Où est apparu le premier théâtre ? Arts du théâtre Les arts du théâtre en bref.

Elle est considérée comme le berceau de nombreux types d'arts, dont le théâtre, né au tournant des IVe et Ve siècles avant JC. Le mot « théâtre » lui-même a origine grecque et est traduit littéralement par « spectacle ». L'époque d'origine est généralement appelée l'ère classique, perçue comme une certaine norme et un exemple. Le théâtre grec antique lui-même n'est pas originaire de espace libre. Pendant plusieurs centaines d'années, l'un des événements les plus importants de une vie culturelle pays, il y avait une fête en l'honneur du dieu Dionysos. Il était basé sur des rituels cultes et des jeux symboliques associés à la renaissance de la nature après un long hiver. Dans la capitale de la Grèce dès la fin du IVe siècle avant JC. Chaque année, un certain jour au début du printemps, des comédies, des tragédies et des drames dédiés à cet événement étaient mis en scène. Au fil du temps, de telles représentations théâtrales ont commencé à avoir lieu non seulement à Athènes, mais également dans d'autres régions du pays, et un peu plus tard, elles ont été reconnues comme un élément obligatoire de tout jour férié. La sélection des productions était effectuée par les autorités de la ville, qui nommaient également des juges qui évaluaient le travail des « acteurs ». Les gagnants ont reçu des prix d'encouragement. Ainsi, le théâtre est devenu partie intégrante de toute célébration.

Le premier théâtre grec antique portait le nom de Dionysos et était situé en plein air sur l’un des versants de l’Acropole. Ce bâtiment n'était érigé que pour la durée des représentations et accueillait un assez grand nombre de spectateurs. Toutes les loges des spectateurs, ainsi que la scène, étaient constituées de planches de bois. Être dans une telle structure était très dangereux. Ainsi, des informations sont parvenues jusqu'à nos jours selon lesquelles lors de la soixante-dixième Olympiade (499 avant JC), les sièges en bois des spectateurs se sont presque complètement effondrés. Après cette tragédie, il fut décidé de commencer la construction d'un théâtre en pierre solide.

Au 4ème siècle avant JC. Le deuxième théâtre grec antique a été érigé, son apparence a changé plusieurs fois au cours de ses nombreuses années d'existence. Le Théâtre de Pierre était un excellent exemple de l’art architectural grec et servit de modèle à tous les autres théâtres apparus par la suite. Selon certaines informations, le diamètre de sa scène (orchestre) était d'au moins 27 mètres. Au début, tous les sièges étaient situés directement autour de la scène sur laquelle se déroulait la représentation théâtrale. Cependant, il y avait tellement de monde qui voulait assister aux représentations qu'il a fallu déplacer certains lieux bien au-delà de ses murs. En conséquence, certains spectateurs ont dû assister aux représentations assis à une distance assez grande de la scène elle-même.

Le théâtre antique était très différent du théâtre moderne, non seulement par ses productions, mais aussi décoration d'intérieur. Ainsi, ses comédiens se produisaient sur des scènes construites au niveau des rangs de spectateurs. Quelques siècles plus tard seulement, ils commencèrent à élever la scène. Il n’y avait pas non plus de rideau dans le théâtre antique. Les premiers rangs de spectateurs étaient généralement attribués personnes influentes, des représentants du gouvernement et leurs associés. Aux gens ordinaires Je n'ai pas dû prendre les meilleures places à une distance assez grande de l'orchestre.

Théâtre en La Grèce ancienneétait sous l’entière protection de l’État. L'organisation de toutes les représentations était assurée par les plus hautes instances fonctionnaires- les archontes. Frais pour son entretien, ainsi que pour la formation des comédiens, des chanteurs de chœur, etc. est tombé sur les épaules des riches citoyens des villes, qui ont commencé à être appelés choregs. et dramaturge de la Grèce antique étaient considérés comme très honorables. De nombreux acteurs de théâtre au tournant des IVe-Ve siècles avant JC. occupaient de hauts rangs officiels et étaient impliqués dans la politique.

Il faut dire que les femmes n’avaient pas le droit de jouer. Leurs rôles ont toujours été joués par des hommes. L'acteur devait non seulement bien lire le texte, mais aussi être capable de danser et de chanter. La base apparence Le héros de la pièce grecque antique se composait d'un masque posé sur le visage du joueur sur scène, ainsi que d'une perruque. C'était le masque qui transmettait toutes ses émotions et expériences fondamentales, permettant au spectateur de distinguer un personnage positif d'un personnage négatif, etc.

Théâtre grec antique a jeté les bases du développement de l'Europe arts théâtraux en général. Même dans théâtre moderne Ses principes de base sont toujours suivis, tant dans l'architecture que dans le jeu des acteurs. Il a donné au monde le dialogue dramatique, la participation d'un acteur vivant, sans lequel l'existence de l'art théâtral lui-même en tant que tel est impossible.

Les débuts de l’art théâtral existaient dans la société primitive, avant l’avènement des premières civilisations. L'art théâtral en tant que tel est apparu en Orient, dans la Grèce antique et à Rome, puis a continué à se développer au Moyen Âge et à la Renaissance. Europe de l'Ouest et la Russie.

En ce qui concerne le passé historique du théâtre, je voudrais souligner que divers spectacles et représentations existent depuis l'Antiquité. Cela est dû à diverses circonstances. C'est d'abord le besoin de repos, et deuxièmement la connaissance et la découverte de soi, du monde, l'âme humaine, troisièmement - manipulation conscience publique. Le reflet artistique de la réalité s'accomplit à travers l'action dramatique. Interaction des personnages, révélation de problèmes psychologiques ou conflits sociaux, une tentative d'inciter le spectateur à participer à la mise en œuvre du plan - c'est ce qui sous-tend l'action théâtrale.

Le contexte historique de la formation des représentations théâtrales apparaît dans période primitive. En règle générale, ces rituels étaient accompagnés de sorts, de chants, de danses et de jeux anciens. instruments de musique. Les rituels comprenaient également diverses performances directement liées à la vie des tribus. Un rôle important était accordé aux attributs et à la tenue vestimentaire d'un sorcier ou d'un chaman, qui créait également effets sonores, augmentant l'impact sur les spectateurs et les participants à l'action. Des vacances avec des éléments théâtraux étaient organisées en l'honneur des dieux, identifiés aux forces de la nature, aux phénomènes et aux éléments naturels. C'est ainsi qu'apparaissent les premières représentations à caractère théâtral.

L'ensemble du spectacle visait à impliquer un grand nombre de personnes, chacun devenant participant à ce qui se passait. L'ampleur de ce qui se passait dépendait du but de l'action, c'est-à-dire c'étaient des rites et des rituels adressés aux dieux - on supposait que les dieux voyaient tout et étaient inclus dans ce qui se passait. En règle générale, les spectacles primitifs étaient exécutés par des prêtres, considérés comme dotés de pouvoirs magiques et capables de demander des faveurs aux dieux : chasse réussie, pluie en cas de sécheresse, etc. Certains prêtres « entraient en contact » avec des divinités directement lors de l'accomplissement d'un rite ou d'un rituel. Cela a créé un sentiment d'être choisi, qui se reflétait non seulement dans les œuvres du théâtre, mais aussi dans les peintures rupestres qui capturaient tout ce qui se passait. On comprend une sorte de « professionnalisation » de certains éléments performance théatrale. Il semblait qu’il était possible de prouver sa reconnaissance aux dieux en améliorant le dialogue ou le monologue. Ainsi, les premiers « professionnels » des formes théâtrales archaïques furent des prêtres et des chamanes. Plus tard, ils furent remplacés par des pleureuses, des chanteurs et des danseurs. Ils glorifient les anciens Égyptiens, Grecs, Romains, Dieux slaves: Osiris, Dionysos, Astarté, Baal, Saturne, Yarila, Kolyada et autres.

Les prêtres et les chamanes, réalisant l'impact des rites et des rituels sur la société, ont perfectionné leurs compétences, ont acquis pouvoir et autorité, et les actions rituelles théâtralisées ont commencé à être utilisées par les prêtres comme moyen de contrôle le plus important. opinion publique et maintenir l'ordre. Peu à peu, les fonctions du théâtre commencent à se dessiner : sociales, religieuses, idéologiques. Ceci a été réalisé grâce à grande quantité participants au rituel et haut degré implication émotionnelle de chaque membre de l’équipe. Il existe un besoin pour d’autres types d’art ( peinture rupestre, petites sculptures - figurines de la Terre Mère, animaux totems, etc., costumes ou robes des participants au rituel), qui ont enrichi les représentations théâtrales et contribué à créer l'effet d'une expérience de masse. Par conséquent, on a longtemps cru que le théâtre était un moyen puissant de manipulation de la conscience publique, à l'aide duquel des idées politiques, juridiques, sociales et autres sont inculquées.

On ne peut manquer de mentionner la fonction de divertissement du théâtre, qui est le plus souvent prioritaire. Dans le même temps, le divertissement a généralement un sous-texte caché et détourne parfois l'attention des problèmes urgents de la société. Il suffit de rappeler le slogan de la foule romaine à l'époque du pouvoir impérial : « Du pain et des cirques » (lat. Rapet et circenses). Le théâtre était largement utilisé par les structures de pouvoir pour atteindre leurs objectifs. De plus, le théâtre non seulement divertissait, mais générait également des revenus. A Rome, on vendait des billets en os. La construction du Théâtre de Marcellus fut achevée (13 avant JC), ce qui était très pratique pour les spectateurs. Le public a réagi violemment à ce qui se passait sur scène, exprimant son approbation ou son indignation par des exclamations et des cris. Pour une mauvaise action, ils auraient pu être blessés.

Il est important de noter que les rituels et les cérémonies étaient étroitement liés à la composante artistique de tout spectacle. Ils ont servi de base à un culte, à une fête et, par conséquent, à une représentation théâtrale. Et bien que l'on puisse retracer la relation entre le rituel ou le rite et tous les types d'art, c'est le théâtre comme l'un des espèce la plus ancienne l'art a su conserver cette forme de construction rituelle de l'action qui lui est propre.

L'interaction étroite entre théâtre et rituel peut être observée dans tous systèmes de théâtre l'Antiquité, mais la présence de la magie était obligatoire à cette époque. Le rituel pouvait être réalisé sans l'aide de spectacles théâtraux, l'effet de perception était simplement renforcé lorsqu'ils coexistaient harmonieusement. Performance théatrale, selon le but, avait importance nationale, car le non-respect des schémas rituels obligatoires menaçait le désastre pour le peuple. Sur cette base, ils ont ensuite commencé à diviser les spectacles en rituels et divertissements.

L’apparition des premières tragédies repose également sur des actions rituelles. La conscience humaine était étroitement liée à la nature et à ses capacités. De nombreuses sectes ont fourni matière à réflexion sur ces idées. Ils ont démontré le sort cruel d'un héros qui n'a pas obéi aux lois de la nature ou s'est opposé à elles. Tous les éléments naturels étaient habités par des esprits et des divinités, présents à un degré ou à un autre dans les représentations théâtrales. L'implication du spectateur dans ce qui se passe est devenue en quelque sorte le précurseur du développement de la présentation des tragédies en Grèce. Pas une seule production n'était complète sans un rituel ou un rite magique.

Les actions scéniques apparues à différentes époques avaient des fondements communs. Les formes magiques et rituelles prenaient de l'ampleur dès l'apparition des premiers États d'Orient. Les premières tentatives de création de spectacles professionnels ont été menées sur des bases religieuses et se sont développées pour inclure des drames liturgiques, des tragédies, des comédies, des farces et des mystères. Dans l’Antiquité, les théâtres se sont développés avec leurs propres traditions, idées innovantes et technologie scénique. Des formes intéressantes de lunettes ont été formées aux États-Unis Orient ancien, en Inde, en Chine, au Japon. En Europe occidentale au Moyen Âge créativité théâtrale diffusé par des acteurs ambulants, en France c'étaient des troubadours et des trouvères, en Allemagne - des minnesingers, en Angleterre - des ménestrels, en Russie - des bouffons, mais il faut dire qu'à partir du XIe siècle. leurs représentations ont été interdites par l'Église orthodoxe.

Le théâtre du Moyen Âge traitait le plus souvent de questions religieuses. La comédie folklorique italienne des masques est à juste titre considérée comme un exemple frappant de théâtre professionnel. de l'art (XVI-XVII siècles). Née en Italie à la Renaissance, la « comédie scientifique » donne naissance à une approche scientifique et littéraire du travail scénique. À la Renaissance, le théâtre devient stationnaire, en grande partie centres culturels des locaux spéciaux sont en cours de construction pour les représentations dramatiques. Depuis cette époque, le théâtre s'est développé rapidement dans tous les pays du monde. Il devient un lieu et un moyen de divertissement, attire les masses dans son cercle, des dramaturges et metteurs en scène, des acteurs et de grandes œuvres apparaissent.

Nouvelle heure a nécessité de nouvelles approches dans la présentation de l'action dramatique : la poétique du classicisme et du baroque est étroitement associée au théâtre, un aspect important est l'appel constant aux travaux théoriques d'Aristote et d'Horace. L'aspect idéologique se reflète directement dans les performances de cette époque. Au siècle des Lumières, le public du théâtre se démocratise et une nouvelle galaxie de dramaturges et de théoriciens du théâtre apparaît : Voltaire et Diderot en France et Lessing en Allemagne. Une nouvelle doctrine idéologique du théâtre est en train d'émerger. Jusqu'à l'avènement du cinéma, le théâtre conservera une position stable.

Une attention particulière portée au théâtre se poursuivra jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. Mais avec l’avènement du cinéma, le théâtre a été contraint de faire de la place. Le théâtre intéresse souvent les professionnels et les amateurs de théâtre, et dans une moindre mesure le spectateur moyen. Actuellement, l'intérêt pour le théâtre a été ravivé et la raison du nouvel épanouissement de l'art théâtral peut être considérée comme l'approche innovante des metteurs en scène et des graphistes du répertoire classique, ainsi que l'émergence de productions ultramodernes qui attirent l'attention. des jeunes. De nombreux festivals de théâtre attirent un grand nombre non seulement de spécialistes et de théoriciens du théâtre, mais aussi de spectateurs ordinaires.

L'histoire du théâtre est étroitement liée à l'histoire des États, c'est pourquoi les principales sources d'informations sur le théâtre sont les ouvrages historiques et théoriques et les mémoires, qui reflètent les jalons du développement de l'art théâtral. De tout temps, le théâtre a fait partie intégrante de la vie culturelle, sociale et vie politique. Chaque étape de l'histoire du théâtre est associée à des noms auteurs célèbres qui a créé des chefs-d'œuvre qui nous rendent fiers répertoire théâtral et à ce jour. Mais l'art du théâtre est momentané et les descendants ne peuvent que sources littéraires découvrez le succès retentissant de certaines productions, les performances d'acteurs marquants du passé.

Nous retracerons le développement du théâtre au cours d'une période spécifique et sa place dans la culture mondiale.

Dans la vie des Grecs de l’Antiquité, l’art théâtral occupait la première place comme moyen de s’amuser. Des spectacles étaient organisés au niveau de l'État pour rendre hommage au dieu Dionysos pendant les vacances.

Structure des représentations

Les représentations dramatiques de la Grèce antique étaient différentes des représentations modernes. Il s'agissait de plusieurs représentations de poètes rivaux travaillant dans des directions tragiques et comiques. Chaque participant a présenté une histoire amusante au public. Lors de la production, un chœur de satyres et trois tragédies, unies par un scénario, ont été nécessairement utilisés. Les représentations ne se sont terminées que le quatrième jour. Ils duraient du matin jusqu'à tard le soir. L'action a commencé par des représentations tragiques, suivies d'un drame satyrique. En fin de soirée, une comédie a été jouée.

Accompagnement musical

La chorale était financée par l'État, car il était impossible de la préparer de manière indépendante. Au fil du temps, le nombre d’intervenants est passé de 6 à 15 personnes. Et les chanteurs étaient formés par de riches citoyens. La personne qui préparait le chœur pour les concours théâtraux et lui fournissait les costumes s'appelait choreg. Tout comme les acteurs et les chanteurs, les chorégs étaient exemptés du service militaire pendant le temps nécessaire à leur préparation et à leur représentation.

Structure de la scène

Le théâtre grec antique se composait de plusieurs parties, parmi lesquelles l'orchestre (un lieu pour les artistes et chanteurs), le théâtre (auditorium) et le skena (une sorte d'accessoires nécessaires pour obtenir une plus grande vraisemblance). Afin que le public puisse mieux entendre les paroles des acteurs, des récipients spéciaux ont été utilisés pour amplifier les sons prononcés.

Caractéristiques distinctives

Les arts du spectacle de la Grèce antique étaient à 90 % masculins. En plus de la simple interprétation de leurs rôles, les artistes ont fait preuve de capacités vocales, d'une diction parfaite, de flexibilité et de plasticité. Les visages des personnes qui se produisaient sur scène étaient cachés sous des masques. Leur utilisation répandue est associée à la vénération de Dionysos, à l’absence d’actrices féminines et à la taille énorme de l’arène. Les masques pouvaient être tragiques ou comiques, ce qui transmettait avec précision l'intention de l'auteur au spectateur.

Des vêtements spéciaux pour les participants au spectacle ont permis de représenter divers personnages. Étant long et spacieux, il cachait les oreillers ou coussinets nécessaires pour modifier les proportions naturelles du corps. Si le spectacle intéressait le public, celui-ci exprimait avec vigueur des émotions positives. La désapprobation ne fut pas moins vivement exprimée. Ces réactions négatives étaient souvent provoquées par des personnes spécialement embauchées par les concurrents.

Arène romaine antique

L'origine du théâtre en Rome antique associées à de magnifiques fêtes de récoltes, qui étaient d'abord organisées sous forme de concours ludiques de petites chorales. Les plaisanteries qu’ils échangeaient étaient parfois caustiques, ridiculisant les vices de la société, notamment des élites.

Les origines de l'art théâtral

Les premières représentations de l'art théâtral romain antique incluent Atellani, qui a reçu le nom de la ville du sud de l'Italie moderne. Il s'agissait de productions de comédie légère. De nombreux jeunes Romains y ont participé.

Le drame littéraire est venu de Grèce au théâtre romain antique. Ici, des créations similaires ont été placées sur Latin.

Le Grec Livius Andronicus finit à Rome comme prisonnier de guerre. Le Grec fut nommé chef de la mise en scène de la première représentation dramatique. C'est précisément ce qui a donné une impulsion au développement ultérieur de l'art théâtral. Cela ne pouvait pas, comme en Grèce, indiquer des problèmes dans la vie de la société, donc c'est devenu plus compliqué. scénarios, la valeur divertissante des originaux grecs a augmenté. Malgré cela, les Romains avaient du mal à accepter les intrigues dramatiques traditionnelles.

Lunettes de gladiateur

Les représentations ont eu lieu pendant les jours fériés. Ils étaient accompagnés de spectacles de cirque et de gladiateurs, qui attiraient l'attention et étaient populaires parmi le peuple.

Au départ, il n'y avait pas d'espace réservé pour la mise en scène des pièces de théâtre, il n'y avait qu'une misérable plate-forme avec une échelle. Les acteurs sont devenus plus professionnels et ont joué sans masques. Les représentations étaient organisées avec l'accord du directeur du théâtre romain antique. En d’autres termes, simplement une troupe d’acteurs, avec des cercles dirigeants. Costumes personnages n'étaient pas différents des Grecs. Seuls certains accents, comme la hauteur de la plateforme des chaussures, la taille des perruques, créent une impression majestueuse.

Le premier théâtre romain permanent fut construit par Pompée. Les spectateurs se pressaient sur des bancs semi-circulaires disposés sur plusieurs rangées. Il y avait des sièges séparés pour les sénateurs. Toit, façades et rideaux finement décorés.

Les origines de l'art théâtral dans l'Inde ancienne

L'art théâtral indien ancien était divisé en deux directions : folklorique et littéraire. Il existe plusieurs versions de l'origine, la plus populaire attribuant ce fait à l'empereur Bharata. Grâce à lui, le cinquième Veda a été transmis aux gens, reliant la Parole, l'Action et l'Harmonie. La version la plus probable reste la combinaison de performances amusantes avec le mystère traditionnel qui existait lors des grandes fêtes.

A cette occasion, des concours d'hommes forts, des programmes de magiciens, de musiciens et de danseurs ont été organisés. La production a commencé avec numéros de danse. Les danseurs ont agrémenté le spectacle d'introductions pantomimiques et de récitation des Vedas. Peu à peu, la danse a été remplacée par la performance des artistes.

Système social

Un système social complexe Inde ancienne placé les acteurs au niveau le plus bas.

Ils étaient considérés comme des gens d'une caste irrespectueuse, car ils ridiculisaient les dieux dans leurs discours. Malgré cette circonstance, la plupart d’entre eux étaient des personnes instruites et respectables.

Les spectacles ont été mis en scène sous forme de spectacles de danse. La langue des signes, ancrée dans les rituels particuliers du clergé, était librement utilisée. Le théâtre de danse indien a emprunté des caractéristiques clés aux anciennes pièces de mystère. Par conséquent, les artistes devaient avoir une plasticité particulière et la capacité d'utiliser un riche arsenal de pantomime.

Montée en popularité

Vers la fin de la seconde moitié du premier millénaire avant JC. e. L'art théâtral indien a acquis sa plus grande popularité. Malgré la coïncidence de l'heure de représentation des pièces avec le principal fêtes religieuses, leur essence de divertissement est passée au premier plan, déplaçant la composante rituelle.

Les groupes de comédiens deviennent plus professionnels. Chaque participant assume un rôle créatif. La composition par sexe des troupes variait - on sait qu'il y avait des groupes de même sexe et de sexe opposé. La plupart d’entre eux étaient nomades. Lorsqu'ils se rencontraient sur un territoire commun, des compétitions spectaculaires étaient organisées. En plus des récompenses monétaires, les gagnants ont reçu de nombreux honneurs.

L'arène de danse indienne était parfois située dans un bâtiment spécifique – petit mais relativement haut, capable d'accueillir 300 personnes. La durée des représentations variait de deux à trois heures à quelques jours.

Théâtres d'ombres

Le théâtre d’ombres indien représentait souvent des scènes des mythes légendaires et vénérés du Ramayana et du Mahabharata. Le public connaissait les histoires des personnages et pouvait donc découvrir par lui-même les éléments manquants. L'action s'est déroulée derrière un grand écran transparent où étaient placés acteurs et marionnettes. Pour plus de réalisme, les poupées étaient découpées en morceaux, permettant ainsi d'imiter facilement même des mouvements complexes. Ils étaient fabriqués en carton, en cuir ou en papier mâché.

Dans les croyances indiennes, le dieu Shiva se voyait confier le rôle de patron des poupées, c'est pourquoi des pièces de théâtre étaient jouées près de son temple. Selon la légende, le théâtre d'ombres indien est né du fait que Shiva lui-même et sa femme Parvati ont visité la boutique d'un maître marionnettiste qui sculptait des personnages en bois.

Elle fut tellement impressionnée par le savoir-faire de l'artisan que bientôt, à sa demande, Shiva permit aux jouets de prendre vie pour qu'ils puissent danser d'eux-mêmes. Peu de temps après le départ du couple divin, cette magie a cessé de fonctionner, mais le maître a restauré le merveilleux cadeau en contrôlant les personnages à l'aide de fils. C'est ainsi qu'est né le théâtre d'ombres indien, dont l'intérêt s'estompe actuellement en raison du développement technologies modernes.

Le début de la vie théâtrale dans la Chine ancienne

Le théâtre chinois est né au début du XIIe siècle. Au départ, il s'agissait de spectacles sur des places dédiées aux fêtes religieuses. Les spectacles étaient basés sur des éléments de cirque, danses insolites avec figures d'animaux, performances acrobatiques, escrime.

Peu à peu, des rôles uniques apparaissent, utilisés dans chaque pièce, acquérant de nouveaux traits de caractère et de nouveaux détails de la biographie. Les plus populaires étaient le tsan-jun et le tsangu. Les artistes des théâtres chinois ne sont plus autodidactes, mais formés dans des écoles spéciales fonctionnant à la cour de l’empereur. Des costumes lumineux décorés de peintures traditionnelles et de nombreux accessoires sont librement utilisés.

Première affiche

Les pièces de théâtre se déroulent dans des cabines, des salles sous un auvent, équipées de sièges pour les spectateurs. Ou sur des plates-formes saillantes adjacentes aux temples centraux. C'est de là que vient le concept d'affiche : une fiche spéciale répertoriant les acteurs impliqués et les personnages qu'ils incarnent. Les genres du théâtre chinois se développent et deviennent plus complexes. Ils décrivent les détails événements importants dans la vie de l'État et des individus, donnant aux téléspectateurs des exemples à suivre.

Accompagnement musical productions théâtrales transformé de mélodies folkloriques. Les spectacles étaient sacrément colorés, contenant des éléments de danse et de cirque. L'interprétation de certaines actions était donnée par les artistes eux-mêmes ou par des dramaturges. La plupart des rôles étaient joués par des femmes, y compris des hommes. La troupe de théâtre comprenait des membres de la même famille ; les étrangers étaient rares.

Spectacles de marionnettes

Les scènes traditionnelles chinoises se sont développées parallèlement au théâtre de marionnettes, tout aussi populaire. Il vivait sous de nombreuses variétés. À ce jour, les informations les concernant ont été perdues, leur étude présente donc certaines difficultés.

La popularité de ce type d'art est associée à la coutume de placer dans la tombe des figurines spéciales, conçues pour aider le défunt dans l'au-delà. Des scènes avec la participation de tels personnages se jouaient lors des funérailles, devenant progressivement un attribut de la vie quotidienne. Des informations ont été conservées sur un merveilleux spécimen à plusieurs niveaux Théâtre de marionnettes, dont les personnages se déplaçaient avec de l'eau.

Le théâtre de marionnettes chinois s’est développé dans de nombreuses directions. Il convient de souligner les performances avec des figurines en papier plat, auxquelles ont participé les acteurs et les personnages qu'ils contrôlaient. Poudre à canon, scènes flottantes et autres, sur lesquelles seules des informations fragmentaires ont été conservées.

Introduction

L’histoire du théâtre russe est divisée en plusieurs étapes principales. L'étape initiale et ludique trouve son origine dans la société clanique et se termine au XVIIe siècle, lorsque, parallèlement à une nouvelle période de l'histoire russe, commence une nouvelle étape plus mature dans le développement du théâtre, aboutissant à la création d'un professionnel d'État permanent. théâtre en 1756.

Les termes « théâtre » et « drame » ne sont entrés dans le dictionnaire russe qu'au XVIIIe siècle. DANS fin XVII des siècles, le terme « comédie » a été utilisé, et tout au long du siècle - « amusant » (Poteshny Chulan, Amusing Chamber). Parmi les masses, le terme « théâtre » était précédé du terme « honte », du terme « drame » - « jeu », « jeu ». Au Moyen Âge russe, les définitions qui en étaient synonymes étaient courantes : jeux de bouffons « démoniaques » ou « sataniques ». Toutes sortes de merveilles apportées par les étrangers au XVIe siècle étaient aussi appelées divertissements. XVIIe siècles, et des feux d'artifice. Les activités militaires du jeune tsar Pierre Ier étaient également qualifiées de amusantes. Le terme « jeu » est proche du terme « jeu » (« jeux de bouffons », « jeux de fête »). En ce sens, les mariages et les mamans étaient appelés « jeu », « jeux ». « Jouer » a une signification complètement différente par rapport aux instruments de musique : jouer des tambourins, renifler, etc. Les termes « jeu » et « jeu » appliqués au drame oral ont été conservés parmi le peuple jusqu'aux XIXe et XXe siècles.

Art folklorique

Le théâtre russe est né dans l’Antiquité. Ses origines remontent à art folklorique- les rituels, les fêtes liées au travail. Au fil du temps, les rituels ont perdu leur signification magique et se sont transformés en jeux de performance. Des éléments de théâtre y sont nés - action dramatique, marmonnements, dialogue. Par la suite, les jeux les plus simples se sont transformés en drames populaires ; ils ont été créés dans le processus de créativité collective et ont été stockés dans la mémoire des gens, passant de génération en génération.

Au cours de leur développement, les jeux se sont différenciés, se divisant en variétés apparentées et en même temps s'éloignant de plus en plus les unes des autres - en drames, rituels, jeux. La seule chose qui les rapprochait était qu'ils reflétaient tous la réalité et utilisaient des méthodes d'expression similaires - dialogue, chant, danse, musique, déguisement, jeu d'acteur, jeu d'acteur.

Les jeux ont inculqué le goût de la créativité dramatique.

Les jeux étaient à l'origine le reflet direct de l'organisation communautaire clanique : ils avaient un caractère de danse en rond et de chorale. Dans les jeux de danse en rond, la créativité chorale et dramatique a été organiquement fusionnée. Des chansons et des dialogues abondamment inclus dans les jeux ont contribué à caractériser les images des jeux. Les commémorations de masse avaient également un caractère ludique : elles étaient programmées pour coïncider avec le printemps et étaient appelées « Rusalia ». Au XVe siècle, le contenu du concept de « Rusalia » était défini comme suit : des démons sous forme humaine. Et l’« Azboukovnik » de Moscou de 1694 définit déjà les rusalia comme des « jeux de bouffons ».

L'art théâtral des peuples de notre Patrie trouve son origine dans des rituels et des jeux, des actions rituelles. Sous la féodalité, l'art théâtral était cultivé, d'une part, par les « masses populaires », de l'autre, par la noblesse féodale, et les bouffons étaient différenciés en conséquence.

En 957, la grande-duchesse Olga fait la connaissance du théâtre de Constantinople. Les fresques de la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev du dernier tiers du XIe siècle représentent des spectacles d'hippodrome. En 1068, les bouffons furent mentionnés pour la première fois dans les chroniques.

La Russie kiévienne était connue pour trois types de théâtres : de cour, d'église et folklorique.

Le « théâtre » le plus ancien était celui des jeux d'acteurs folkloriques - les bouffons. La bouffonnerie est un phénomène complexe. Les bouffons étaient considérés comme une sorte de sorciers, mais c'est une erreur, car les bouffons, participant aux rituels, non seulement n'amélioraient pas leur caractère religieux et magique, mais, au contraire, introduisaient un contenu mondain et profane.

N'importe qui pouvait faire une blague, c'est-à-dire chanter, danser, plaisanter, jouer des sketches, jouer des instruments de musique et jouer, c'est-à-dire représenter une sorte de personne ou de créature. Mais seuls ceux dont l'art se démarquait du niveau de l'art des masses par son talent artistique devenaient et étaient qualifiés de bouffons habiles.

Parallèlement au théâtre populaire, s'est développé l'art théâtral professionnel, dont les détenteurs dans la Russie antique étaient des bouffons. L'apparition du théâtre de marionnettes en Russie est associée aux jeux de bouffons. Les premières informations de la chronique sur les bouffons coïncident avec l'apparition de fresques représentant des spectacles de bouffons sur les murs de la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev. Le moine chroniqueur appelle les bouffons les serviteurs des diables, et l'artiste qui a peint les murs de la cathédrale a jugé possible d'inclure leur image dans les décorations de l'église aux côtés des icônes. Les bouffons étaient associés aux masses et l’un de leurs types d’art était la « maussade », c’est-à-dire la satire. Les Skomorokhs sont appelés « moqueurs », c'est-à-dire moqueurs. La moquerie, la moquerie, la satire continueront d'être fermement associées aux bouffons.

L'art mondain des bouffons était hostile à l'église et à l'idéologie cléricale. La haine que le clergé avait pour l'art des bouffons est attestée par les récits des chroniqueurs (« Le Conte des années passées »). Les enseignements de l'Église des XIe et XIIe siècles déclarent que les momies auxquelles ont recours les bouffons sont également un péché. Les bouffons ont été soumis à des persécutions particulièrement sévères pendant les années du joug tatare, lorsque l'Église a commencé à prêcher intensément un mode de vie ascétique. Aucune persécution n’a éradiqué l’art de la bouffonnerie parmi le peuple. Au contraire, il s’est développé avec succès et sa piqûre satirique est devenue plus aiguë.

Dans la Russie antique, on connaissait des métiers liés à l'art : peintres d'icônes, bijoutiers, sculpteurs sur bois et sur os, scribes de livres. Les bouffons en faisaient partie, étant « rusés », « maîtres » du chant, de la musique, de la danse, de la poésie et du théâtre. Mais ils n’étaient considérés que comme des amuseurs, des amateurs d’amusement. Leur art était idéologiquement lié aux masses populaires, aux artisans, qui étaient généralement opposés aux masses dirigeantes. Cela rendait leur compétence non seulement inutile, mais, du point de vue des seigneurs féodaux et du clergé, idéologiquement nuisible et dangereuse. Représentants église chrétienne ils placèrent des bouffons à côté des magiciens et des sorciers. Dans les rituels et les jeux, il n'y a toujours pas de division entre interprètes et spectateurs ; ils manquent d'intrigues développées et de transformation en images. Ils apparaissent dans des drames populaires, imprégnés de motivations sociales aiguës. L’émergence des théâtres publics de tradition orale est associée au théâtre populaire. Les acteurs de ces théâtres populaires (bouffons) ridiculisaient les pouvoirs en place, le clergé, les riches et montraient avec sympathie les gens ordinaires. Les représentations de théâtre folklorique étaient basées sur l'improvisation et comprenaient de la pantomime, de la musique, du chant, de la danse et des numéros d'église ; les artistes utilisaient des masques, du maquillage, des costumes et des accessoires.

La nature du spectacle des bouffons n’exigeait pas initialement leur unification en Grands groupes. Pour interpréter des contes de fées, des épopées, des chansons et jouer d'un instrument, un seul interprète suffisait. Les Skomorokhs quittent leur lieu d'origine et parcourent le sol russe à la recherche de travail, se déplaçant de villages en villes, où ils servent non seulement les ruraux, mais aussi les citadins, et parfois même les cours princières.

Les bouffons étaient également impliqués dans des spectacles folkloriques de cour, qui se multipliaient sous l'influence de la connaissance de Byzance et de sa vie de cour. Lorsque le Placard Amusant (1571) et la Chambre Amusante (1613) furent installés à la cour de Moscou, les bouffons se retrouvèrent dans la position de bouffons de la cour.

Les performances des bouffons étaient réunies différents types arts : à la fois dramatiques, religieux et « variétés ».

L'Église chrétienne opposait les jeux folkloriques et l'art des bouffons à l'art rituel, saturé d'éléments religieux et mystiques.

Les représentations de bouffons ne se sont pas développées en théâtre professionnel. Il n'y avait aucune condition pour la naissance de troupes de théâtre - après tout, les autorités persécutaient les bouffons. L'Église a également persécuté les bouffons, se tournant vers les autorités laïques pour obtenir de l'aide. Une lettre de plainte au monastère Trinité-Serge du XVe siècle et une lettre de charte ont été envoyées contre les bouffons. début XVIe siècle. L'Église a constamment placé les bouffons sur un pied d'égalité avec les porteurs de la vision païenne du monde (mages, sorciers). Et pourtant, les performances bouffonnes ont continué à vivre, théâtre folklorique développé.

Dans le même temps, l’Église a pris toutes les mesures pour affirmer son influence. Cela a trouvé son expression dans le développement du drame liturgique. Certains drames liturgiques nous sont parvenus avec le christianisme, d'autres - au XVe siècle avec la charte solennelle nouvellement adoptée " grande église» (« Procession pour balayer », « Lavement des pieds »).

Malgré l'utilisation de formes théâtrales et de divertissement, l'Église russe n'a pas créé son propre théâtre.

Au XVIIe siècle, Siméon de Polotsk (1629-1680) tenta de créer un drame littéraire artistique sur la base du drame liturgique ; cette tentative s'avéra isolée et infructueuse.

Théâtres du XVIIe siècle

Au XVIIe siècle, les premiers drames oraux se développent, avec une intrigue simple, reflétant les sentiments populaires. La comédie de marionnettes sur Petrouchka (son nom d'origine était Vanka-Ratatouille) racontait les aventures d'un garçon intelligent et joyeux qui n'avait peur de rien au monde. Le théâtre apparaît véritablement au XVIIe siècle : théâtre de cour et d'école.

Théâtre de la Cour

L'émergence du théâtre de cour a été provoquée par l'intérêt de la noblesse de cour pour la culture occidentale. Ce théâtre est apparu à Moscou sous le tsar Alexeï Mikhaïlovitch. La première représentation de la pièce « L'Acte d'Artaxerxès » (l'histoire de l'Esther biblique) a eu lieu le 17 octobre 1672. Au début, le théâtre de cour ne disposait pas de locaux propres, les décors et les costumes étaient déplacés d'un endroit à l'autre. Les premières représentations ont été mises en scène par le pasteur Gregory de la colonie allemande ; les acteurs étaient également étrangers. Plus tard, ils ont commencé à attirer et à former avec force la « jeunesse » russe. Ils étaient payés de manière irrégulière, mais ils ne lésinaient pas sur les décorations et les costumes. Les représentations se distinguaient en grande pompe, parfois accompagnées de jeux d'instruments de musique et de danses. Après la mort du tsar Alexeï Mikhaïlovitch, le théâtre de la cour fut fermé et les représentations ne reprirent que sous Pierre Ier.

En plus du théâtre de cour, en Russie, au XVIIe siècle, un théâtre scolaire s'est également développé à l'Académie slave-grecque-latine, dans les séminaires et écoles théologiques de Lvov, Tiflis et Kiev. Les pièces de théâtre étaient écrites par les professeurs et les étudiants mettaient en scène des tragédies historiques, des drames allégoriques proches des miracles européens, des intermèdes - des scènes satiriques de la vie quotidienne dans lesquelles il y avait une protestation contre l'ordre social. Les spectacles de théâtre scolaire ont jeté les bases du genre comique en dramaturgie nationale. Les origines du théâtre scolaire remontent au célèbre personnalité politique, le dramaturge Siméon Polotsky.

L'émergence des théâtres scolaires de cour a élargi la sphère de la vie spirituelle de la société russe.

Théâtre début XVIII siècle

Sur ordre de Pierre Ier, le Théâtre public a été créé en 1702, destiné au grand public. Un bâtiment a été construit spécialement pour lui sur la Place Rouge à Moscou - le « Temple Comédial ». La troupe allemande de J. H. Kunst s'y est produite. Le répertoire comprenait des pièces étrangères qui n'eurent pas de succès auprès du public et le théâtre cessa d'exister en 1706, avec la fin des subventions de Pierre Ier.

Une nouvelle page de l'histoire des arts du spectacle des peuples de notre patrie a été ouverte par les théâtres serfs et amateurs. Les troupes de serfs qui existaient depuis la fin du XVIIIe siècle mettaient en scène du vaudeville, des opéras-comiques et des ballets. Sur la base des théâtres de servage, des entreprises privées ont vu le jour dans plusieurs villes. Influence bénéfique L'art théâtral russe a influencé la formation du théâtre professionnel des peuples de notre patrie. Dans la troupe du premier théâtres professionnels comprenait des amateurs talentueux - des représentants de l'intelligentsia démocratique.

En Russie, au XVIIIe siècle, le théâtre a acquis une énorme popularité et est devenu la propriété des larges masses, une autre sphère d’activité spirituelle publique accessible au public.

Cela a commencé dans l’Antiquité. Laissons l’esclavage régner à cette époque et il n’y a pas d’éducation. Mais les gens savaient ce qu’était le théâtre. Née des profondeurs d'une longue histoire humaine, ses racines remontent aux mystères des plus anciens rituels de masse, jeux et fêtes populaires. Les actions primaires traditionnelles de nature comique et tragique (telles que les Saturnales, les Mystères) qui sont nées sur cette base contenaient des éléments d'une intrigue dramatique (encadrée mythologiquement) et comprenaient des danses, des dialogues, des chants choraux, des mummers et des masques. Peu à peu, s'opère la séparation de l'action et des fondements rituels et cultes, la sélection d'un chœur de héros parmi la foule, la transformation d'une célébration massive et significative en un spectacle organisé. Tout cela a créé les conditions préalables à l'apparition du bien-aimé drame littéraire. La division forcée entre spectateurs et acteurs a révélé les fonctions sociales importantes de ce

Ce processus s'est clairement exprimé dans le théâtre de la Grèce antique, qui a eu une énorme influence sur le développement actif art européen. Dans les cités-États, il devint un chef important de la vie publique. Qu’est-ce que le théâtre dans la Grèce antique ? Les représentations constituaient alors une grande fête nationale. Des dizaines de milliers de spectateurs fascinés se sont rassemblés dans d’immenses et gigantesques amphithéâtres à ciel ouvert. En plus des acteurs professionnels disponibles, le spectacle pourrait également être interprété par les citoyens eux-mêmes, directement par les participants de la chorale. La danse et la musique restaient nécessaires, éléments principaux de l'action.

Qu'était-ce que le théâtre dans la Rome antique ? Ici, le côté scénique de la plupart des spectacles s'est développé plus activement, même le type de scène a changé, la technologie théâtrale professionnelle s'est développée, divers types de spectacles sont apparus (spectacles musicaux et de danse en histoires mythologiques- les pantomimes, qui, ayant connu leur apogée sous l'Empire, le restèrent jusqu'au Ve siècle. le plus populaire genre théâtral).

Le théâtre européen du Moyen Âge a pratiquement cessé d'exister. William Shakespeare et plusieurs autres dramaturges du XVe siècle. l'a relancé. Ensuite, sans exception, tous les rôles des représentations ont été interprétés par des garçons et des hommes. Les actrices sont apparues pour la première fois dans les troupes populaires d'acteurs itinérants italiens qui interprétaient des comédies "cel arte" (petites pièces de théâtre comiques avec la participation obligatoire de personnages masqués).

La culture humaniste de la Renaissance a ravivé les traditions de l'art théâtral antique, en les combinant avec les riches traditions du patrimoine national populaire. Les pièces de théâtre de célèbres dramaturges de cette époque ont révélé l'histoire dans les conflits politiques et sociaux les plus aigus.

L'essor du théâtre est associé à la diffusion active du classicisme, dont la base sociale est le renforcement de certains régimes absolutistes dans certains pays. pays européens. La tâche des acteurs était de créer l'image complexe d'un héros qui, à travers des luttes internes et de dures épreuves, surmonte sa propre dichotomie entre les exigences de la société et l'intérêt privé. Les problèmes modernes au cours de cette période ont acquis un caractère à la fois abstrait et universellement significatif. C'est ce qu'est le théâtre du classicisme.

Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, il devient le principal représentant des idées des Lumières bourgeoises orageuses. Dans l'art des acteurs de cette époque, une haute citoyenneté se combinait parfaitement avec un désir actif de créer de nouveaux personnages holistiques qui s'intéressaient à la vérité historique.

Le romantisme est devenu l'expression des aspirations des masses démocratiques et des idéaux humanistes. Sous la bannière de cette époque, une lutte sérieuse s'est déroulée sous forme de drame contre le soi-disant classicisme épigone - pour la nationalité, l'historicisme et l'identité nationale.

Le réalisme, préparé par le théâtre puis par le romantisme, acquiert dans les années 30-40 de dignes formes indépendantes. 19ème siècle et a atteint sa position de domination la plus élevée au milieu du siècle.

Dans le théâtre moderne, il existe une synthèse de nombreux types d'art, de problèmes sociaux et d'émotions - analyse psychologique, questions morales élevées, spontanéité. état émotionnel, authenticité et grotesque, expérience et détachement, lyrisme et satire. Tout cela se présente dans les combinaisons les plus audacieuses et les plus inattendues. Qu'est-ce que le théâtre moderne ? Il s'agit d'une tendance prononcée à lutter pour activité accrue images, pour enregistrer des informations importantes moyens artistiques, ainsi que leur contenu. Aujourd’hui, ce type d’art est impensable sans réalisateur. La scénographie est également importante désormais.