » en grec).

De ces mêmes fêtes dédiées à Dionysos est née la comédie (du mot komos - plaisir débridé). La comédie, contrairement aux tragédies graves et douloureuses, suscite le rire.

Au fil du temps, les représentations théâtrales grecques ont perdu tout lien avec la vénération du dieu Dionysos ; elles racontaient la vie des autres. dieux grecs, des héros, mais aussi des gens ordinaires.

La structure du théâtre dans la Grèce antique.

Les théâtres de la Grèce antique ont été construits sous à ciel ouvert, sur le versant des montagnes et des collines. Ils ont été conçus pour plusieurs milliers, voire plusieurs dizaines de milliers de spectateurs. Le public était assis sur des bancs de pierre surélevés par des rebords, face à une large plate-forme ronde ou carrée : l'orchestre.

Théâtre grec. Au centre se trouve l'orchestre. Là-dessus il y a un chœur à droite et à gauche, au milieu il y a une statue de Dionysos. L'orchestre est fermé par un sköne - une salle intérieure pour changer les vêtements des acteurs. Devant le skene se trouvent trois acteurs. Dessin d'un artiste contemporain d'après des fouilles du théâtre grec. Au centre se trouve l'orchestre. Là-dessus il y a un chœur à droite et à gauche, au milieu il y a une statue de Dionysos. L'orchestre est fermé par un sköne - une salle intérieure pour changer les vêtements des acteurs. Devant le skene se trouvent trois acteurs. Dessin d'un artiste contemporain d'après des données de fouilles

L'orchestre comprenait des acteurs et un chœur, habillés conformément à la pièce.

Derrière l'orchestre, il y avait une salle pour changer les vêtements des acteurs - skesh (d'où le nom moderne - scène). Les acteurs y portaient des vêtements et de grands masques aux couleurs vives. Initialement, les masques étaient fabriqués en bois, puis en toile imprégnée de plâtre et enduite de peinture. Les masques permettaient à tous les spectateurs, même à ceux assis très loin, de voir « l'expression du visage » correspondant à l'action – triste, souffrante, sévère, joyeuse. De plus, la bouche grande ouverte du masque créait quelque chose comme un mégaphone, amplifiant la voix de l'acteur.

La taille de l'acteur a augmenté à l'aide de ce qu'on appelle des cothurnes - des sandales à semelles très épaisses. Les rôles des femmes dans le théâtre grec étaient joués par des hommes.

Poètes tragiques et comiques de la Grèce antique.

Des concours de poètes tragiques et comiques ont eu lieu à Athènes. Chacun d'eux devait écrire et mettre en scène trois pièces. Le gagnant a reçu une couronne de laurier à feuilles persistantes. Poètes tragiques grecs célèbres du Ve siècle. avant JC e. - Eschyle, Sophocle et Euripide. Eschyle, participant aux guerres gréco-persanes, dans la tragédie «Les Perses», a condamné le despote perse Xerxès pour sa cruauté et sa volonté personnelle et a loué le courage des Grecs dans la lutte pour la liberté de leur patrie. Les héros de nombreuses tragédies d’Eschyle sont des dieux et des demi-dieux. Dans la tragédie « Prométhée enchaîné », le héros du mythe, le titan Prométhée, est dépeint comme un ami altruiste et bienfaiteur de l'humanité, un courageux combattant contre la tyrannie et la violence, incarné à l'image de Zeus.

Dans les tragédies de Sophocle, ce ne sont pas tant les dieux qui agissent en tant que personnes. La tragédie "Antigone" représente une femme courageuse qui s'est prononcée contre la décision injuste du roi et a été condamnée à mort pour cela. Antigone a affronté le verdict avec courage. Après sa mort, elle a gagné, puisque le roi lui-même s'est ensuite repenti et a annulé, bien que tardivement, sa sentence. La tragédie « Antigone » était un appel passionné à l'humanité, à la fidélité au devoir, à la justice.

Euripide a rapproché la tragédie du spectateur, la rendant plus compréhensible et pertinente. Le poète soulève avec audace des questions qui préoccupent de nombreux contemporains sur l’injustice de l’inégalité des femmes. Il dépeint les gens avec toutes leurs passions, sentiments et aspirations, tout comme l'acteur grec ancien. Sur son visage se trouve un masque tragique. Les jambes ont des cothurnes. Figurine en ivoire, peinte Acteur grec ancien. Sur son visage se trouve un masque tragique. Les jambes ont des cothurnes. Une figurine en ivoire, peinte avec les couleurs telles qu'elles sont dans la vie.

Le plus grand poète comique était Aristophane. Dans ses œuvres, il a exposé avec colère les défauts de la démocratie athénienne de son époque, rendant ridicules nombre de ses dirigeants. Aristophane s'opposait vivement aux guerres entre Grecs, qui ne profitaient qu'à une poignée de propriétaires d'esclaves, et glorifiait les gens au travail pacifique. De nombreuses comédies d'Aristophane ridiculisent la tromperie, l'avidité et l'injustice des dieux de l'Olympe. Ainsi, dans la comédie « Les Oiseaux », il dépeint Zeus comme un voleur et un trompeur, Poséidon comme un corrompu et Hercule comme un glouton. Les comédies d'Aristophane connurent un succès bien mérité auprès du peuple.

Le sens du théâtre grec.

Le théâtre était la plus grande force des États grecs. Le peuple tout entier écoutait les auteurs de tragédies et de comédies. La chanson du chœur de la tragédie "Antigone" - "Il y a beaucoup de miracles dans le monde, mais l'homme est le plus merveilleux de tous" - est devenue la chanson préférée des Athéniens.

Le théâtre était appelé « école pour adultes ». Il a inculqué l'amour de la patrie, le respect du travail, le courage et d'autres qualités merveilleuses, et a remarqué les lacunes de la structure de la société.

Le théâtre grec a eu une influence considérable sur le développement de l’art théâtral des peuples de l’Europe moderne. Le théâtre de notre époque a non seulement emprunté la terminologie du théâtre grec, mais doit également nombre de ses caractéristiques et techniques aux Grecs. Les pièces des dramaturges grecs anciens, créées il y a plus de deux mille ans, ont influencé le travail de nombreux grands écrivains dramatiques des temps modernes. Dans notre pays et dans certains autres pays, des pièces d'Eschyle, Sophocle et Euripide sont encore jouées. Par une décision spéciale du Conseil mondial de la paix, toute l’humanité progressiste a récemment célébré l’anniversaire d’Aristophane. Les pensées et les sentiments des peuples d'une époque lointaine, exprimés dans les tragédies et les comédies des Grecs, nous excitent.

3. Œuvres d'Eschyle, Sophocle, Euripide, Aristophane.

Eschyle

Eschyle est devenu le véritable fondateur de la tragédie. Il est l'auteur de plus de soixante-dix ouvrages, dont sept seulement nous sont parvenus : « Les Perses », « Les Plaideurs », « Sept contre Thèbes », « Prométhée lié », « Agamemnon », « Choephori », « Euménide ». Toutes les pièces d'Eschyle sont imprégnées d'un fort sentiment religieux ; elles sont basées sur le conflit entre les passions humaines et la spiritualité.

Eschyle était le fondateur de la tragédie idéologiquement civile, un contemporain et participant aux guerres gréco-persanes, un poète de l'époque de la formation de la démocratie à Athènes. Le motif principal de son travail est la glorification du courage civique et du patriotisme. L’un des héros les plus remarquables des tragédies d’Eschyle est l’irréconciliable dieu-combattant Prométhée, personnification des forces créatrices des Athéniens. C'est l'image d'un combattant inflexible pour des idéaux élevés, pour le bonheur des gens, l'incarnation de la raison surmontant le pouvoir de la nature, un symbole de la lutte pour la libération de l'humanité de la tyrannie, incarné à l'image du cruel et vengeur. Zeus, au service servile duquel Prométhée préférait le tourment.

Sophocle

Sophocle a écrit 125 drames, dont sept tragédies ont survécu : « Antigone », « Ajax », « Œdipe le roi », « Electre », etc. Selon Aristote, Sophocle représentait des personnes idéales, tandis qu'Euripide représentait les gens tels qu'ils sont en réalité. . en fait. Euripide était plus un commentateur qu'un participant aux événements et s'intéressait profondément à la psychologie féminine. Les plus célèbres des 19 œuvres qui nous sont parvenues sont Médée et Phèdre.

Une caractéristique de tous les drames anciens était le chœur, qui accompagnait toute l'action de chants et de danses. Eschyle introduisit deux acteurs au lieu d'un, réduisant les parties du chœur et se concentrant sur le dialogue, ce qui fut une étape décisive dans la transformation de la tragédie de paroles chorales purement mimétiques en un véritable drame. Le jeu de deux comédiens a permis d'augmenter la tension de l'action. L'apparition d'un troisième acteur est l'innovation de Sophocle, qui permet de dessiner différentes lignes de comportement dans un même conflit.

Euripide

Dans ses tragédies, Euripide a reflété la crise de l'idéologie polis traditionnelle et la recherche de nouveaux fondements de la vision du monde. Il répondait avec sensibilité aux questions urgentes de la vie politique et sociale, et son théâtre représentait une sorte d'encyclopédie du mouvement intellectuel de la Grèce de la seconde moitié du Ve siècle. avant JC e. Dans les œuvres d'Euripide, divers problèmes sociaux ont été posés, de nouvelles idées ont été présentées et discutées.

La critique antique qualifiait Euripide de « philosophe sur scène ». Le poète n’était cependant pas partisan d’une certaine enseignement philosophique, et ses opinions n’étaient pas cohérentes. Son attitude envers la démocratie athénienne était ambivalente. Il le glorifiait comme un système de liberté et d'égalité, mais en même temps il était effrayé par la pauvre « foule » de citoyens qui décidaient des questions dans les assemblées publiques sous l'influence des démagogues. Un fil conducteur qui traverse toute l’œuvre d’Euripide est l’intérêt pour l’individu et ses aspirations subjectives. Le grand dramaturge a dépeint les gens avec leurs pulsions et leurs impulsions, leurs joies et leurs souffrances. Avec toute sa créativité, Euripide a obligé le spectateur à réfléchir à sa place dans la société, à son attitude face à la vie.

Aristophane

L’auteur de comédie le plus célèbre était Aristophane, qui savait diriger ses « flèches » satiriques contre les hommes politiques, les écrivains et les philosophes contemporains. Ses œuvres les plus marquantes sont « Guêpes », « Grenouilles », « Nuages ​​», « Lysistrata ». Les héros des comédies d'Aristophane ne sont pas des personnages légendaires, mais des habitants de l'Athènes contemporaine d'Aristophane : marchands, artisans, esclaves. Dans les comédies, il n’y a pas autant de respect pour les dieux que dans les tragédies. Ils étaient même parfois ridiculisés.

Aristophane propose une satire audacieuse de l'état politique et culturel d'Athènes à une époque où la démocratie commence à connaître une crise. Ses comédies représentent différentes couches de la société : hommes d'État et généraux, poètes et philosophes, paysans et guerriers, citadins et esclaves. Aristophane réalise des effets comiques aigus, combinant le réel et le fantastique et portant l'idée ridiculisée jusqu'à l'absurdité. Aristophane a un langage souple et vivant, parfois proche du quotidien, parfois très grossier et primitif, parfois parodiquement élevé et riche en formations de mots comiques inattendues.

Les sciences et la littérature de la Grèce antique ont été créées par des peuples libres doués d'une perception poétique et mythologique du monde. Dans tout ce que le Grec comprenait, il découvrait l'harmonie, que ce soit l'univers ou personnalité humaine. Dans sa perception mythologique, le Grec spiritualisait tout ce que sa conscience touchait. L'harmonie et la spiritualité déterminent l'organicité et l'intégrité de la culture grecque et, en premier lieu, de l'art.

4. Théâtre de la Rome antique.

Aux III-II siècles avant JC. e. Le théâtre joue un rôle majeur à Rome ; les intrigues des pièces sont empruntées aux Grecs, mais les personnages sont d'origine romaine.

Le théâtre romain est né de la décomposition du système patriarcal-tribal. Il ne connaissait pas les formes sociales et de danse en rond du théâtre grec et ne s'appuyait pas sur les performances amateurs de la population urbaine. Le théâtre romain se professionnalise immédiatement.

Le théâtre romain n’était pas associé au culte d’une divinité, comme en Grèce, et n’avait donc pas la même signification sociale. Les acteurs n’étaient pas des gens respectés, mais des gens méprisés. Ils étaient recrutés parmi les esclaves et les affranchis et pouvaient être battus en cas de mauvais résultats. Des représentations étaient organisées en l'honneur des jours fériés, ainsi qu'à tout autre moment à l'initiative de l'un des nobles citoyens.

Pendant longtemps, il n’y avait pas de théâtre permanent à Rome.

Pour les représentations, des structures temporaires spéciales en bois ont été construites, qui ont été démontées à la fin de la représentation. La scène était une plate-forme en bois élevée au-dessus du sol à moitié hauteur humaine. Trois escaliers étroits de plusieurs marches y conduisaient ; des personnages venus (selon l'intrigue) d'une autre ville y montaient. L’arrière-plan était le mur du fond de la cabine avec un rideau. Il y avait des bancs pour les spectateurs, mais parfois il n'était possible d'assister qu'à des représentations debout. On joua ainsi pendant assez longtemps, y compris les comédies de Plaute.

Cependant, avec le développement de la dramaturgie, la nécessité de modifier l’exécution s’est accrue. La nécessité de construire un théâtre spécial permanent à Rome a été discutée par le Sénat. Cependant, le Sénat estimait que le théâtre efféminait la jeunesse et corrompait les femmes - et en 154 il arrêta la construction qui avait commencé plusieurs années plus tôt. théâtre de pierre.

Le premier théâtre permanent en pierre a été construit vers 55 avant JC. commandant Gnaeus Pompée le Grand et accueilli 17 000 spectateurs.

Le théâtre romain était différent du théâtre grec. La taille de l'orchestre a été réduite de moitié, il s'est transformé en demi-cercle. (dans le théâtre hellénistique, l'orchestre occupait les trois quarts du cercle).

Les Étrusques et les Romains, comme tous les peuples, avaient des chants et des jeux rituels et cultes, il y avait aussi un théâtre de comédie populaire, le théâtre histrion, originaire des Étrusques, et le théâtre populaire d'Athelan (de la ville d'Atella) avec une représentation permanente. les personnages masqués étaient proches du mime grec : le fou de Bukkon, le fou de Makk, le simple Papp, le rusé Dossen. Étant donné que la représentation théâtrale n'était pas associée au culte d'une divinité, mais était programmée pour coïncider avec les vacances, les spectacles de cirque, les combats de gladiateurs, les triomphes et les enterrements d'hommes d'État et la consécration des temples, le théâtre romain était de nature fonctionnelle appliquée. La République romaine, et en particulier l'empire, était un État oligarchique, donc le développement de la vie culturelle s'est également déroulé différemment, ce qui a également affecté le théâtre. Dans de telles conditions, elle ne pouvait pas s’enraciner profondément. Le statut de l'acteur était différent de celui de la Grèce. Contrairement au Grec, il n’était pas un membre à part entière de la société et sa profession était méprisée.

Organisation du théâtre romain avait ses propres spécificités. La chorale n'a pas participé au spectacle et les acteurs ne portaient pas de masques. Les problèmes du drame romain n’atteignaient pas les sommets moraux du grec ancien. Les œuvres de seulement deux dramaturges ont atteint notre époque dans leur intégralité : Plaute et Terence, comédiens dont l'un était issu des couches inférieures de la société, et l'autre était un esclave affranchi par son maître pour son talent. Les intrigues de leurs comédies étaient tirées des pièces de la comédie néo-attique ; leur personnage principal était un esclave intelligent et curieux. Le genre tragique n'est représenté que par les œuvres de Sénèque, un philosophe stoïcien qui a écrit des pièces sur des sujets mythologiques pour un cercle restreint de l'élite, et elles n'ont, à proprement parler, aucun rapport avec le théâtre.

Avec la création de l’Empire romain, les pantomimes se sont généralisées. Néanmoins, le drame romain a eu un impact grande influence sur la dramaturgie des temps modernes de la période du classicisme : Corneille, Racine (dans l'Europe post-antique, la langue grecque était peu connue).

5. Organisation représentations théâtrales dans la Grèce antique et la Rome antique.

À Rome, comme en Grèce, les représentations théâtrales avaient lieu de manière irrégulière, mais elles étaient programmées pour coïncider avec certaines fêtes. Jusqu'au milieu du Ier siècle. AVANT JC. Il n’y avait pas de théâtre en pierre construit à Rome. Les représentations se sont déroulées dans des structures en bois, qui ont été démontées une fois achevées. Initialement, il n'y avait pas de places spéciales pour les spectateurs à Rome et ils regardaient les « matchs sur scène » debout ou assis sur la pente d'une colline adjacente à la scène.

Le premier théâtre en pierre de Rome fut construit par Pompée lors de son deuxième consulat, en 55 avant JC. Après lui, d’autres théâtres en pierre furent construits à Rome.

Les caractéristiques du bâtiment du théâtre romain étaient les suivantes : les sièges pour les spectateurs formaient exactement un demi-cercle ; l'orchestre semi-circulaire n'était pas destiné au chœur (il n'existait plus dans le théâtre romain), mais était un lieu pour des spectateurs privilégiés ; la scène était basse et profonde.

Les productions du théâtre romain étaient spectaculaires et s'adressaient principalement aux spectateurs plébéiens. "Du pain et des cirques", ce slogan était très populaire parmi les gens ordinaires à Rome. Les origines du théâtre romain étaient des gens de bas rang et des affranchis.

L'une des sources des représentations théâtrales à Rome était les chansons folkloriques. Il s'agit notamment des fescénines - des comptines caustiques et colériques qui étaient lancées par les villageois marmonnés lors des fêtes des récoltes. Beaucoup de choses sont venues au théâtre d'Atellana - une comédie folklorique de masques originaire des tribus osques qui vivaient en Italie près de la ville d'Atella.

Atellana a apporté au théâtre romain des masques établis qui avaient leurs origines dans les anciens jeux saturniens étrusques, organisés en l'honneur de l'ancien dieu italique Saturne. L'atellan avait quatre masques : Makk - un imbécile et un glouton, Bukk - un fanfaron stupide, un bavard vide et un simplet, Papp - un vieil homme simple et stupide et Dossen - un vilain charlatan scientifique. Cette charmante entreprise amuse depuis longtemps les honnêtes gens.

Un autre type ancien d'action dramatique doit être mentionné - mime. Au départ, il s'agissait d'une improvisation grossière réalisée lors des fêtes italiennes, en particulier lors de la fête du printemps de Floralia, puis le mime est devenu un genre littéraire.

Plusieurs genres de représentations dramatiques étaient connus à Rome. Le poète Cnaeus Naevius a également créé la tragédie dite prétextata, dont les personnages portaient des prétextes - les vêtements des magistrats romains.

La comédie à Rome était représentée par deux types ; comédie togata et comédie palliata. La première est une pièce joyeuse basée sur du matériel itélien local. Ses personnages étaient des gens de rang ordinaire. La togata tire son nom du vêtement extérieur romain - la toge. Les auteurs de ces comédies, Titinius, Afranius et Atta, ne nous sont connus que par des fragments individuels survivants. Le nom de la comédie palliata était associé au court manteau grec - pallium. Les auteurs de cette comédie se sont principalement tournés vers l'héritage créatif des dramaturges grecs, représentants de la comédie néo-attique - Ménandre, Philémon et Diphilus. Les comédiens romains combinaient souvent des scènes de différentes pièces grecques en une seule comédie.

Les représentants les plus célèbres de la comédie palliata sont les dramaturges romains Plaute et Terence.

Plaute, à qui le théâtre mondial doit de nombreuses découvertes artistiques (la musique devient partie intégrante de l'action, on l'entend aussi bien dans les scènes lyriques que comiques), était une personnalité universelle : il écrivait des textes, jouait dans des pièces qu'il mettait lui-même (« Ânes », « Pot », « Boastful Warrior », « Amphitryon », etc.). C'était un véritable artiste du peuple, tout comme son théâtre.

Terence s'intéresse surtout aux conflits familiaux. Il expulse de ses comédies la farce grossière, les affine dans le langage, dans les formes dans lesquelles s'expriment les sentiments humains (« La Fille d'Andos », « Frères », « Belle-mère »). Ce n'est pas un hasard si, à la Renaissance, l'expérience de Terence fut si utile aux nouveaux maîtres du drame et du théâtre.

La crise croissante a conduit au fait que le drame romain antique soit tombé en décadence, soit réalisé sous des formes sans rapport avec le théâtre lui-même. Ainsi, le plus grand poète tragique de Rome, Sénèque, écrit ses tragédies non pas pour être jouées, mais comme des « drames à lire ». Mais Atellana continue de se développer, le nombre de ses masques se reconstitue. Ses productions abordaient souvent des questions politiques et sociales. Les traditions de l'atellana et du mime, en effet, ne sont jamais mortes parmi le peuple ; elles ont continué à exister au Moyen Âge et à la Renaissance.

A Rome, le talent des acteurs atteint un très haut niveau. L'acteur tragique Esope et son contemporain, l'acteur comique Roscius (Ier siècle avant JC), jouissaient de l'amour et du respect du public.

Le théâtre du monde antique est devenu partie intégrante de l’expérience spirituelle de toute l’humanité, jetant ainsi les bases de ce que nous appelons aujourd’hui la culture moderne.

6. Théâtre du Moyen Âge. Théâtre religieux et folklorique

L'histoire du théâtre médiéval est une coupe culturelle de toute une époque (le Moyen Âge - l'ère du système féodal, V-XVII siècles), à partir de laquelle la conscience peut être étudiée. homme médiéval. Dans cette conscience, il y avait des combinaisons contradictoires d'éléments sains sens populaire et les superstitions les plus bizarres, la ferveur de la foi et la moquerie des dogmes de l'Église, l'amour spontané de la vie, la soif des choses terrestres et l'ascèse dure inculquée par l'Église. Souvent, les principes populaires et réalistes entraient en conflit avec les idées religieuses idéalistes et le « terrestre » prenait le pas sur le « céleste ». Et le théâtre médiéval lui-même trouve son origine dans les couches profondes de la culture populaire.

Même à la fin du début du Moyen Âge, des divertissements errants - les histrions - sont apparus sur les places et dans les rues des villes ainsi que dans les tavernes bruyantes. En France, on les appelait jongleurs, en Angleterre - ménestrels, en Russie - bouffons. L'habile histrion était un one-man-show. Il était magicien et acrobate, danseur et musicien ; il pouvait jouer un numéro avec un singe ou un ours, jouer une scène comique, faire la roue ou raconter une histoire étonnante. Dans ces histoires et ces spectacles vivait un joyeux esprit de foire, une plaisanterie gratuite.

L'art des vagabonds était encore plus audacieux. La parodie et la satire régnaient ici. Les vagabonds, ou « clercs errants », sont des séminaristes à moitié instruits et des prêtres défroqués. Au rythme des hymnes religieux, ils chantaient des louanges au « Bacchus qui boit tout » et parodiaient les prières et les services religieux. Les histrions et les vagabonds, persécutés par l'Église, s'unirent en confréries, attirant une grande variété de personnes. Ce fut par exemple le cas en France avec la « Confrérie des Enfants Insouciants » dirigée par le Prince des Fous. Les « gars » jouaient des numéros « stupides » (soti) amusants, dans lesquels tout et tout le monde était ridiculisé, et l'église était présentée sous les traits de la Mère Fou.

L’Église persécuta les Histrions et les Vagants, mais fut impuissante à détruire l’amour du peuple pour les spectacles théâtraux. Dans un effort pour rendre le service religieux - la liturgie plus efficace, le clergé lui-même commence à utiliser des formes théâtrales. Un drame liturgique surgit à partir de scènes des Saintes Écritures. On le jouait dans le temple, puis sur le porche ou dans la cour de l'église. Aux XIIIe-XIVe siècles. un nouveau genre de représentation théâtrale médiévale apparaît : le miracle (« miracle »). Les intrigues des miracles sont empruntées aux légendes sur les saints et la Vierge Marie. L'un des plus célèbres est « Le Miracle de Théophile » du poète français du XIIIe siècle. Rutbefa.

Le summum du théâtre médiéval - mystère.

Ce genre a prospéré au XVe siècle. Presque toute la population de la ville a participé aux mystères : certains en tant qu'acteurs (jusqu'à 300 personnes ou plus), d'autres en tant que spectateurs. Le spectacle était programmé pour coïncider avec la foire, une occasion spéciale, et s'ouvrait par un cortège coloré de citadins de tous âges et de toutes classes. Les intrigues sont tirées de la Bible et de l'Évangile. L'action s'est déroulée du matin au soir pendant plusieurs jours. Les belvédères étaient construits sur une plate-forme en bois, chacun ayant ses propres événements. À une extrémité de la plate-forme se trouvait un paradis richement décoré, à l'extrémité opposée se trouvait l'enfer avec la gueule béante d'un dragon, des instruments de torture et un immense chaudron pour les pécheurs. Les décorations au centre étaient extrêmement laconiques : l'inscription au-dessus de la porte « Nazareth » ou du trône doré suffisait à indiquer une ville ou un palais. Des prophètes, des mendiants, des diables menés par Lucifer sont apparus sur scène... Le prologue représentait les sphères célestes, où Dieu le Père était assis entouré d'anges et de figures allégoriques - Sagesse, Miséricorde, Justice, etc. Puis l'action s'est déplacée sur terre et au-delà. - en enfer, où Satan a fait frire les âmes pécheresses. Les justes sont sortis en blanc, les pécheurs en noir, les diables en collants rouges, peints de « visages » effrayants.

Les moments les plus pathétiques des représentations étaient associés à la Mère de Dieu en deuil et à la souffrance de Jésus. Le mystère avait aussi ses propres personnages comiques : des bouffons, des mendiants, des diables, dont ils avaient peur, mais souvent dupés. Le pathétique et le comique cohabitaient sans se mélanger. Les événements se sont développés avec la plus grande attention et intervention des forces supérieures et inférieures. Le ciel, la terre et les enfers constituaient un monde immense, et l'homme dans ce monde était à la fois un grain de sable et le centre - après tout, des forces bien plus puissantes que lui se battaient pour son âme. Les plus populaires étaient les mystères d'Arnoul Greban, ainsi que l'une des rares œuvres sur un thème mondain - «Le mystère du siège d'Orléans», qui recréait les événements de la guerre de Cent Ans (1337-1453) entre l'Angleterre et La France et l'exploit de la Pucelle d'Orléans - Jeanne d'Arc, qui mena la lutte du peuple français contre les envahisseurs anglais puis trahie par le roi de France, à qui elle rendit le trône. Il s'agit d'une représentation publique adressée à un public de masse. , le mystère exprimait à la fois des principes populaires et terrestres et un système d'idées religieuses et ecclésiales. Cette incohérence interne du genre a conduit à son déclin et a ensuite servi de raison à son interdiction par l'Église.

Un autre genre populaire était celui des pièces de moralité. Elles semblaient s'éloigner du jeu de mystère et devenir des pièces indépendantes à caractère édifiant. Des paraboles ont été jouées sur « Le prudent et l'imprudent », sur le « Juste et le fêtard », où le premier prend la Raison et la Foi comme partenaires de vie, le second - la Désobéissance et la Dissipation. Dans ces paraboles, la souffrance et la douceur sont récompensées au ciel, tandis que la dureté et l’avarice mènent à l’enfer.

Ils ont joué des pièces de moralité sur scène. Il y avait quelque chose comme un balcon, où l'on présentait des images vivantes des sphères célestes - les anges et le dieu des Armées. Des figures allégoriques, divisées en deux camps, apparaissaient de côtés opposés, formant des groupes symétriques : la Foi - avec une croix dans les mains, l'Espérance - avec une ancre, l'Avarice - avec une bourse d'or, le Plaisir - avec une orange, et la Flatterie avait une la queue du renard, qu'elle caressait Stupidité.

Une pièce de moralité est une dispute entre des personnes, jouée sur scène, un conflit exprimé non par une action, mais par une dispute entre des personnages. Parfois, dans les sketchs où l'on parlait des péchés et des vices, apparaissait un élément de farce et de satire sociale ; le souffle de la foule et « l'esprit libre de la place » (A.S. Pouchkine) y pénétraient.

Le théâtre carré, qu'il s'agisse d'une pièce de mystère, d'une pièce de moralité, d'un soti ou d'une représentation d'histrions, reflétait l'amour de la vie de l'homme médiéval, son audace joyeuse et sa soif de miracles - sa foi dans la victoire du bien et de la justice.

Et ce n'est pas un hasard si au 20ème siècle. l'intérêt pour le théâtre médiéval augmente. Les dramaturges et les metteurs en scène sont attirés par son attrait pour les masses, la distinction claire entre le bien et le mal inhérente à la conscience populaire, la portée « universelle » des événements, le penchant pour les paraboles et les métaphores lumineuses « d'affiche ». La poétique de ce spectacle populaire est utilisée par V. E. Meyerhold lors de la mise en scène de la pièce « Mystery-Buffe » de V. V. Mayakovsky. En Allemagne, le jeu de paraboles a été approuvé par B. Brecht. Au tournant des années 60-70, lors du mouvement de protestation étudiante, L. Ronconi en Italie met en scène « Roland furieux » de L. Arioste sur la place, et en France A. Mnouchkine met en scène des représentations de la Grande Révolution française (« 1789 », "1791" "). L'ancienne tradition théâtrale semble gagner du terrain nouvelle vie, en lien avec les recherches des travailleurs du théâtre moderne.

Genres du théâtre religieux médiéval

Au 9ème siècle. le premier genre de théâtre religieux médiéval est né - drame liturgique. Cette représentation théâtrale faisait partie du service divin (liturgie).

Les raisons de l'apparition de ce genre sont très probablement liées au désir des prêtres d'attirer le plus grand nombre de personnes possible vers la religion, de rendre le culte (au Moyen Âge, les services chrétiens se déroulaient en latin) plus compréhensible pour le peuple analphabète. .

Le drame liturgique est né du trope de l'église - une transcription dialoguée du texte de l'Évangile, qui se terminait généralement par un chant. Après lui, la liturgie s'est poursuivie comme d'habitude

Le premier drame liturgique est la scène des trois Marie arrivant au Saint-Sépulcre. Ce drame s'est produit à Pâques. Son intrigue était que Marie (des prêtres qui mettaient des foulards sur leurs têtes, indiquant Vêtements pour femmes) est venu au tombeau, dans lequel était censé reposer le corps du Christ crucifié, afin de l'enduire de pommade. Cependant, dans le tombeau, ils rencontrèrent un ange (un jeune prêtre en robe blanche). Dans cette scène apparaissent déjà des dialogues et des réponses individuelles (entre l'ange et les Marie), ce qui permet de dire que cette action fut le premier drame liturgique.

Les prêtres organisaient eux-mêmes la production du drame liturgique. Les représentations ont eu lieu dans le temple.

Au stade initial de son existence, le drame liturgique était étroitement adjacent à la messe, son texte coïncidait complètement avec le texte du service, tant dans le contenu que dans le style. Le drame liturgique était joué en latin et était empreint d'une ambiance solennelle, tout comme la messe. Les « acteurs » récitaient leurs paroles d’une voix chantante.

Petit à petit, le drame s'isole de plus en plus du service. Deux cycles indépendants de drame liturgique apparaissent - celui de Noël (qui comprenait des épisodes : la procession des bergers, préfigurant la naissance du Christ, le culte des Mages, la scène de la colère du roi Hérode, qui ordonna la mort de tous les bébés à Bethléem) et celui de Pâques (il comprenait des épisodes associés à la résurrection du Christ).

Au fil du temps, le drame liturgique évolue également, passant de statique et symbolique à efficace. Des éléments ménagers commencent à y être introduits.

Initialement créé pour rendre le culte plus compréhensible pour les paroissiens, le drame liturgique simplifiait les idées religieuses, ce qui présentait cependant un grand danger pour la religion, puisqu'il conduisait à sa profanation.

En 1210, par décret du pape Innocent III, les représentations de drames liturgiques à l'intérieur des églises furent interdites. À ce stade, le drame liturgique en tant que genre cesse d’exister.

Pour autant, le théâtre religieux ne disparaît pas. Le drame liturgique émerge de l'église sur le porche et devient un drame semi-liturgique.

Il y a des motifs encore plus mondains dans cette performance. Il perd son lien fort avec le service et avec le calendrier de l'église, le choix du jour du spectacle devient donc plus libre. Le drame semi-liturgique se joue également pendant la foire. Au lieu du latin, les représentations commencent à se dérouler dans des langues vernaculaires.

Les rôles « divins » étaient encore joués par le clergé. Des vêtements et des ustensiles d'église ont été utilisés lors de la représentation. L'action était accompagnée du chant d'une chorale interprétant des hymnes religieux en latin.

Le clergé a joué un rôle important dans l'organisation des représentations du drame semi-liturgique (mise à disposition du territoire du spectacle (porche), jeu des rôles principaux, sélection du répertoire, préparation des « costumes » et des « accessoires »).

Cependant, les thèmes religieux commencent à se mêler activement aux thèmes laïques. La culture théâtrale s’efforce de se dissocier de la religion, ce qui ne se produira cependant pas complètement pendant tout le Moyen Âge.

Mystère

Un autre genre lié au théâtre religieux. Le mystère provenait des processions en l'honneur des fêtes religieuses.

Le nom vient du lat. ministère – service religieux

L'apogée du théâtre mystérieux s'est produite aux XVe et XVIe siècles.

Les représentations étaient organisées par les ateliers de la ville et les municipalités, et non par l'église. Tous les habitants de la ville ont participé aux mystères.

Des représentations mystérieuses étaient souvent organisées les jours de foire.

Le matin du jour d'ouverture de la foire, un service de prière religieux a eu lieu, puis une procession solennelle a été organisée à laquelle a participé toute la ville. Après lui, le mystère lui-même s'est joué.

Les mystères étaient divisés en trois cycles - l'Ancien Testament (Ancien Testament, de la création du monde à la naissance du Christ), le Nouveau Testament (nouveau Testament, naissance, vie, mort, résurrection et ascension du Christ) et le cycle apostolique. (vies des saints).

Des représentants de divers ateliers de la ville ont participé à l'organisation et à la présentation du jeu mystère. Chaque atelier a reçu son propre épisode indépendant de l'action.

La représentation durait toute la journée, et parfois plusieurs jours.

Il y avait trois types d'organisation de l'espace scénique et, par conséquent, trois types de présentation des mystères.

Mobile (caractéristique principalement de l'Angleterre). Des épisodes individuels des mystères étaient projetés dans des fourgons dotés d'une plate-forme haute, ouverte de tous les côtés. Ces fourgons étaient appelés pagents. Après la projection d'un certain épisode, la camionnette s'est déplacée vers la place suivante et une nouvelle camionnette avec des acteurs est arrivée à sa place, jouant l'épisode suivant. Et ainsi de suite jusqu'à la fin du mystère.

Annulaire. Il y avait une seule plate-forme sur la place. Les pieux étaient disposés en forme d’anneau. Il y avait plusieurs sections distinctes sur la plate-forme, illustrant différentes scènes d'action. Les spectateurs étaient répartis autour de la plateforme.

Besedochny. Plusieurs scènes d'action ont été représentées simultanément sur la place. Il s’agissait d’une série de belvédères situés sur une seule plate-forme en ligne droite et faisant face au public de face. Dans chaque belvédère, des épisodes distincts ont été joués en fonction de la scène d'action représentée par ce belvédère. Le public se déplaçait d'un belvédère à l'autre.

Cette organisation de l'espace scénique est associée au principe le plus important du théâtre médiéval : la simultanéité (simultanéité). Ce principe impliquait la présence simultanée de plusieurs lieux d'action sur la place et, par conséquent, la simultanéité des actions qui s'y déroulaient. La simultanéité remonte aux idées médiévales sur le temps.

Lors de l'organisation des spectacles, des machines étaient activement utilisées et une grande attention était accordée aux décorations, en particulier celles qui représentaient le paradis ou l'enfer. Le côté divertissement était extrêmement important.

Dans la pièce mystérieuse, le naturalisme (se manifestant notamment dans la présentation de diverses scènes sanglantes) et les conventions coexistaient.

Malgré le fait que le mystère était organisé par des laïcs, il s'agissait d'une sorte de service religieux accompli par toute la ville.

La participation au mystère était considérée comme un acte pieux. De nombreux rôles étaient si populaires parmi les candidats que les organisateurs ont organisé une vente aux enchères à partir de laquelle ces rôles ont été vendus.

Le mystère comprenait des éléments complètement hétérogènes. Malgré le fait que son contenu principal soit un épisode de la Bible, des éléments quotidiens ont pénétré très activement dans le mystère. De plus, parfois la performance mystérieuse était diluée avec des scènes farfelues entières, qui constituaient pratiquement une performance distincte sans aucun rapport avec le mystère en termes d'intrigue. De plus, les épisodes impliquant des démons étaient très populaires. Et souvent, un personnage tel qu'un bouffon apparaissait dans les mystères.

Initialement, l'organisation des mystères était réalisée par des amateurs ; plus tard, des syndicats entiers ont commencé à se créer, dont la responsabilité était de mettre en scène le mystère. En règle générale, on les appelait confréries par analogie avec d'autres confréries médiévales.

L'organisation la plus célèbre de ce type était la Confrérie de la Passion en France, qui, depuis 1402, avait même le monopole d'organiser à Paris non seulement des mystères, mais aussi des miracles et « d'autres pièces morales religieuses » (comme l'indique le brevet délivré aux membres). de la confrérie par le roi).

Miracle

Le nom de ce genre vient du mot latin miraculum (miracle).

Originaire de France au XIIIe siècle.

Le miracle vient des hymnes en l'honneur des saints et des lectures de leur vie à l'église. Par conséquent, les intrigues reposaient sur des histoires de miracles accomplis par la Vierge Marie et les saints.

L'organisation des spectacles de miracles en France était assurée par des communautés spéciales - les puys. Leur nom vient du mot podium.

Moralité

Un autre genre lié au théâtre religieux du Moyen Âge.

Apparaît aux XVe-XVIe siècles.

Il s'agit d'une pièce allégorique dans laquelle jouent des personnages allégoriques. Chacun d'eux est la personnification d'un concept abstrait (péché, vertu, qualité, etc.). L'essence de l'intrigue se résumait à l'histoire de la façon dont une personne est confrontée à un choix entre le bien et le mal.

Les gens qui choisissaient la vertu étaient finalement récompensés et ceux qui se livraient au vice étaient punis. Ainsi, tout conte moral était empreint de didactisme.

Les pièces de moralité n'ont pas de lien direct avec les intrigues bibliques, cependant, son caractère moralisateur permet de classer ce genre comme théâtre religieux du Moyen Âge.

La scène du spectacle moral était la scène construite sur la place.

Les personnages allégoriques portaient des inscriptions sur la poitrine, qui expliquaient au public qui se trouvait devant eux. De plus, chacun d'eux avait son propre attribut intégral, avec lequel il apparaissait toujours sur scène et qui expliquait également symboliquement de quel genre d'allégorie il s'agissait.

Essayons d'imaginer art du monde pas de théâtre. D'une telle pensée, une compréhension claire de ce qu'est en principe l'art disparaît immédiatement. Si vous supprimez au moins un aspect de la créativité, alors l'art disparaîtra complètement, puisqu'il fait partie intégrante. Le théâtre synthétise tous les aspects créatifs : musique, peinture, architecture, des moyens d'expression la littérature et les moyens d'expression humains, généreusement offerts par la nature.

De plus, faisant naturellement partie intégrante de la culture, le théâtre devient un loisir dont on ne peut se passer. l'homme moderne. Les gens ont besoin de pain et de jeux. Et c'est en fait l'une des tâches fonctionnelles du théâtre, qui devient évidente si l'on comprend l'origine du terme.
Le concept de « Théâtre » vient du grec. "theatron" - qui signifie littéralement un lieu de spectacles, le spectacle lui-même. L'idée du théâtre est apparue dans la Grèce antique, et ce n'est qu'alors qu'elle s'est renforcée et a germé de puissantes racines dans le domaine de l'art au sens auquel nous sommes habitués. Initialement, la naissance du théâtre était associée à des jeux rituels dédiés aux dieux protecteurs de l'agriculture : Déméter, sa fille Koré, Dionysos. Les Grecs accordèrent une attention particulière à ce dernier, issu de tout le panthéon des dieux. Dionysos était considéré comme le dieu des forces créatrices de la nature, de la vinification, et fut même par la suite appelé le dieu de la poésie et du théâtre. Lors des fêtes qui lui étaient consacrées, des chants solennels de carnaval étaient chantés, le cortège costumé organisait une procession festive, se barbouillait le visage de marc de vin, mettait des masques et des peaux de chèvre (montrant ainsi du respect à Dieu, il était représenté sous la forme d'une chèvre ). C'est ici que le théâtre a vu le jour. Les genres sont nés de jeux rituels : la tragédie et la comédie, qui sont à la base de la dramaturgie. Un fait intéressant est que dans le théâtre grec, tous les rôles étaient joués uniquement par des hommes. Les acteurs, au nombre de deux sur scène, jouaient avec d'immenses masques et sur des cothurnes (chaussures sur une estrade haute). Il n'y avait aucune décoration. Les femmes étaient autorisées à assister aux représentations dans des cas exceptionnels et, en règle générale, siégeaient séparément des hommes.
Si dans la Grèce antique, le théâtre était considéré comme une affaire d'État, les dramaturges et les acteurs étaient des citoyens respectés et pouvaient occuper de hautes fonctions publiques, alors sous l'Empire romain, le statut public de l'art théâtral a considérablement diminué. Des spectacles ont été organisés avec l'accent principal sur le divertissement. Et bientôt, ils ont commencé à être complètement remplacés par des combats de gladiateurs, qui ont eu lieu au Colisée et dans d'autres bâtiments du théâtre. Des spectacles plus sanglants y étaient également organisés - chasses de masse, arts martiaux avec des animaux, dépeçage public de criminels condamnés par des animaux sauvages. À cette époque, l'art théâtral avait complètement perdu son lien avec le rituel et son caractère sacré, et les acteurs passaient des citoyens respectés aux couches les plus basses de la société.

Théâtre médiéval

Couvertures de théâtre médiéval ou d'Europe occidentale période énorme développement de l'art théâtral - dix siècles : du 5 au 11 siècles. (début Moyen Âge) et du XIIe au XVe siècle. (période de féodalité développée). Son développement est déterminé par le processus historique général du développement de la civilisation et est indissociable de ses tendances.
Le Moyen Âge fut l’une des périodes les plus difficiles et les plus sombres de l’histoire. Après la chute de l'Empire romain au Ve siècle. ancien la civilisation ancienne a été pratiquement effacé de la surface de la terre. La jeune religion chrétienne, comme toute idéologie à ses débuts, a donné naissance à des fanatiques qui ont lutté contre l'ancienne culture et le théâtre païens, les considérant notamment comme une relique du paganisme. Durant cette période, des temps difficiles surviennent pour l’art en général et surtout pour le théâtre.
Les premiers idéologues du christianisme : Jean Chrysostome, Cyprien et Tertullien ont qualifié les acteurs d'enfants de Satan et le public d'âmes perdues. Tous les théâtres laïques existants ont été fermés, tous les acteurs, musiciens, jongleurs, artistes de cirque, danseurs étaient anathèmes. Les arts du spectacle étaient considérés comme une hérésie et tombèrent sous l’Inquisition. Il semblerait que sous un tel régime, le théâtre aurait dû disparaître de la surface de la terre, mais il a survécu. En grande partie grâce aux troupes itinérantes qui se promenaient dans les petits villages avec des sketches d'improvisation. Et grâce au fait que traditions théâtrales obstinément préservé dans les jeux rituels populaires et les rituels associés au cycle du calendrier. L'État ne pouvait pas tout suivre, c'est pourquoi des éléments du théâtre se sont clairement infiltrés par la loi dans les traditions rituelles de nombreux villages. Par exemple, en Occident et de l'Europe de l'Est des jeux théâtraux de mai ont eu lieu, symbolisant la victoire de l'été sur l'hiver, ainsi que les fêtes des récoltes d'automne. Au fil du temps, les actions rituelles traditionnelles se sont progressivement transformées, elles ont inclus des éléments folkloriques, le côté artistique du rituel a acquis de plus en plus d'importance, se rapprochant notion moderne sur le théâtre. Les gens ont commencé à se démarquer parmi les gens et à s'engager dans des jeux et des activités de manière plus professionnelle. De cette source est née l'une des trois lignes principales du théâtre médiéval - la ligne populaire-plébéienne. Plus tard, cette ligne a été développée dans des spectacles de rue et des farces satiriques.
Une autre branche du théâtre médiéval est celle de l'église féodale. Cela est associé à un changement dans l’attitude de l’Église à l’égard de l’art théâtral et au remplacement d’une politique prohibitive par une politique d’intégration. Vers le IXe siècle, ayant perdu la guerre contre les vestiges du paganisme et appréciant le potentiel idéologique et de propagande du spectacle, l'Église commença à inclure des éléments de théâtre dans son arsenal. C’est à cette époque qu’est généralement attribuée l’émergence du drame liturgique. Les textes du drame étaient tirés des écritures évangéliques, interprétés en latin, et leur interprétation en termes de jeu se distinguait par la formalité, la sévérité et la sécheresse, avec une prétention à la catharsis. Mais malgré le caractère formel de la représentation, le drame liturgique est devenu une échappatoire à la légalisation du théâtre. Aux XIIe et XIIIe siècles, le folklore et les éléments quotidiens, les épisodes comiques et le vocabulaire populaire ont commencé à pénétrer dans le drame liturgique. Déjà en 1210, le pape Innocent III avait publié un décret interdisant la représentation de drames liturgiques dans les églises. Cependant, l'Église ne voulait pas renoncer à un moyen aussi puissant d'attirer l'amour des gens. Le drame liturgique se transforme en drame semi-liturgique. Ce fut la première forme de transition du théâtre religieux au théâtre profane. Les vagabonds - paroliers itinérants, comédiens parmi les prêtres et séminaristes à moitié instruits - peuvent également être considérés comme une forme de transition entre les lignes de développement folkloriques-plébéiennes et féodales du théâtre médiéval. Leur apparition est due au drame liturgique - les représentations de vagabonds, en règle générale, des liturgies satiriques parodiées, cérémonies à l'église et même des prières, remplaçant l'idée d'humilité et de soumission à Dieu par la glorification des joies charnelles terrestres. Les Vagants furent persécutés par l'Église avec une cruauté particulière. Au 13ème siècle. ils ont pratiquement disparu.
La troisième ligne de développement du théâtre médiéval est la ligne bourgeoise. Au Moyen Âge, des tentatives isolées et timides de création d'un drame profane apparaissent. L'une des toutes premières formes de théâtre laïc fut les cercles poétiques du Puy, d'abord à vocation religieuse et de propagande, puis devenus laïcs. Membre du Puy d'Arras, le trouveur français (musicien, poète et chanteur) Adam de La Halle, a écrit les premières pièces profanes médiévales - "Le jeu de la tonnelle" et "Le jeu de Robin et Marion". Il était en fait le seul dramaturge laïc début du Moyen Âge, il n'est donc pas nécessaire de parler de tendances.

Théâtre de la Renaissance

A la Renaissance, les changements dans le domaine de l'art sont associés à la transformation de la doctrine idéologique générale : de l'ascétisme et du fanatisme du Moyen Âge à l'harmonie, la liberté et le développement harmonieux de la personnalité de la Renaissance. Le terme lui-même (Renaissance française - revival) proclame le principe de base : un retour aux exemples classiques de l'art ancien. Le théâtre, pratiquement interdit pendant environ mille ans, connut un essor particulièrement brillant à la Renaissance. Des changements arrivaient dans tous les aspects vie théâtrale: de nouveaux genres, formes, métiers théâtraux apparaissent. Cela est dû non seulement aux changements du climat social, mais aussi à l’une de ses conséquences les plus importantes : le développement de la science et de la technologie.
Le facteur le plus important qui a influencé le développement du théâtre à cette époque a été la nouvelle construction de bâtiments de théâtre. A été inventé et mis en œuvre en principe nouveau genre bâtiment de théâtre - rang ou à plusieurs niveaux. Cela a donné à l’art théâtral de nouvelles opportunités, notamment acoustiques. En conséquence, cela a conduit à la formation et au développement rapide de nouvelles formes théâtrales - l'opéra classique et le ballet. Le nouveau concept de construction théâtrale traitait la scène et la salle comme un tout, c'est pourquoi de nouveaux principes de l'art théâtral et décoratif ont reçu une impulsion pour le développement - la création de paysages pittoresques avec perspective. L'apparition des bâtiments de théâtre couverts a posé d'une nouvelle manière les défis techniques et artistiques de l'éclairage de la scène au théâtre : il n'était plus possible de jouer uniquement à la lumière du jour. Les nouvelles tendances techniques nécessitaient leur mise en œuvre pratique. Grâce à cela, de nombreux nouveaux métiers du théâtre se sont développés : opérateurs de scène, décorateurs, acoustiques, graphistes, éclairagistes, etc.
Des changements dramatiques ont également eu lieu dans l'organisation des représentations théâtrales : à la Renaissance, pour la première fois dans l'histoire, le théâtre a été confronté au problème aigu de la concurrence pour les spectateurs. Lorsque plusieurs bâtiments de théâtre existent simultanément dans une ville et qu'en même temps une troupe de comédiens ambulants se produit sur la place, les spectateurs potentiels disposent d'une véritable alternative. Ainsi, la concurrence a largement déterminé le développement de divers genres et types d’art théâtral au cours de la Renaissance. Par exemple, en Italie, le plus grand succès a été celui du jeune opéra et du théâtre d'improvisation des masques (commedia dell'arte). En Angleterre, les institutions publiques furent ouvertes les unes après les autres. théâtres dramatiques(« Globe », « Rideau », « Rose », « Cygne », « Fortune », etc.). En Espagne, le théâtre religieux – auto-sacramentel – continue de connaître un énorme succès. En Allemagne, les arts des maîtres chanteurs - fastnachtspiel (spectacles du Mardi Gras) et farces - se sont activement développés. En Europe, les signes d'intégration géographique et d'influence mutuelle de l'art théâtral de différents pays se faisaient clairement sentir : la concurrence croissante pour les spectateurs a conduit à la généralisation de la pratique des « tournées » de troupes de théâtre mobiles (principalement italiennes et anglaises).
Dans un certain sens, le théâtre de la Renaissance a atteint l'apogée de son développement, maîtrisant presque tous les genres, types et directions possibles. Parallèlement, deux principaux types de théâtres se constituent : le théâtre de répertoire (lorsqu'une troupe de théâtre stable met en scène des spectacles basés sur les œuvres de différents dramaturges) et le théâtre d'entreprise (lorsque, sous un certain projet de théâtre divers spécialistes sont spécialement réunis). De plus, presque jusqu'à la fin du XIXe siècle. Le développement du théâtre s'est déroulé principalement sous un changement de tendances esthétiques : classicisme, Lumières, romantisme, sentimentalisme, symbolisme, naturalisme, réalisme, etc.

Théâtre moderne

La transformation du théâtre au XIXe siècle a été déterminée par la révolution scientifique et technologique, et en particulier par l'émergence du cinéma. Au début, le cinéma, puis la télévision, étaient reconnus comme des concurrents du théâtre. Cependant, le théâtre n'a pas abandonné, c'était la fin du XIXe - début du XXe siècle. caractérisé par une intensité particulière à la recherche de nouveaux moyens d'expression théâtrale. A cette époque, un nouveau métier théâtral apparaît, qui est aujourd'hui devenu le principal du théâtre: le métier de metteur en scène. Si le théâtre de tous les siècles passés peut à juste titre être qualifié de théâtre de théâtre, c'est depuis le début du 20e siècle. est arrivé nouvelle ère- Théâtre du metteur en scène. Un concept fondamentalement nouveau de l'art théâtral émerge : la simple représentation professionnelle d'un spectacle (jeu d'acteur, scénographie, effets de bruit et de lumière, etc.) ne suffit pas ; leur combinaison organique est nécessaire, fusionnant en un seul tout. En conséquence, la théorie et la pratique du théâtre incluent de nouvelles concepts de base: concept général du spectacle, super tâche, action de bout en bout, ensemble d'acteurs, décision du metteur en scène, etc.
Le nouveau concept de théâtre s'est avéré extrêmement fructueux dans toutes les directions esthétiques. Cela se voit particulièrement clairement dans l'exemple des systèmes théâtraux de K.S. Stanislavski, ainsi que M.A. Tchekhov, qui se développe activement en Russie au début du 20e siècle. Le principe de mise en scène puissant et déterminant rend ces systèmes fondamentaux au théâtre moderne. De plus, l'orientation apportée à nouvelle étape et l'art du jeu, établissant de nouveaux principes de jeu. Le nouveau concept de théâtre du metteur en scène a eu un impact fondamental sur le cinéma : très vite, la figure du réalisateur, de simple organisateur du processus de tournage, s'est transformée en auteur principal, le créateur du film. On peut à juste titre dire que le théâtre de mise en scène représente la voie optimale vers le retour du sacré. performance théatrale.

Dans notre bibliothèque, vous pouvez trouver

3. Théâtre et représentations théâtrales dans la Grèce antique.

4. Tragédies et comédies du théâtre grec antique.

5. Créateurs de théâtre.

6. Conclusion.

L'émergence du théâtre.
Le théâtre est né dans la Grèce antique il y a environ deux mille cinq cents ans.
Le mot même « théâtre » origine grecque et signifie « lieu pour les spectacles ».
Les représentations théâtrales étaient les spectacles préférés des Grecs de l’Antiquité.
L'origine du théâtre était associée à la religion des anciens Grecs, à savoir
festivités en l'honneur du dieu Dionysos, patron des vignerons. Dans l'un des
les mythes disent que Dionysos erre à travers la terre avec une foule
leurs compagnons. Ce sont des satyres - des dieux de la forêt, mi-humains, mi-chèvres. Chez les satyres
longues queues, oreilles et sabots pointus. Quand aux sons des flûtes et des trompettes
Dionysos vient en Grèce, puis le printemps commence dans ce pays, il fait plus chaud
le soleil se réchauffe, les fleurs s'épanouissent, toute vie renaît.
Fin mars, la Grèce a célébré la fête principale du dieu du vin - le Grand
Dionysie. Lorsqu'ils représentaient des satyres, les Grecs portaient des peaux de chèvre et attachaient
longues barbes de feuilles de chêne, leur a peint le visage ou les a couverts
masques de chèvre. Un joyeux cortège de momies s'est déplacé dans les rues de la ville et
arrêté quelque part sur la place. Le chanteur s'est manifesté. Il chante
a parlé des pérégrinations de Dionysos, de sa rencontre avec des pirates et autres
aventures, et le reste des mamans chantaient avec lui en chœur. J'ai interprété le chanteur principal
puis l'un des héros du mythe, puis Dionysos lui-même, puis l'un des satyres. Scènes,
joués par les participants de la fête, et ont été les premières pièces de théâtre
spectacles : le chanteur et les mummers étaient des acteurs, et les spectateurs étaient tout
population de la ville.

Théâtre et représentations théâtrales dans la Grèce antique.
Dans les villes grecques de la fin du VIe siècle. avant JC e. construit pour les représentations théâtrales
bâtiments spéciaux. Dans presque toutes les villes grecques, y compris les colonies
rives de la Méditerranée et de la mer Noire, il y avait son propre théâtre, et parfois plusieurs (ainsi,
il y avait plus de dix théâtres en Attique). Chacun des théâtres antiques abritait
plusieurs milliers de spectateurs. Par exemple, le Théâtre de Dionysos à Athènes comptait environ 17
mille lieux.
Le théâtre était un spectacle favori dans la Grèce antique, tous les habitants le recherchaient
arriver à la fête de Dionysos, mais ces célébrations (dont ils faisaient partie
des représentations théâtrales) n'avaient pas lieu quotidiennement, mais seulement deux fois par an.
Il n'y avait pas de représentations en soirée dans la Grèce antique. Représentations dans les théâtres grecs
a commencé vers sept heures du matin et s'est poursuivi jusqu'au coucher du soleil : ils ont placé en rang
plusieurs représentations.
"Le grec ancien billets de théâtre" : ils facturaient une somme modique pour entrer au théâtre
(à Athènes le pouvoir appartenait à aux gens ordinaires, des démos, donc
l'État, prenant soin des citoyens les plus pauvres, leur a donné de l'argent pour acheter
des billets). Le ticket était en plomb ou en terre cuite. Les lettres sont visibles sur le billet
"bêta" (B) et "epsilon" (E). La lettre indiquait l'un des « coins » auxquels
le théâtre était divisé par des escaliers, rayonnant des rayons. Comme indiqué sur le billet
Le « coin » pourrait prendre n'importe quelle place, à partir de la deuxième rangée. Pour ne pas
assis tout en haut, les Grecs allaient au théâtre avant l'aube. Ils ont emporté avec eux un paquet de
des tartes et une bouteille de vin, un manteau chaud, un oreiller placé sous
soi-même sur un banc de pierre. Le théâtre était rarement à moitié vide.
La plupart des spectateurs étaient des hommes, des citoyens et des Grecs en visite.
Les femmes, constamment occupées aux tâches ménagères, fréquentaient beaucoup le théâtre

moins souvent que les hommes. Les esclaves n'entraient dans le théâtre qu'en tant que serviteurs accompagnant

leurs maîtres
Les sièges de la première rangée étaient non seulement en marbre, mais aussi gratuits, attribués
ils sont destinés aux spectateurs d'honneur (prêtres de Dionysos, vainqueurs des Jeux Olympiques,
stratèges).
Il y avait une excellente audibilité dans le théâtre. Si vous lancez une pièce de monnaie au centre de l'orchestre,
sa sonnerie se fera entendre jusque sur les bancs les plus reculés. Le bâtiment du théâtre avait la forme
un immense fourré qui, tel un mégaphone, amplifiait tous les sons de la parole et de la musique.
Le théâtre grec n'avait pas de rideau. L'action s'est déroulée sans entracte,
ceux. Pas de pauses.
Les théâtres étaient situés en plein air sur les pistes et accueillaient des milliers de personnes.
spectateurs. Le bâtiment du théâtre se composait de trois parties.
Une partie du théâtre est constituée de sièges pour les spectateurs. Ils étaient divisés par des passages en sections,
ressemblant à des coins.
Une autre partie du théâtre est l'orchestre - une plate-forme ronde ou semi-circulaire sur laquelle
acteurs et chœur se sont produits. Pas un seul événement n'a eu lieu sans chants et danses.
performance. Membres du chœur en fonction du contenu de la représentation
représentait soit des amis du personnage principal, soit des citadins, soit des guerriers, et
parfois des animaux - des oiseaux, des grenouilles et même des nuages.
La troisième partie du théâtre s'appelait skene. C'était à côté de l'orchestre
construction Des planches ou panneaux peints étaient fixés à son mur,
représentant l'entrée du palais, le portique du temple ou le bord de mer. À l'intérieur du Skene
les costumes et les masques des acteurs étaient stockés.
Seuls les hommes participaient aux représentations. Ils ont joué chez les hommes ou
masques pour femmes, portant des chaussures spéciales à semelles épaisses pour paraître plus grandes

hauteur. Les traits du visage des acteurs étant peu visibles depuis les derniers rangs

théâtre, les acteurs portaient de grands masques peints qui couvraient non seulement
le visage, mais aussi la tête. En regardant les acteurs, il est devenu clair qui ils étaient.
représenter. Les personnes âgées ont les cheveux blancs et les joues fines et creuses. Si le héros
plus jeunes, leurs cheveux et leur barbe devinrent à moitié gris, des jeunes hommes étaient représentés
imberbe. L'esclave pouvait être reconnu immédiatement - ses traits trahissaient le non-Grec
origine. Habituellement, pas plus de trois personnes participaient à chaque représentation.
acteurs. Il pourrait y avoir beaucoup de choses dans la pièce personnages, et puis chaque acteur
joué plusieurs rôles.
Tragédies et comédies du théâtre grec antique.
Dans la Grèce antique, il existait deux principaux types de spectacles : la tragédie et la comédie.
Les pièces de théâtre au contenu sérieux étaient appelées tragédies. Généralement dans les tragédies
les héros des mythes jouaient, leurs exploits, leurs souffrances et souvent leur mort étaient représentés.
Tragédie en grec signifie « chant des chèvres ». Des tragédiens grecs au monde
Trois sommités du drame antique sont devenues célèbres : Eschyle, Sophocle, Euripide.
Les comédies étaient des pièces amusantes ou des chansons de villageois joyeux.
Les personnages de comédies - performances drôles et moqueuses -
Aux côtés des héros des mythes se trouvaient les contemporains du public. En démocratie
Athènes, avec sa vie politique très développée, fournit le matériel le plus riche pour
elle a elle-même donné des comédies vie politique. Un maître inégalé
comédie politique Aristophane (450-388 avant JC), originaire d'Athènes, était considéré comme
le seul auteur de comédie politique dont les 11 pièces ont survécu
nos jours. Les propriétés distinctives de l'œuvre d'Aristophane sont :
beauté artistique de la forme, esprit inépuisable, combinaison
ambiances dramatiques, comiques et lyriques. Dans ses comédies

Aristophane exprime les intérêts de la paysannerie attique et des couches moyennes

démocratie urbaine.

Des représentations théâtrales ainsi que jeux olympiquesétaient aimés
les spectacles des Hellènes.

Sophocle (né vers 497 – décédé en 406 av. J.-C.) – grand dramaturge grec ancien. Créé
à l'époque de l'apogée de la démocratie esclavagiste athénienne et de ses
culture. Avec Périclès, Sophocle fut élu stratège (440-439 avant JC), c'est-à-dire
chefs militaires. Avec Eschyle et Euripide, Sophocle a créé et développé
tragédie antique classique du grenier; il a augmenté le nombre de pièces
acteurs de 2 à 3, parties chorales réduites par rapport au dialogue et à l'action,
décorations introduites et masques améliorés. Parmi ceux écrits par Sophocle, plus de 120
pièces de théâtre, 7 tragédies et plus de 90 extraits ont été conservés, dont un fragment
drame satirique "Pathfinders". Popularité de Sophocle à Athènes
confirmé par le fait que dans les compétitions dramatiques, il a remporté la première place 18 fois
récompense et jamaisn'a pas pris la troisième place. Thème des tragédies de Sophocle, de près
associés à des sujets mythologiques. Les drames de Sophocle se caractérisent par
harmonie compositionnelle, proportionnalité des parties, stricte subordination du particulier
général - idée artistique. Sophocle révèle psychologiquement sincèrement
le monde intérieur de leurs héros. L'œuvre de Sophocle a eu une grande influence sur
littérature mondiale depuis la Renaissance.
Conclusion.
L'étape la plus importante dans le développement du théâtre fut la culture théâtrale de l'Antiquité,
Dans la Grèce antique, un théâtre était créé sur la base de traditions folkloriques et nouveau
idéologie humaniste. Le théâtre occupait une place importante dans la vie publique
cités-États démocratiques grecques antiques. Son développement a été
inextricablement lié à l’essor du drame grec. Représentations de théâtre grec
faisaient partie de célébrations publiques organisées par l'État,
reflété des problèmes critiques vie publique.



Théâtre

Théâtre

nom, m., utilisé souvent

Morphologie: (non quoi? théâtre, quoi? théâtre, (voir quoi? théâtre, comment? théâtre, à propos de quoi? à propos du théâtre; PL. Quoi? théâtres, (non quoi? théâtres, quoi? théâtres, (voir quoi? théâtres, comment? théâtres, à propos de quoi? sur les théâtres

1. Théâtre est une forme d'art, une performance scénique œuvres dramatiques qui est interprété par des acteurs devant le public.

Théâtre amateur et professionnel. | Théâtre européen et oriental. | Théâtre de masques, miniatures, pantomime. | Impliquez-vous dans le théâtre. | Il connaît bien le théâtre et surtout le ballet.

2. Théâtre appelé une organisation qui organise des spectacles et met en scène des spectacles.

Drame, opéra. | Théâtre Bolchoï et Maly. | Théâtre de ballet. | Capitale, théâtre provincial. | Spectacle de marionnettes. | Théâtre pour jeunes spectateurs. | Théâtre public et privé. | Théâtre dramatique et comique. | Théâtre nommé d'après A.S. Pouchkine. | Troupe de théâtre.

3. Théâtre appelé le bâtiment dans lequel les représentations ont lieu.

Théâtre luxueux et cosy. | Théâtre de mille places. | Construction, reconstruction du théâtre. | Foyer, salle du théâtre. | Reconstruire et réparer le théâtre.

4. Théâtre d'été appelé pavillon dans le parc, où des spectacles amateurs sont présentés pendant la saison chaude.

5. Théâtre solo appelé une performance dramatique jouée et interprétée par une seule personne.

6. Cinéma maison sont appelés spectacles amateurs qui sont exécutés par des membres d'une même famille pour des proches, des invités, etc.

7. Théâtre d'ombres appelée pantomime manuelle, dans laquelle les ombres sur un mur ou un écran représentent des animaux, des personnes et des mouvements.

Une veilleuse brûlait derrière le rideau et un théâtre d'ombres familier se jouait sur l'écran.

8. Théâtre Anatomique- c'est une chambre d'hôpital utilisée pour enseigner aux étudiants universités de médecine techniques d'autopsie et de dissection des cadavres.

9. Théâtre de guerre- Il s'agit d'une zone où se déroulent des opérations militaires à grande échelle pendant la guerre.

Quittez le théâtre des opérations.

Dictionnaire Langue russe Dmitriev. D.V. Dmitriev. 2003.

Synonymes:

Voyez ce qu’est « théâtre » dans d’autres dictionnaires :

théâtre- théâtre … Dictionnaire Nanai-Russe

- (du grec theatre place for spectacles, spectacle), un type de bâtiment architectural destiné aux représentations théâtrales. D'abord bâtiments de théâtre est apparu vraisemblablement au 6ème siècle. avant JC e. dans la Grèce antique. Ils étaient ouverts et... Encyclopédie des arts

Si deux personnes parlent et qu’une troisième écoute leur conversation, c’est déjà du théâtre. Le Théâtre Gustav Holoubek est un département à partir duquel on peut dire beaucoup de bien au monde. Nikolaï Gogol Ne confondons pas le théâtre et l'église, car il est plus difficile de transformer une cabine en église que... Encyclopédie consolidée des aphorismes

THÉÂTRE, théâtre, mari. (Théâtre grec). 1. unités uniquement Art qui consiste à représenter quelque chose chez des personnes, réalisé sous forme de spectacle public. La musique et le théâtre sont ses principaux passe-temps. ère soviétique temps fort... Dictionnaire explicatif d'Ouchakov

Théâtre- Théâtre. Représentation de la tragédie grecque antique. THÉÂTRE (du grec theatre, lieu de spectacle, spectacle), type d'art dont le moyen d'expression spécifique est l'action scénique qui surgit au cours du processus de performance d'un acteur devant un public.… … Dictionnaire encyclopédique illustré

Théâtre 19 ... Wikipédia

THÉÂTRE, hein, mari. 1. L'art de présenter sur scène des œuvres dramatiques ; juste une telle performance. Musique, etc. Impliquez-vous dans le théâtre. 2. Une entreprise de divertissement, une salle où de telles œuvres sont présentées sur scène. Dramatique, opératique... Dictionnaire explicatif d'Ojegov

Album Theatre Studio d'Irina Allegrova Date de sortie 25 novembre 1999 ... Wikipédia

Scène, scène, scène, stand. Voir le lieu... Dictionnaire des synonymes russes et expressions similaires. sous. éd. N. Abramova, M. : Dictionnaires russes, 1999. théâtre d'arène, temple de Melpomène, scène (de théâtre), art théâtral, dramaturgie, ... ... Dictionnaire de synonymes

- (du grec theatre, lieu de spectacle, spectacle), type d'art dont le moyen d'expression spécifique est l'action scénique qui se produit lors de la représentation de l'acteur devant le public. Les origines du théâtre dans l'Antiquité cynégétique et agricole... ... Grand dictionnaire encyclopédique

Pays et peuples. Questions et réponses Kukanova Yu. V.

Où est apparu le premier théâtre ?

Où est apparu le premier théâtre ?

Le premier théâtre est apparu dans la Grèce antique. Il s'agissait d'une structure en plein air assez grande, où les sièges du public étaient situés en demi-cercle au-dessus de la scène.

À cette époque, le théâtre mettait en scène des pièces de deux genres seulement : la tragédie et la comédie, écrites sur des bases historiques ou histoires mythologiques. Les femmes n'étaient pas toujours autorisées à assister à de tels spectacles et elles s'asseyaient généralement séparément.

Il n'y avait pas de décorations sur la scène du théâtre et tous les rôles étaient joués par des hommes, portant d'immenses masques et cothurnes - des bottes hautes qui donnaient de la majesté aux figures des acteurs.

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