L'histoire du théâtre. L'histoire du théâtre est le monde de l'humanité Comment le théâtre s'est développé

Les premières représentations théâtrales européennes ont vu le jour au 6ème siècle avant JC. des fêtes religieuses dédiées au dieu du vin et de la fertilité Dionysos. Les acteurs ont utilisé des masques pour montrer les émotions des personnages, ainsi que pour indiquer clairement au public quel était le sexe et l'âge du personnage lorsqu'il est apparu sur scène. Une tradition millénaire interdisant aux femmes de se produire sur scène est née précisément en théâtre grec antique.

Le premier acteur est considéré comme le grec Thesipus, qui a remporté un concours de poésie en l'honneur de Dionysos.

Au 3ème siècle avant JC. Les Romains, inspirés par le théâtre grec, ont créé leurs propres versions de pièces de théâtre grecques antiques et ont commencé à les jouer sur des scènes improvisées. Les acteurs de ces représentations étaient des esclaves. Les femmes n'étaient autorisées à jouer rôles mineurs. Alors que les théâtres romains devaient rivaliser pour attirer l'attention d'un public habitué aux combats de gladiateurs, aux exécutions publiques et aux courses de chars, les pièces contenaient de plus en plus de scènes de violence et d'humour grossier. Avec la propagation du christianisme, ces idées ont pris fin.

L'émergence du théâtre au Moyen Âge

Bien que dans l'Europe médiévale les représentations théâtrales étaient considérées comme un péché, traditions théâtrales développé. Les ménestrels inventaient et interprétaient des ballades, et les marionnettistes, acrobates et conteurs se produisaient dans les foires. Pendant le service de Pâques, les prêtres jouaient des mystères - des histoires théâtrales qui permettaient aux analphabètes de comprendre le sens de ce qui se passait.

Plus tard, les mystères ont commencé à être joués lors d'autres fêtes religieuses, présentant diverses histoires bibliques.

Théâtre de la Renaissance

À la Renaissance (XIVe-XVIIe siècles), on s'intéresse au renouveau du théâtre classique grec et romain. À la jonction des traditions du théâtre antique et médiéval, des représentations théâtrales profanes sont apparues et la commedia dell'arte est apparue - un spectacle improvisé créé par plusieurs acteurs masqués. C'était la première fois depuis l'époque romaine que les femmes étaient autorisées à revenir sur scène.

En 1576, le premier théâtre fut construit à Londres ; avant cela, toutes les pièces étaient jouées dans des hôtels, sur des champs de foire ou au milieu des salles des châteaux et des maisons nobles. La reine anglaise Elizabeth I a fréquenté les arts théâtraux; à l'époque qui porte son nom, sont apparus les premiers dramaturges professionnels, dont le plus célèbre est le grand Shakespeare, les acteurs, la tradition d'utiliser des accessoires et de changer de costumes pendant les représentations. Enfin théâtre classique formé par milieu du XVIIIe siècle siècle.

La variété est un type de théâtre dont les représentations sont basées sur une combinaison de différents genres de théâtre, de musique, de pop et de art du cirque. Les représentations des théâtres de variétés sont toujours légères et joyeuses. Ils sont remplis d’humour, d’ironie et d’éléments parodiques. Acteurs et lecteurs, chanteurs et danseurs, magiciens et acrobates se produisent sur la scène du spectacle de variétés.

Spectacles de variétés parisiens

Les théâtres de variétés se sont répandus grandes villes Europe de l'Ouest au tournant des XIXe et XXe siècles. Ils tirent leur nom du Théâtre des Variétés, fondé en 1720 à Paris.

Les caféschantans et les cabarets sont considérés comme les prédécesseurs des théâtres de variétés, même si les notions de « cabaret » et de « spectacle de variétés » sont parfois considérées comme synonymes. Paris reste longtemps le centre de développement des théâtres de variétés.

Les représentations des théâtres de variétés se distinguaient par une décoration incroyablement somptueuse. Peut-être que le genre principal des émissions de variétés est devenu la revue - la revue de variétés.

Dans les années 1880, apparaissent des spectacles de variétés de cabaret célèbres comme « Le Chat Noir » et « Foli Bergère ». En plus du faste, leurs performances étaient caractérisées par une sentimentalité excessive et des blagues obscènes.

Les théâtres de variétés ont atteint leur apogée dans les années 20 et 30 du XXe siècle. Des chansonniers aussi talentueux que Maurice Chevalier et Joséphine Baker ont commencé à se produire dans les célèbres spectacles de variétés de cabaret parisien « Moulin Rouge » et « Apollo ». Ils ont réussi à combiner leurs compétences vocales et d'acteur.

Dans le même temps, les théâtres de variétés commencent à maîtriser la technique de la danse pop spectaculaire, apparue dans l'opérette et devenue plus tard l'une des moyens expressifs.

L'art des variétés en Russie

En Russie, des spectacles de divertissement, comprenant des vers, des danses et des chansons frivoles, qui peuvent être considérés comme les prédécesseurs des spectacles de variétés, sont apparus au milieu du XIXe siècle et ont été présentés dans les cafés et les restaurants.

Les théâtres de variétés en Russie ont commencé à se développer activement au cours de cette période Âge d'argent. A cette époque, de nombreuses tavernes artistiques, restaurants, cabarets et théâtres miniatures ouvrent leurs portes. Les célèbres restaurants et théâtres miniatures Aquarium et Hermitage sont apparus à Moscou. Chauve souris" Et " faux miroir" ; à Saint-Pétersbourg - "Theater Buff", cabaret "Comedians' Halt", café "Stray Dog". Ils ont animé des spectacles de parodie et de variétés, des soirées de poésie, spectacles de marionnettes. L'un des représentants les plus éminents de l'esthétique des émissions de variétés était l'éminent acteur et chanteur russe Alexander Vertinsky, qui interprétait le rôle de Pierrot.

Dans les années 1920, l'un des éléments principaux d'un spectacle de variétés, les tables devant la scène, qui rapprochaient le théâtre et le restaurant, cesse d'être obligatoire.

DANS dernières décennies L’esthétique des émissions de variétés connaît un nouvel apogée. Certes, les frontières entre les termes « cabaret », « spectacle de variétés », « revue », « burlesque » et « music-hall » se sont désormais estompées.

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L'art théâtral trouve son origine dans extrême antiquité aux danses totémiques, à la copie rituelle des habitudes animales, à l'exécution de rituels utilisant des costumes spéciaux, des masques, des tatouages ​​et de la peinture corporelle. Aux premiers stades du développement du théâtre, le dramaturge et l’interprète étaient unis en une seule personne.

DANS ancien monde Jusqu'à quinze mille spectateurs se sont rassemblés pour les représentations. L'action des représentations s'est déroulée dans le giron de la nature, comme si elle restait un événement de la vie elle-même. Cela a donné au théâtre antique du naturel et de la vivacité.

Au Moyen Âge, le théâtre se développe sous des formes remontant au drame liturgique, joué dans le cadre de service de l'Église. Aux XIIIe-XIVe siècles. des genres isolés du service surgissent - mystère, miracle, et pénètrent dans ces productions ecclésiales motifs folkloriques et des spectacles. Les formes de théâtre populaire sont réalisées à travers créativité amateur, et sous forme de spectacles de rue d'acteurs itinérants. Au XVe siècle Le genre le plus démocratique du théâtre médiéval a émergé : la farce, qui reproduisait avec humour la vie et la morale de ses contemporains.

À la Renaissance formes folkloriques arts théâtraux imprégné d'humanisme (comédie italienne des masques), le théâtre devient philosophique, devient un moyen d'analyse de l'état du monde (Shakespeare), un instrument de lutte sociale (Lope de Vega).

Théâtre du classicisme (XVIIe siècle) -- art contemporain de son époque, construit sur la base de l’esthétique normative (Boileau) et de la philosophie rationaliste (Descartes). Il s'appuie sur la grande dramaturgie tragique (Racine, Corneille) et comique (Molière), affirmant héros idéaux, ridiculisant les vices. Les acteurs incarnent les traits humains universels des personnages, négligeant leurs spécificités historiques et caractéristiques nationales. Le théâtre du classicisme est au centre des intérêts artistiques de la cour et des besoins du public.

Au XVIIIe siècle ils entrent par effraction dans le théâtre idées pédagogiques(Diderot, Lessing), elle devient un moyen de lutte sociale du tiers état contre la féodalité. Les acteurs s'efforcent d'exprimer statut social personnage.

Dans la première moitié du XIXe siècle. Le théâtre romantique se répand. Il se distingue par une émotivité accrue, un lyrisme, un pathos rebelle et une particularité dans la représentation des personnages.

Dans les années 30 du XIXème siècle. devient la tendance dominante au théâtre réalisme critique. Cette direction se développe sur la base de la dramaturgie de Gogol, Ostrovsky, puis de Tchekhov, Ibsen, Shaw. Le théâtre devient profondément national et se démocratise, ses formes populaires et de masse se développent. Des théâtres destinés au peuple apparaissent : « boulevard » (Paris), « petit » (New York), théâtres de banlieue (Vienne).

scène russe art XIXème V. - théâtre du réalisme, aigu problèmes sociaux, une attitude critique envers la réalité, allant jusqu'à son exposition satirique, typification de la vie, analyse psychologique personnalité.

Dans le premier tiers du XXe siècle, le théâtre connaît Grande réforme: Le metteur en scène est venu au théâtre. C'est la conquête du XXe siècle. Les réalisateurs K. Stanislavsky, V. Meyerhold, M. Reinhardt, A. Appiah, G. Craig, L. Kurbas ont créé un nouveau théories scientifiques arts performants. DANS les temps modernes Le principe principal du spectacle est l'ensemble. Le metteur en scène dirige cet ensemble (troupe), interprète le plan du dramaturge, traduit la pièce en représentation et organise l'ensemble de son déroulement.

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L’art théâtral est l’un des arts les plus complexes, les plus efficaces et les plus anciens. De plus, il est hétérogène, synthétique. Les composantes de l'art théâtral comprennent l'architecture, la peinture et la sculpture (paysage), la musique (cela sonne non seulement dans les représentations musicales, mais aussi souvent dans les représentations dramatiques), et la chorégraphie (encore une fois, non seulement dans le ballet, mais aussi dans le théâtre), et la littérature (le texte sur lequel est basée une représentation dramatique) et l'art du jeu, etc. Parmi tout ce qui précède, l'art du jeu est la principale chose qui détermine le théâtre. Le célèbre metteur en scène soviétique A. Tairov a écrit : « ... dans l'histoire du théâtre, il y a eu de longues périodes où il existait sans pièces de théâtre, sans aucun décor, mais il n'y a pas eu un seul moment où le théâtre était sans acteur. .»

Un acteur de théâtre est artiste principal, ce qui crée ce qu'on appelle une image de scène. Plus précisément, un acteur de théâtre est à la fois un artiste-créateur, matériau de la créativité, et son résultat - une image. L'art d'acteur nous permet de voir de nos propres yeux non seulement l'image dans son expression finale, mais aussi le processus même de sa création et de sa formation. L'acteur crée une image à partir de lui-même, et en même temps la crée en présence du spectateur, sous ses yeux. C'est peut-être la principale spécificité de la scène, de l'image théâtrale - et c'est là la source du plaisir artistique particulier et unique qu'elle procure au spectateur. Le spectateur au théâtre, plus que partout ailleurs dans les arts, participe directement au miracle de la création.

L’art du théâtre, contrairement aux autres arts, est un art vivant. Elle ne surgit qu'à l'heure de la rencontre avec le spectateur. Il repose sur un contact émotionnel et spirituel indispensable entre la scène et le public. Un tel contact n’existe pas, ce qui signifie qu’il n’existe pas de spectacle vivant selon ses propres lois esthétiques.

C'est un grand tourment pour un comédien de se produire devant une salle vide, sans un seul spectateur. Cet état équivaut pour lui à se trouver dans un espace fermé au monde entier. A l’heure de la représentation, l’âme de l’acteur est dirigée vers le spectateur, tout comme l’âme du spectateur est dirigée vers l’acteur. L'art du théâtre vit, respire, excite et captive le spectateur dans ces moments heureux où, à travers les fils invisibles des transmissions à haute tension, il y a un échange actif de deux énergies spirituelles, mutuellement dirigées l'une vers l'autre - de l'acteur au spectateur, du spectateur à l'acteur.

En lisant un livre, devant un tableau, le lecteur et le spectateur ne voient pas l'écrivain, le peintre. Et ce n'est qu'au théâtre qu'une personne rencontre l'artiste créateur, le rencontre au moment de la créativité. Il devine l'émergence et le mouvement de son cœur, et vit avec lui toutes les vicissitudes des événements qui se sont déroulés sur scène.

Le lecteur est seul, seul avec livre précieux, peut vivre des moments passionnants et heureux. Et le théâtre ne laisse pas son public tranquille. Au théâtre, tout repose sur l'interaction émotionnelle active de ceux qui créent sur scène ce soir-là. œuvre d'art, et ceux pour qui il est créé.

Le spectateur assiste à une représentation théâtrale et non comme un observateur extérieur. Il ne peut s'empêcher d'exprimer son attitude face à ce qui se passe sur scène. Une explosion d'applaudissements approbateurs, des rires joyeux, un silence tendu et ininterrompu, un soupir de soulagement, une indignation silencieuse - la participation du public au processus d'action scénique se manifeste dans une riche variété. Une ambiance festive naît au théâtre lorsque cette complicité et cette empathie atteignent la plus haute intensité.

C'est ce que signifie son art vivant. L'art dans lequel les battements du cœur humain sont entendus, les mouvements les plus subtils de l'âme et de l'esprit, qui contiennent tout le monde des sentiments et des pensées humaines, des espoirs, des rêves, des désirs, sont capturés avec sensibilité.

Bien sûr, lorsque nous pensons et parlons d'un acteur, nous comprenons à quel point non seulement un acteur est important pour le théâtre, mais aussi un ensemble d'acteurs, une unité, interaction créative acteurs. « Le vrai théâtre, écrivait Chaliapine, n’est pas seulement la créativité individuelle, mais aussi l’action collective, exigeant une harmonie complète de toutes les parties. »

Le théâtre est un art doublement collectif. Le spectateur perçoit une production théâtrale et une action scénique non seulement, mais collectivement, « sentant le coude d'un voisin », ce qui renforce grandement l'impression et la contagiosité artistique de ce qui se passe sur scène. Dans le même temps, l’impression elle-même ne vient pas d’un acteur individuel, mais d’un groupe d’acteurs. Tant sur scène que dans la salle, des deux côtés de la rampe, ils vivent, ressentent et agissent - non pas des individus, mais des personnes, une société de personnes liées les unes aux autres pour un temps par une attention, un objectif et une action communes.

C’est dans une large mesure ce qui détermine l’énorme rôle social et éducatif du théâtre. L’art créé et perçu ensemble devient une école au vrai sens du terme. « Le théâtre », écrivait le célèbre poète espagnol García Lorca, « est une école de larmes et de rire, une tribune gratuite à partir de laquelle les gens peuvent dénoncer une morale dépassée ou fausse et expliquer, à l'aide d'exemples vivants, les lois éternelles du cœur humain et de l'humanité. sentiment."

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Les arts du théâtre en monde moderne est l’une des branches culturelles les plus répandues. Il existe un grand nombre de théâtres construits dans le monde entier, dans lesquels des productions sont présentées quotidiennement. Avec le développement de technologies innovantes, de nombreuses personnes ont commencé à oublier vraies valeurs art. Tout d'abord, le théâtre donne à une personne la possibilité de s'améliorer et de se développer.

Le théâtre dans l'Antiquité

L'art théâtral est l'un des plus anciens. Ses origines sont loin de la société primitive. Il est né de jeux agricoles et de chasse de nature mystérieuse et magique. La société primitive croyait que si, avant de commencer un certain travail, on jouait une scène illustrant l'achèvement favorable du processus, le résultat serait positif. Ils imitaient également les animaux, leurs habitudes et leur apparence. Les anciens croyaient que cela pouvait influencer le résultat de la chasse ; ils dansaient souvent en portant peaux d'animaux. Et c’est dans ces actions que commencent à apparaître les premiers éléments du théâtre. Un peu plus tard, les masques ont commencé à être utilisés comme principaux attributs du prêtre-acteur entrant dans l'image.

Théâtre dans l'Egypte ancienne

Le théâtre en Egypte a commencé son développement dès le début Ancien monde. C'était vers la fin du troisième millénaire avant JC. Chaque année, de petites représentations théâtrales à caractère dramatique et religieux étaient présentées dans les temples.

Théâtre dans la Grèce antique

Dans la Grèce antique, les théâtres étaient principalement construits sous à ciel ouvert et ont été conçus pour des dizaines de milliers de spectateurs. Le public était assis sur de hauts bancs de pierre face à une large scène circulaire située au centre, on l'appelait « orchestre ». Le culte du grand dieu de la fertilité Dionysos a joué un rôle majeur dans le développement du théâtre grec. Le répertoire était composé de trois tragédies et comédies. Les acteurs étaient uniquement des hommes, qui jouaient parfois des femmes. Dans la comédie, ils devaient faire rire le public, pour cela ils utilisaient des masques faits maison, qui représentaient des nez aplatis, des lèvres saillantes et des yeux exorbités. Les masques étaient fabriqués à partir de bois sec, puis de tissu, après quoi ils étaient recouverts de plâtre et peints avec diverses peintures. Les masques permettaient aux spectateurs assis à l'écart de la scène antique de voir les expressions faciales correspondant à l'action. La bouche grande ouverte sculptée dans le masque permettait aux acteurs d'augmenter le volume de leur voix ; on pourrait même dire qu'elle servait de porte-parole.

Les représentations étaient très populaires en Grèce théâtre folklorique, que les anciens Grecs appelaient mimes. Un mime était considéré comme une petite scène de nature quotidienne ou satirique, dans laquelle des acteurs représentaient héros mythologiques, de braves guerriers ou de simples voleurs de marché. Les femmes pouvaient également jouer des mimes ; les masques n'étaient pas utilisés pendant le spectacle.

Théâtre dans la Rome antique

Dans la Rome antique, le théâtre servait avant tout à divertir les foules de spectateurs. Et les acteurs étaient considérés comme l'une des classes inférieures de la population ; peu d'acteurs romains étaient respectés dans l'art théâtral. Le plus souvent, les affranchis et les esclaves devenaient acteurs. Dans le théâtre romain, comme dans le théâtre grec, les sièges des spectateurs étaient situés en fonction du cercle principal. En plus des tragédies et des comédies, les acteurs romains jouaient des antonymes, des pyrrhiciens, des mimes et des attelans. La fréquentation du théâtre était gratuite pour les femmes et les hommes, mais pas pour les esclaves. Pour attirer les spectateurs et les surprendre avec luxe, les organisateurs des jeux ont décoré la salle d'or, y ont aspergé les liquides les plus parfumés et ont parsemé le sol de fleurs.

Théâtre en Italie

Dans le théâtre italien de la Renaissance, les représentations étaient très différentes : elles étaient plus gaies, pleines d'humour et de satire. La représentation théâtrale s'est déroulée sur des scènes en bois spécialement conçues, autour desquelles se rassemblait toujours une immense foule de spectateurs. Les théâtres antiques commencèrent à se concentrer dans les grandes villes culturelles et industrielles. C'est l'art théâtral de l'Antiquité qui a révolutionné le théâtre dans son ensemble et divisé le théâtre en variétés. Depuis cette époque, aucun changement fondamental ni innovation révolutionnaire n’a été observé à ce jour.

Théâtre aux XVIIe et XVIIIe siècles

L'art théâtral des XVIIe et XVIIIe siècles était de plus en plus rempli de romantisme, de fantaisie et d'imagination. Au cours de ces années, le théâtre était le plus souvent créé par des troupes composées d'acteurs et de musiciens itinérants. Dans les années 1580, il était visité par les roturiers, mais à partir de 1610, les Français les plus riches et les plus élégants ont commencé à s'intéresser à cet art. Plus tard, le théâtre fut considéré comme une morale établissement culturel, le plus souvent il était visité par des aristocrates. Le théâtre français présentait principalement des pièces de théâtre costumées, des comédies et des ballets. Le paysage a pris une apparence plus proche de la situation réelle. L'art théâtral des XVIIe et XVIIIe siècles est devenu la base du développement de tout l'art mondial futur. De nombreux théâtres de cette époque ont survécu jusqu'à nos jours.

En Angleterre

L'art théâtral anglais du XVIIIe siècle a joué un rôle important dans l'histoire et le développement de l'ensemble du théâtre européen. Il devient le fondateur de la dramaturgie des Lumières. Également à cette époque, un nouveau genre dramatique est apparu, appelé drame bourgeois ou, comme l'appelait le public, tragédie bourgeoise. Pour la première fois, c'est en Angleterre que naquirent les représentations dramatiques bourgeoises ; plus tard elles pénétrèrent en Allemagne, en Italie et en France.

Transition de la Renaissance aux Lumières

La transition de la Renaissance aux Lumières a été très mouvementée, longue et assez douloureuse tant pour les acteurs que pour les spectateurs. Le Théâtre de la Renaissance mourut progressivement d'année en année, mais un miracle de la pensée humaine tel que l'art musical et théâtral n'a pas réussi à mourir comme ça. Le dernier et l'un des coups les plus violents lui fut porté par la révolution puritaine. L'Angleterre, qui était récemment pleine de vie et de joie, lumineuse et colorée, est soudainement devenue pieuse, vêtue de vêtements sombres et trop pieuse. Il n’y avait pas de place pour le théâtre dans une vie aussi grise. Ils ont tous été fermés et, un peu plus tard, les bâtiments ont été incendiés. En 1688, la révolution tant attendue a eu lieu en Angleterre, après quoi la transition de la Renaissance aux Lumières a eu lieu.

De retour au pouvoir, les Stuart restaurent complètement les théâtres, mais ils étaient désormais très différents de ceux de l'époque précédente. Au XVIIIe siècle, l'art musical et théâtral s'épanouit avec un riche bouquet de genres nouveaux. L'opéra-ballade, la pantomime et la répétition commencent à jouir d'une énorme popularité. À partir de ce moment, le théâtre anglais se préoccupe davantage des profits que des problèmes. En 1737, le gouvernement anglais approuva un acte de contrôle sur vie théâtrale, et à partir de ce moment, toutes les pièces écrites furent soumises à une censure stricte.

Théâtre dans la Russie antique

Dans les territoires qui étaient autrefois Russie kiévienne, l'art théâtral apparaît au XVIIe siècle. Cela a commencé avec des représentations à l’école et à la cour. Les premiers studios d'art théâtral ont été fondés dans des écoles fraternelles et dans les cours des riches. Les pièces de théâtre ont été écrites par des enseignants et des étudiants. Ils utilisaient principalement à la fois des légendes quotidiennes et des récits évangéliques. L'émergence du théâtre de cour a été provoquée par le grand intérêt de la noblesse de cour pour l'art et Culture occidentale. Les nobles aimaient tellement les représentations des étudiants produites par le premier studio d'art théâtral qu'ils pouvaient les regarder plus de 10 fois. Initialement, le théâtre de la cour n'avait pas lieu permanent, tous les costumes, décorations et décorations ont été transférés d'un endroit à un autre. Au fil du temps, plus près du XVIIIe siècle, représentations théâtrales ont commencé à se distinguer en grande pompe et étaient accompagnés de danses et de jeux d'instruments de musique.

Dans le 19ème siècle Théâtre russe pour la première fois, il était divisé en troupes musicales, groupes de théâtre, ainsi qu'en groupes d'opéra et de ballet. C'est au cours de ces années qu'est ouverte l'une des premières scènes dramatiques, qui s'appellera plus tard le Théâtre Maly. Bien qu'une division se produise entre les troupes, elles restent longtemps inséparables. Bientôt, des institutions telles que l'Académie des arts du théâtre ont commencé à apparaître, et ce ne sont pas les pauvres, mais plutôt les riches et les riches qui sont devenus des acteurs. Des gens éduqués. Au fil du temps, le nombre de théâtres a commencé à croître rapidement et ils étaient gérés par le bureau des théâtres de l'empereur. Quant aux acteurs et aux ouvriers, ils commencent à se référer à tous les théâtres, et non spécifiquement à une troupe particulière. Au XXe siècle, l’art s’est amélioré sous une forme que nous pouvons constater encore aujourd’hui.

Un des les représentants les plus brillants, développé à cette époque, est le Théâtre Bolchoï.

Rôle dans le monde moderne

Le théâtre occupe une place essentielle dans le monde de l’art moderne, il s’adresse donc à un large public et attire chaque jour de plus en plus de nouveaux spectateurs. Très souvent, dans les théâtres modernes, il y a des pièces consacrées aux œuvres de classiques célèbres, cela permet d'acquérir de nouvelles connaissances et de mieux connaître l'histoire. Il existe aujourd’hui de nombreuses académies et écoles où l’on peut devenir acteur.

Mais, en plus de la grande académie, où sont formés les futurs acteurs, il existe également de petites institutions, par exemple un studio d'art théâtral, dans lequel tout le monde peut accéder. personne talentueuse qui veut faire ses preuves et apprendre toutes les subtilités du jeu d'acteur. Quelques théâtres modernes nous émerveillent par la beauté et la plasticité des formes architecturales.

L'histoire du théâtre remonte à La Grèce ancienne il y a plus de deux mille ans. Art ancien Il s'agissait à l'origine d'un divertissement spectaculaire pour le public, de scènes festives d'acteurs costumés. Les représentations étaient initialement programmées pour coïncider avec le Grand Denys, une fête religieuse majeure.

Aujourd'hui, le théâtre est sans doute plus qu'une procession d'hommes chanteurs en peaux de chèvre à travers la ville. Il est devenu art de haute qualité, moyen de détente haute société, un lieu d'éducation culturelle. L'histoire du théâtre est processus passionnant développement qui se poursuit encore aujourd’hui. Nous le dirons au lecteur dans notre article. Vous trouverez également de nombreux faits intéressants dans le matériel présenté. Alors, commençons.

Commencer

A Athènes du 5ème siècle avant JC. e. les représentations théâtrales faisaient partie intégrante des fêtes religieuses. Les processions avec la statue de Dionysos étaient accompagnées de chants joyeux et de jeux dramatiques. On peut dire que l’histoire du théâtre athénien a commencé comme un spectacle amateur destiné à un petit nombre de spectateurs. Au début, seules des tragédies étaient mises en scène ; plus tard, des comédies furent montrées. Il est à noter que les pièces de théâtre, en règle générale, n'étaient présentées qu'une seule fois. Cela a incité les auteurs à créer des textes pertinents, œuvres intéressantes. Le dramaturge n'a pas seulement écrit la pièce, il a également participé à part entière au spectacle, jouant les rôles de metteur en scène, compositeur, chorégraphe et même acteur. Naturellement, c’étaient des gens extrêmement talentueux.

Mais pour devenir choreg (chef de chœur), il n’était pas nécessaire d’avoir un grand talent. Tout ce dont ils avaient besoin c’était d’argent et de relations avec des représentants du gouvernement. La principale responsabilité des chorégas était de payer les factures, de fournir un soutien matériel complet et de soutenir le théâtre. À cette époque, c'était un lieu de compétition ; les gagnants étaient les chorégas, le poète et le protagoniste. Les gagnants ont été couronnés de lierre et récompensés. La victoire leur a été donnée par décision du jury.

Un fait intéressant est que les anciens Romains étaient de vrais fans du réalisme. Une production dans laquelle l'acteur jouait le rôle à 100% était considérée comme idéale - si nécessaire, il devait même être prêt à mourir.

Le théâtre grec n'avait pas de toit ; les spectateurs et les acteurs étaient en effet dans la rue. La taille des théâtres antiques était énorme, ils accueillaient de 17 à 44 000 personnes. Au début, des plates-formes en bois étaient utilisées pour asseoir les spectateurs, puis des pentes en pierre naturelle ont été adaptées pour le théâtre. Et seulement alors, au 4ème siècle avant JC. e., un théâtre en pierre a été construit.

Vous serez probablement intéressé de savoir que le gouvernement, à commencer par Périclès, a donné la possibilité de visiter le théâtre et de découvrir la beauté même aux citoyens financièrement défavorisés. Pour y parvenir, chacun a reçu une subvention pour une visite au théâtre, puis pour trois visites.

Histoire théâtre antique a un trait caractéristique : les acteurs jouent leur rôle sans l'aide de leurs propres expressions faciales. Il fut remplacé par toutes sortes de masques, souvent très grotesques. L'acteur a accordé une grande attention aux mouvements du corps et aux vêtements. Les acteurs étaient des hommes, même dans les rôles féminins. Ils occupaient une position privilégiée dans la société et étaient exonérés d'impôts.

Un fait intéressant est que Livius Andronicus, un ancien dramaturge romain, est devenu le père du premier « phonogramme » au monde. Il s'est retrouvé sans voix, mais s'est sorti de la situation en trouvant un garçon qui parlait pour lui.

Quelques termes du théâtre antique

De nombreuses définitions utilisées dans les théâtres antiques ont survécu jusqu'à nos jours. Un petit dictionnaire de termes de l’Antiquité est présenté ci-dessous :

• L'orchestre est une partie du théâtre de forme ronde avec deux entrées, destinée à l'exécution de chœurs dramatiques et lyriques. Au théâtre d'Athènes, son diamètre était de 24 mètres.
• Skena est un endroit pour changer de vêtements. A l'origine une simple tente, puis combinée avec des fragments décoration scènes, par exemple, arrière-plan.
• Proskenium - une colonnade devant le skene.
• Paraskenium – extensions de pierres latérales.
• La scène est un espace surélevé au-dessus de l'orchestre, où les acteurs ont commencé à jouer dès la fin de l'Antiquité.
• Ekkiclema est une plateforme mobile en bois qui permet de transformer la scène d'action et de déplacer les acteurs sur la scène.
• Koturny - chaussures à semelles hautes, rappelant les échasses. Avec l'aide de telles chaussures, les acteurs sont devenus plus grands, plus impressionnants et semblables à des créatures mythiques.

Un fait remarquable est que c’est à Rome que l’expression « Finita la comedia » a été prononcée pour la première fois.

Les marionnettes dans le monde théâtral

L’histoire du théâtre de marionnettes trouve son origine en Égypte, où les prêtres utilisaient une poupée du dieu Osiris pour accomplir des actions rituelles. Au début, le théâtre de marionnettes était purement rituel, mais aujourd’hui la connotation religieuse s’est estompée. Des théâtres de marionnettes rituels célèbres existent dans de nombreux pays : Japon (« Bunraku »), Indonésie (« Wayang »), Catalogne (« El Pastores »), Biélorussie (« Batleyka ») et d'autres.

Dans l’histoire du théâtre de marionnettes en Amérique, se démarque un théâtre créé en 1962 appelé « Bread and Puppet ». Il présente des poupées géantes en papier mâché, des connotations politiques évidentes et de la nourriture. pain délicieuxà l'entrée. Cette interaction entre acteurs et spectateurs est symbolique : l’art théâtral doit être le plus proche possible des gens.

Les poupées existent en différentes tailles et apparences. Il y a des marionnettes à doigts et à gants, des marionnettes à canne et à tablette, des marionnettes et des poupées géantes. Être acteur de théâtre de marionnettes n'est pas si simple, car il faut être capable de donner vie à un objet inanimé, de lui donner du caractère et de la voix.

Un trait caractéristique de tout théâtre de marionnettes est le ridicule de quelque chose, la présence de moralité, un élément pédagogique dans les sketches. Quel que soit l'âge du spectateur du théâtre de marionnettes, il y trouvera non seulement de quoi rire, mais aussi de quoi réfléchir. Souvent, les héros du théâtre de marionnettes sont des personnages peu attrayants, voire laids, par exemple la Polichinelle française au nez crochu.

Vous serez probablement intéressé de savoir que les acteurs ne sont pas toujours des gens riches. Dans l’histoire du théâtre de marionnettes américain, il existe des faits selon lesquels les spectateurs pouvaient regarder la production en échange de nourriture.

Drame

Histoire théâtre dramatique remonte à l'Antiquité. C'est l'une des formes d'art, avec le théâtre de marionnettes, la pantomime, l'opéra et le ballet. La principale caractéristique du théâtre dramatique est que les actions de l’acteur sont combinées aux paroles qu’il prononce. Une attention particulière est portée au discours scénique dans ce type de genre. La base d'une représentation dramatique est la pièce de théâtre. Dans le processus de jeu, l'improvisation est possible ; l'action peut inclure la danse et le chant. La performance est basée sur Travail littéraire. L'interprète principal d'une pièce ou d'un scénario est le metteur en scène.

Il est tout à fait remarquable que les travailleurs du théâtre pensent qu’abandonner un scénario n’est pas une bonne chose. Si ce problème survient, vous devez absolument vous asseoir dessus.

L'émergence des traditions théâtrales nationales

L'histoire du théâtre en Russie est divisée en étapes :

• Initiale (« ludique »)
• Moyenne.
• Mature.

Scène ludique

Comme dans la Rome antique, l’histoire du théâtre en Russie a commencé comme une activité pas tout à fait sérieuse. Représentations théâtralesétaient appelés « amusement » et les performances étaient appelées « jeux ». La première mention de bouffons dans les chroniques remonte à 1068. En fait, n’importe qui pourrait devenir un tel acteur divertissant le public. D'un point de vue religieux, les activités des bouffons étaient honteuses. Dans les chroniques, ils sont appelés serviteurs du diable, et la moquerie, la satire et la momie sont appelées péchés. La satire acerbe n'a pas été bien accueillie par l'Église, mais cela n'a vraiment arrêté personne.

La bouffonnerie n'était pas non plus considérée comme un art qui plaisait aux autorités ; au contraire, les sujets sociaux les sketches, ridiculisant les défauts modernes, rendaient les acteurs dangereux et nuisibles. Mais les gens aimaient regarder et rire des performances des bouffons. Cependant, il faut comprendre que le théâtre classique tel que nous le connaissons aujourd'hui n'est pas né de ces sketches bouffons, mais indépendamment d'eux, voire plutôt malgré eux.

Stade intermédiaire

La prochaine étape de l'histoire du théâtre russe est intermédiaire entre ludique et mature. C’est à cette phase que naissent les théâtres de cour et d’école. À cette époque, régnait le tsar Alexeï Mikhaïlovitch, les acteurs du théâtre de la cour étaient des étrangers et les acteurs du théâtre scolaire étaient des étudiants. Après la mort d'Alexeï Mikhaïlovitch, l'activité du théâtre de cour a été suspendue jusqu'à l'arrivée au pouvoir de Pierre Ier. Il avait une attitude positive envers les « spectacles », mais, en plus du divertissement, il était également doté d'une fonction de propagande. En 1702, un théâtre public pour les masses apparaît. Son bâtiment s'appelait le « Temple de la Comédie » ; des représentations y étaient données par une troupe allemande. Les gens n'acceptaient pas ce théâtre. Bien que Pierre Ier n'ait pas atteint son objectif, il n'a pas fait du théâtre un lieu de prédilection pour les gens, accessible et populaire, mais il a posé toutes les conditions nécessaires pour cela.

Une étape de maturité dans l’histoire de l’art théâtral

Cette période de l’histoire de la création du théâtre en Russie est la plus importante. À ce stade, le théâtre a commencé à acquérir les caractéristiques familières à l'homme moderne, s'est constitué une communauté professionnelle sérieuse. Le 30 août 1756, le coup d'envoi fut donné : le Théâtre Impérial fut inauguré. La même date est le jour de la fondation Théâtre Alexandrinsky A Saint-Pétersbourg. Cela s'est produit sous Elizaveta Petrovna.

Une caractéristique du théâtre de cette époque était la participation simultanée d'artistes russes et étrangers aux productions. C'est à cette époque que l'exécution des rôles fut pour la première fois confiée non seulement aux hommes, mais aussi aux femmes. Catherine II a donné grande importance théâtre, sous sa direction, il y avait trois troupes à Saint-Pétersbourg, des sommes fantastiques ont été dépensées pour le développement de cette industrie.

En plus du développement des théâtres d'État, Catherine a également prêté attention aux théâtres privés des nobles, par exemple les théâtres de Sheremetyev, Volkonsky et Rumyantsev. Même dans les provinces, leurs propres troupes de propriétaires fonciers furent créées. Le théâtre russe, à savoir les productions elles-mêmes, a été construit sur les modèles de leurs collègues français. Le directeur de l'école française de théâtre était I. A. Dmitrevsky, qui a formé plus d'une génération de merveilleux acteurs.

Saviez-vous?

Nous présentons au lecteur quelques faits plus intéressants de l'histoire de l'art théâtral.

À l'époque où Pouchkine était en vie, les théâtres russes n'étaient pas encore complètement installés. Les derniers rangs étaient remplis de gens debout tout au long de la représentation.

Une pièce marquante dans l’histoire de l’art théâtral russe est « Le Mineur » de D. I. Fonvizine, qui constitue la première tentative de se moquer des fonctionnaires, des nobles et des personnages typiques du XVIIIe siècle. Staroduma ( caractère positif) le premier à jouer fut Dmitrevsky mentionné ci-dessus.

En 1803, les théâtres impériaux sont divisés. Des troupes dramatiques et musicales, d'opéra et de ballet, faisaient partie de la troupe musicale. La domination de l’école de jeu française scène russe dura jusqu'au 19ème siècle. C’est alors que le théâtre russe s’est enfin relevé et a suivi sa propre voie. L'expérience adoptée est devenue une bonne base et la découverte de nouveaux compositeurs, acteurs et danseurs russes talentueux a élevé le théâtre à un niveau élevé.

P. N. Arapov a été le premier à décrire toute l'histoire du théâtre russe dans une encyclopédie - « Chroniques du théâtre russe ». Des revues de théâtre et des critiques professionnels paraissent. Ainsi, le développement du théâtre a donné, entre autres, une impulsion à la littérature russe.

Le théâtre le plus célèbre de Moscou

L'histoire du Théâtre Bolchoï commence le 28 mars 1776. C'est ce jour-là à Moscou que l'impératrice Catherine II signe un « privilège » pour le prince Pierre Urusov, lui permettant d'entretenir le théâtre pendant dix ans. Il s'appelait d'abord le Théâtre Petrovsky (en l'honneur de la rue sur laquelle donnait l'entrée). En 1805, le bâtiment brûla complètement et l'architecte Ossip Bové créa nouveau projet. En 1820, la construction commença et dura 5 ans.

Le théâtre construit est devenu plus grand, d'où son nom. Ce bel édifice, harmonieux et riche, fit la joie des habitants de Moscou jusqu'en 1853, date du deuxième incendie. Cette fois la reconstruction fut confiée à l'architecte Albert Kavos. Le théâtre a été restauré en 1856. Impérial Grand Théâtre est devenu célèbre non seulement en Russie, mais aussi dans le monde : il y avait ici une excellente acoustique. En 1917, après la Révolution, le nom fut changé pour celui de Théâtre Bolchoï d’État. La décoration était complétée par des symboles soviétiques.

Il a beaucoup souffert pendant la Grande Guerre patriotique, prenant la bombe. Le bâtiment a été reconstruit à nouveau. Jusqu'en 1987, le bâtiment n'a subi que des réparations esthétiques mineures. Aujourd'hui, le Théâtre Bolchoï est un bâtiment avec nouvelle scène où il peut être utilisé effets modernes. En même temps, elle a conservé l'esprit de l'architecture classique, sa « signature » acoustique, qui lui donne le droit d'être considérée comme l'une des les meilleurs théâtres dans le monde. C'est l'histoire du Théâtre Bolchoï.

Et enfin un de plus, rien de moins fait intéressant. Films se déroulant entièrement ou partiellement en salle : Birdman, The Disaster Artist, La La Land, Le Fantôme de l'Opéra, Burlesque Tales, Knockout, Stumbling on Broadway, Black-ish Swan », « The Puppeteer », « A Terribly Big Adventure » », « Shakespeare amoureux », « Meurtre dans une petite ville », « Quai Orfèvre ».

L'histoire du théâtre (drame et autres genres de cet art) continuera à se développer, puisque l'intérêt pour celui-ci est resté inchangé depuis plus de deux mille ans.