SYMPHONIE CRÉATIVITÉ BORODIN.

SYMPHONIE DE BOGATYR.

Les œuvres symphoniques comprennent : 3 symphonies (1867, 1876, 1887) ; image musicale"À Asie centrale» (1880).

Le compositeur n'a annoncé aucun programme pour la Symphonie de Bogatyr. Et pourtant, il existe des caractéristiques claires de la programmation. Stasov a écrit à ce sujet: "Borodine lui-même m'a dit plus d'une fois que dans la partie lente, il voulait dessiner Bayan, dans la première partie - une réunion de héros russes, dans la finale - la scène d'une fête héroïque avec le son d'un harpe, avec la jubilation de la grande foule russe." C'est ce qui a donné à Stasov une raison d'appeler la symphonie Bogatyrskaya (Moussorgski l'a appelée "slave héroïque"). Toutes ces images sont unies par une seule idée patriotique- l'idée d'amour pour la patrie et la glorification du pouvoir héroïque du peuple.

Je me sépare – écrit sous la forme sonate allegro. L'incarnation d'images héroïques. La partie principale est proche des mélodies épiques russes, elle est interprétée par les bois.

La partie latérale est proche des chansons folkloriques lyriques. Il exprime les sentiments lyriques non pas d'une personne, mais de toute une masse de personnes. Dessine l'étendue de la steppe russe.

Le développement est construit selon le principe pictural épique préféré de Borodine. Il est construit sur l'alternance d'épisodes héroïques qui ressemblent à des batailles, des exploits épiques et des moments lyriques, plus personnels, construits sur le développement d'une partie latérale.

Après une reprise concise du code, il affirme avec force le premier thème.

PARTIE II - scherzo rapide. Il est relié à la partie précédente par le lien le plus court - un accord prolongé.

Le premier thème du scherzo jaillit rapidement du fond des basses sur fond d'octave répétée par les cors, puis l'emporte, comme « sans respirer ».

Le 2ème thème sonne plus doux, bien qu'il conserve un caractère masculin.

La mélodie du trio est couverte d'un bonheur oriental.

III PARTIE –Andante, écrit sous la forme sonate allegro. On peut l'appeler une chanson épique héroïque. Il dessine l'image de Bayan - le légendaire ancien chanteur russe. Cette partie est perçue comme l'histoire d'un narrateur folklorique sur les glorieuses batailles et les exploits des anciens chevaliers.

La partie principale est constituée des accords de la harpe tirant des cordes sur la harpe de Bayan.

La partie latérale sonne comme une continuation de la partie principale. Mais l'ambiance ici devient différente, comme si le conteur de l'histoire de une vie paisible passe à la narration d'événements troublants et redoutables.

IV PARTIE -Allegro. La musique capte par son ampleur, son éclat, sa gaieté et sa grandeur extraordinaire.

La fête principale est un thème radical et follement joyeux, dont le prototype est la chanson folklorique "J'irai à la ville du tsar".

La partie latérale est plus lyrique et calme. Il a le caractère de la glorification et sonne sur fond, pour ainsi dire, de «débordements de la harpe sonore».

La symphonie se termine par une musique pleine de prouesses vaillantes et de plaisir irrépressible.

ROMANCES de A.P. BORODIN

La créativité vocale de Borodine est de petit volume. Il a écrit un total de 16 romans et chansons sur les textes de A.S. Pouchkine, A. Tolstoï, Heine, A. Nekrasov, ainsi que sur ses propres textes. Ils peuvent être divisés en 3 groupes.

1. Romances incarnant les images d'épopées populaires et de contes de fées :

"Chant de la forêt sombre", "Princesse endormie".

2. Esquisses lyriques et déclarations psychologiques et esquisses psychologiques :

"Mes chansons sont empoisonnées", "pour les rivages de la lointaine patrie".

3. Romans domestiques et humoristiques :

"Arrogance", "Les gens ont quelque chose dans la maison."

"Princesse endormie" écrit sur le propre texte de Borodine. Cette romance juxtapose les images de la princesse endormie, des créatures fantastiques maléfiques et du héros libérateur.

"Chant de la forêt sombre" contient une image héroïque plus spécifique. Borodine lui-même a composé les mots dans l'esprit de l'ancien chansons folkloriques hommes libres (pas étonnant que l'auteur ait donné à sa romance un sous-titre - "The Old Song"). Dans cette romance, Borodine a montré des images folkloriques du passé, il a souligné en elles ce qui était proche de la modernité - la force élémentaire et un désir irrépressible de liberté.

"Pour les rives de la lointaine patrie" par genre - élégie. Il a été écrit en 1881 sous l'impression de la mort de Moussorgski. La musique de cette romance se mêle ingénieusement au texte de Pouchkine. L'ambiance de profonde tristesse contenue, de chagrin courageux, de netteté et de douleur des expériences distingue cette œuvre du compositeur.

"arrogance" - une romance humoristique basée sur les vers d'A.K. Tolstoï, dans laquelle les principales caractéristiques de ce genre dans l'œuvre du compositeur sont clairement visibles. Borodine n'était pas caractérisé par une moquerie mordante, une ironie caustique. Ses romans se distinguent par une comédie bon enfant. Mais l'arrogance est un vice public. Par conséquent, en l'exprimant, le compositeur se rapproche de la satire sociale - un genre si populaire dans l'œuvre de Dargomyzhsky et Moussorgski.

Thème 19 (6)

N. A. Rimsky-Korsakov

La polyvalence des activités créatives et sociales de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908) - compositeur, professeur, écrivain et éditeur de musique, chef d'orchestre et propagandiste de la musique russe. Reflet dans son œuvre de l'histoire et de la vie du peuple ; grand attrait pour le folklore national.

Les années d'enfance à Tikhvin. Première exposition à la musique. Étudie au Corps naval de Saint-Pétersbourg (1856-1862). Passionné de musique, fréquentant opéra et concerts, cours avec Canille. Connaissance de Balakirev et de son rôle dans le développement du talent et la formation des vues artistiques de Rimsky-Korsakov. Voyage à l'étranger (1862-1865). Achèvement et exécution réussie de la Première Symphonie ; création d'autres oeuvres pour l'orchestre.

Travaillez sur l'opéra "Pskovityanka" sur une intrigue historique. La croissance de la renommée du compositeur. Début des travaux pédagogiques au conservatoire (1871). Amélioration de la compétence du compositeur. Passion pour les chansons folkloriques et la création de recueils de chansons. Appel au foyer du peuple et contes de fées dans les opéras "May Night" et "Snow Maiden".

La période de maturité créative la plus élevée ; création des meilleures œuvres pour orchestre dans les années 80 (« Schéhérazade », « Capriccio espagnol »), Belyaevsky Circle. Travail sur l'achèvement et l'édition des œuvres de Moussorgski et Borodine ("Boris Godunov", "Khovanshchina", "Prince Igor"), performances en tant que chef d'orchestre. Une nouvelle floraison de créativité lyrique depuis le milieu des années 90. Solidarité de Rimsky-Korsakov avec les humeurs de la partie avancée de la société russe pendant les années de la révolution de 1905-1907. Création de l'opéra-satire "Le Coq d'Or". La lutte de Rimsky-Korsakov pour le réalisme et la nationalité de l'art musical russe. Élèves et disciples de Rimsky-Korsakov. Reconnaissance mondiale du compositeur.

Brève revue du patrimoine créatif. Genre et richesse thématique des œuvres de Rimsky-Korsakov. La position de leader de l'opéra; la prédominance des œuvres fabuleuses épiques. Base de genre folklorique de la musique symphonique; le rôle du logiciel dans celui-ci. Suites, symphonies et œuvres en un mouvement pour orchestre. Musique vocale de chambre. Oeuvres d'autres genres. Livres et articles

Rimsky-Korsakov sur la musique. « Chronique de mon vie musicale comme exemple d'une autobiographie créative.

De la musique de Rimsky-Korsakov à la leçon biographique, vous pouvez écouter la chanson de l'invité varègue et la chanson de l'invité indien de l'opéra Sadko.

"Schéhérazade". L'appel à "Schéhérazade" donne une raison de restaurer et de compléter de manière significative les idées des élèves sur l'orchestre symphonique. Au terme de la troisième année d'études, ils ont déjà accumulé une certaine expérience auditive de communication avec la musique symphonique et quelques connaissances dans le domaine de l'instrumentation. Le son coloré de l'orchestre Rimsky-Korsakov, la nature programmatique de la suite améliorent la perception de la musique et les épisodes solo de presque tous les instruments facilitent la reconnaissance de leurs voix. Dans une conversation sur l'orchestre, qui devient une sorte d'introduction à l'étude de la composition orchestrale, des questions peuvent être soulevées qui aideront les élèves à comprendre un certain nombre de concepts liés à la musique orchestrale et, à l'avenir, à les naviguer de manière indépendante. Les principaux sont : les types d'orchestres, différents dans la composition instrumentale et le but (répertoire) ; orchestre symphonique moderne, groupes orchestraux et leur composition instrumentale, disposition des groupes sur la scène de concert; fonctions de chef d'orchestre ; notion de pointage.

Contes de fées arabes "Mille et une nuits" comme source du contenu de la musique de la suite. Fabuleux caractère oriental de la musique. Le pittoresque et la couleur des images musicales ; rôle expressif timbres d'orchestre. La structure du cycle. auditif et visuel (selon exemples musicaux du manuel) révélant les qualités expressives des principaux thèmes de l'introduction. Analyse de la structure sonate du premier mouvement, ses thèmes principaux. Comparaison d'images contrastées dans la deuxième partie, développement variationnel du thème principal. Le chant et la danse caractérisent les thèmes de la troisième partie, son entrepôt lyrique. Alternance des thèmes des parties précédentes dans le final. Codes de programme et de contenu thématique.

Opéra "Snow Maiden". "The Snow Maiden" de Rimsky-Korsakov est le plus adapté aux tâches travail académique, bien que l'enseignant ait le droit de le remplacer par un autre opéra de conte de fées. Dans le même temps, il est plus difficile de donner des cours sur The Snow Maiden que de familiariser les enfants avec Ivan Susanin et le prince Igor. Premièrement, il y a un danger de simplifier, de réduire le thème de l'opéra à un conte de fées pour enfants sur la fille Snow Maiden. D'autre part, le début philosophique de l'œuvre, son panthéisme païen et son ritualisme, sa poésie particulière sont loin de la vision du monde des adolescents modernes. Pour rapprocher le travail de Rimsky-Korsakov de la perception des écoliers, un appel au merveilleux texte poétique de A. N. Ostrovsky et la construction de classes sous la forme d'une sorte de composition musicale et littéraire aideront. Ceci, cependant, n'exclut pas l'approche méthodique traditionnelle de l'étude de l'opéra. Il est basé sur l'alternance de fragments de musique avec la lecture du texte d'Ostrovsky. Lecture expressive texte poétique prof - état requis la conscience de la haute valeur artistique de l'œuvre et la perception vivante et émotionnelle des images littéraires par les écoliers.

Ainsi, après avoir analysé et écouté l'introduction du prologue, les lignes du texte du monologue du Printemps et son appel aux oiseaux, préparant le "Chant et Danse des Oiseaux", sont naturellement perçues. L'apparition de Frost et son dialogue avec Spring sont lus selon le texte d'Ostrovsky, dans lequel la scène suivante avec Snow Maiden est motivée. Son air et son arietta sont le centre musical du prologue. Dans la scène de départ du carnaval, le premier des chœurs et la scène finale, de l'apparition de la Snow Maiden, sont entendus.

Le temps limité ne vous permet pas de vous concentrer sur la première action. Le sens de ce qui s'y passe est nécessaire pour comprendre tout ce qui suit : il est expliqué par l'enseignant avec une sélection de fragments de texte.

Dans le deuxième acte, on peut se référer aux vers des sages paroles de Berendey dans son dialogue Bermyata (le deuxième phénomène), à ​​la plainte de Kupava (sans écouter la musique du duo) et à la phrase du tsar ("Gens honnêtes, dignes de la mort peine de son vin..."). Les numéros musicaux de l'action, qui sont traditionnellement démontés et écoutés, sont la Procession du roi Berendey et sa cavatine. La musique lente, calme et émouvante de l'air fait une impression plus perceptible avec sa beauté fragile après avoir lu son texte du livret, qui chante les puissants, pleins de merveilles de la nature.

Les deux dernières actions demandent moins d'attention et de temps, et le choix des fragments de texte poétique à lire est ici plus limité. Si le chœur «Ay, il y a un tilleul dans le champ» et «Danse des bouffons» ne sont écoutés qu'avec des commentaires explicatifs, alors la chanson de Lel est très indicative pour l'analyse des moyens expressifs, des caractéristiques de construction. Plus loin développement de l'intrigue est brièvement raconté, et l'arioso de Mizgir sert d'illustration musicale de ce qui se passe dans la forêt nocturne.

Le dernier acte commence par la scène de la Snow Maiden avec Spring, à partir de laquelle son texte initial est lu avec des coupes jusqu'à l'adieu de Spring avec la Snow Maiden, y compris le texte du chœur en couleur. La haute poésie de ces lignes évoque la chaleur et les arômes des jours de printemps, rapprochant l'homme de la nature. Dans l'unité de l'homme et de la nature - l'une des idées fondamentales de l'opéra. Dans la scène de fusion, dans les derniers mots de Berendey et le refrain final, la fusion du texte et de la musique est perçue dans leur unité comme le résultat de la création de deux grands représentants de l'art russe. Avant d'écouter l'arioso de la Snow Maiden, le thème de Yarila the Sun, le thème transformé de l'arietta du prologue ressort dans la musique de l'opéra, l'image de la Snow Maiden est comparée dans le final avec son apparition dans le prologue.

Lorsque vous étudiez ce sujet, utilisez :

Résumé №27 (6)

Aides visuelles:

Reproductions du guide de la galerie Tretiakov

Ensemble de portraits de compositeurs

3. Audioguide :

1. "Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov"

4. Tutoriel vidéo :

1. N.D. L'opéra de Rimski-Korsakov La Fille des neiges

RÉSUMÉ N° 27 (6)

NIKOLAI ANDREEVITCH RIMSKY-KORSAKOV.

(1844 - 1908)

Principaux travaux :

- 15 opéras : "Sadko", "Coq doré", "Kashchei l'Immortel", " mariée royale", et d'autres.

- pour orchestre : 3 symphonies, musique. la peinture "Sadko", "Serbian Fantasy", "Fairy Tale", "Symphonietta on Russian Themes", "Spanish Capriccio", "Scheherazade", "Bright Holiday".

- concerts, ensembles pour divers instruments avec orchestre.

- pièces pour piano.

- 79 romances, duos vocaux, trios et autres.

Rimsky-Korsakov est né le 6 mars 1844 dans la province de Novgorod, dans la ville de Tikhvin. Le père du compositeur, ancien gouverneur, possédait une maison. La mère est la fille d'un serf. La famille était musicienne. Nicky, comme l'appelaient affectueusement ses parents, a montré très tôt son talent musical. Dès l'âge de 6 ans, ils ont commencé à lui apprendre la musique et à l'âge de 11 ans, il avait obtenu un grand succès. Nika était engagé dans des exercices obligatoires avec paresse, mais il aimait changer la fin de la pièce jouée.

Mais il n'y avait pas que la musique qui s'intéressait alors au jeune Nick. Il était beaucoup plus attiré par le romantisme de la mer - une passion qui s'est développée sous l'influence de son frère aîné, Voin Andreevich, un officier marin, membre de longues expéditions, qui avait le grade de contre-amiral. Nick était captivé par l'idée de devenir marin. Enfin son rêve est devenu réalité. À l'âge de 12 ans, il entre dans le corps naval de Saint-Pétersbourg.

Le corps de cadets a radicalement changé le mode de sa vie. Tout y était subordonné aux ordres militaires. Mais le jeune cadet s'y est rapidement habitué, s'est lié d'amitié avec des lycéens, parmi lesquels se trouvaient le futur écrivain, auteur de "Sea stories" K. Stanyukovich et l'artiste V. Vereshchagin. Nicolas a bien étudié. Pendant six ans, il a toujours été dans le "top ten" des Cadets. Il a donc reçu des vacances hebdomadaires. Il a commencé à assister à des concerts, à l'opéra.

Mais éducation musicale Nicolas laissait beaucoup à désirer. Par conséquent, depuis 1859, il a commencé à étudier avec F. A. Canille - un musicien, pianiste, connaisseur de la musique russe. Par l'intermédiaire de Canille, le jeune musicien a rencontré Balakirev, Cui, Moussorgski, Stasov. C'est ce qui le définissait. plus loin. Il commence à travailler sur sa première œuvre sérieuse - la Première Symphonie. Mais en parallèle, il passe des examens dans le corps naval, puis, en tant qu'aspirant, passe à tour du monde sur la tondeuse d'entraînement militaire "Almaz". Le voyage a duré 3 ans. Le clipper a visité l'Angleterre, l'Amérique, le Brésil, l'Italie, l'Espagne, la France.

Le retour à la musique s'est fait très vite. Les débuts du compositeur étaient la Symphonie n ° 1, puis l'image symphonique "Sadko", la symphonie "Antar" est apparue. Mais la plupart bon travail la première période était l'opéra La Pucelle de Pskov. L'achèvement de l'opéra a coïncidé avec un événement heureux dans la vie du compositeur - il a épousé N. N. Purgold, un pianiste talentueux, participant aux soirées musicales du cercle Balakirev, interprète régulier d'œuvres de ses collègues compositeurs. Moussorgski l'appelait affectueusement - "notre orchestre préféré".

Parallèlement, Rimsky-Korsakov a beaucoup travaillé sur des recueils de chansons russes. Au début, il a enregistré et harmonisé 40 chansons du talentueux chanteur amateur T. Filippov, puis il a commencé à les chercher lui-même, des chansons folkloriques russes de divers genres. Il s'intéressait particulièrement aux jeux anciens et aux chants rituels. C'est ainsi que la collection "Cent chansons folkloriques russes" est apparue.

En 1871, Rimsky-Korsakov devient professeur au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Peu de temps après, il est invité à prendre la place de l'inspecteur des fanfares du département maritime. Pour correspondre à la dernière position, il a appris à jouer des instruments à vent. Au milieu des années 70, il assume également les fonctions de directeur de l'École libre de musique, en remplacement de Balakirev.

En 1905, Rimsky-Korsakov prit le parti des étudiants révolutionnaires, pour lesquels il fut expulsé de la chaire. Son retour au conservatoire est une grande victoire pour les forces démocratiques.

Au printemps 1908, Rimsky-Korsakov a commencé à souffrir d'une maladie cardiaque, mais il a continué à travailler sur le manuel Fundamentals of Orchestration. Les dernières entrées ont été faites par lui le 7 juin. Et dans la nuit du 8 juin, le compositeur est décédé.

CRÉATIVITÉ D'OPÉRA DE N.A.RIMSKY-KORSAKOV.

SUR LE. Rimsky-Korsakov a écrit 15 opéras de contenu différent :

1. La Pucelle de Pskov est un opéra historique.

2. "Mozart et Salieri" - opéra historique.

3. "La fiancée du tsar" - un opéra historique.

4. "Snow Maiden" - un conte de fées épique.

5. "La nuit avant Noël" - un conte de fées.

6. "Golden Cockerel" - un conte de fées.

7. "Le conte du tsar Saltan" - un conte de fées.

9. "La légende de la ville invisible de Kitezh" est un opéra fantastique.

10. "Servilia".

11. "Gouverneur de casserole".

12. "Sadko".

13. "Mlada" - opéra-ballet.

14. "Koschey l'immortel" - un conte de fées.

15. Boyard Vera Sheloga.

OPÉRA "FILLE DES NEIGES".

Genre: une combinaison de contes de fées épiques avec un drame lyrique.

Histoire de la création. Terrain: Rimsky-Korsakov aimait beaucoup la nature, surtout le printemps. Après avoir lu le «conte de printemps» d'A. Ostrovsky, où la sagesse populaire est intimement liée au monde des sentiments, j'ai décidé d'écrire un opéra basé sur l'intrigue de ce conte. L'action de l'opéra se déroule dans le fabuleux royaume des Berendey, où tout le monde est bon et juste, et aime l'art. Le mensonge et la tromperie sont considérés comme des crimes. Berendei vénère la nature et le soleil. Rimsky-Korsakov a montré les anciennes coutumes et rituels.

Livret: N.A. Rimsky-Korsakov.

Héros de l'opéra :

Héros mythiques Semi-fantastiques, vrais héros :

héros semi-réels :

Père froid; Snow Maiden - flûte. Kupava

Ressort - corne; L'image est fabuleusement froide Mizgir - clarinette basse

Lutin. et plein de lyrisme à la fois. Bobyl, Bobylikha

Lel - (clarinette) berger,

symbole de la magie éternelle

le pouvoir de l'art.

Berendey - roi, personnification

gouvernement sage, vrai

père de son peuple.

Dans l'opéra The Snow Maiden, Rimsky-Korsakov utilise des leitmotivs - des caractéristiques musicales soutenues.

Composition : prologue et 4 actes (les numéros solo prédominent).

Idée et dramaturgie : comparaison et développement de 2 différentes régions: le monde des hommes et le monde de la nature. Montrant des rituels anciens, des chansons folkloriques authentiques.

PROLOGUE

L'action du prologue se déroule loin, très loin, au-delà des forêts impénétrables, là où s'étend le fabuleux pays des Berendey. Les sapins hirsutes se dressent jusqu'à la taille dans les congères, et les gobelins et autres nids nichent dans des creux profonds. diablerie. Il fait froid au pays des Berendey.

L'introduction orchestrale introduit l'auditeur dans le royaume de la nature. Parmi les nombreux chants et thèmes mélodiques sur lesquels repose l'introduction, deux se distinguent.

Le thème dur et autoritaire du Père Noël contraste vivement avec le thème doux et chaleureux du printemps.

Àle cri d'un coq éclate et Leshy annonce la fin de l'hiver. Le printemps descend sur terre et rapporte que le Yarilo-Sun en colère s'est détourné des Berendey, donnant leur terre au pouvoir du père Noël, car la Snow Maiden, l'enfant du père Noël et du printemps, vit dans leur forêt réservée. La Snow Maiden est autorisée à vivre près du beredey et Leshy en tant que garde.

1. Chants et danses d'oiseaux. L'accompagnement orchestral est rempli de motifs onomatopéiques - des airs d'oiseaux enregistrés par Rimsky-Korsakov. Dans la musique, on peut clairement entendre le cri du coucou, le coup du pic, le cliquetis, le sifflement et le cliquetis des autres oiseaux. Et sur ce fond sonore résonnent 2 airs folkloriques : « Les oiseaux se sont rassemblés », « L'aigle du gouverneur ».

2. Aria of the Snow Maiden "Se promener entre copines sur une baie". DEHurlant 15 ans, la Snow Maiden a vécu dans le fourré de la forêt, cachée là des yeux humains, et du regard de Yarila, destructeur pour elle.La Snow Maiden aspire à la chaleur des sentiments humains. Elle aime tout de Berendey. C'est agréable pour elle d'écouter les chansons du berger Lelya, elle veut se promener avec ses amis, danser, répéter ses chansons après Lelya.Elle en parle dans son premier air. La musique de cet air est légère, élégante et gracieuse. Le timbre froid de la flûte accompagne constamment la Snow Maiden au début de l'opéra.

3. Arietta Snegurochka "J'ai entendu, j'ai entendu .." exprime un sentiment de nostalgie pour les gens. La mélodie lyrique est construite sur des intonations en demi-tons. L'harmonie se compose d'accords parfaits majeurs et mineurs et de leurs inversions.

La deuxième partie du prologue est consacrée à l'ancien rite de départ de Maslenitsa. Une effigie de paille (Maslenitsa) était habillée et portée dans les rues avec des chants, et brûlée le soir, c'est-à-dire qu'ils essayaient de hâter l'arrivée du printemps.

4. Chœur "Adieu, Maslenitsa". La mélodie du chœur est construite sur les tournures mélodiques des anciens chants rituels.

Mais maintenant, Bobyl remarque la Snow Maiden. Berendei se fige de surprise, frappée par sa beauté. Avec Bobilikh, il l'emmène chez lui. Les arbres et les buissons s'inclinent devant la Snow Maiden, lui disant au revoir.

1 ACTION

Le printemps est arrivé au pays des Berendey. La Snow Maiden vit avec Bobyl et Bobylikh. Voici Lel. Il chante 2 chansons pour la Snow Maiden. Mais il s'ennuie avec la froide Snow Maiden, qui veut s'embrasser pour des chansons. Et, laissant la fleur qu'elle a donnée, Lel s'enfuit vers les joyeuses filles. La Snow Maiden est bouleversée, son cœur est serré par le désir.

5. Arietta Snegurochka "Comme c'est douloureux ici, comme c'est dur pour le cœur .." - la Snow Maiden chante, déplorant à la fois Lelya et le Père Frost, qui l'ont privée de la chaleur de son cœur.

À côté de la fragile Snow Maiden, une autre image apparaît - Berendey de Kupava. Elle raconte une rencontre avec le beau Mizgir, un riche invité marchand.

Mizgir apparaît. Selon la coutume, il doit offrir des cadeaux aux filles - les copines de Kupava, afin de racheter la mariée. Ils chantent des chansons de mariage. Mais Mizgir voit la Snow Maiden et oublie tout dans le monde. Il lui promet des richesses incalculables par amour. Les Berendey sont scandalisés. Il n'y avait jamais eu une telle trahison dans leur pays. Ils conseillent tous à Kupava de demander la protection du tsar Berendey.

2 ACTION

L'action se déroule dans le palais du tsar Berendey, où bonté, justice,

amour pour tout ce qui est beau - et chez les gens, et dans la nature, et dans l'art. Le tsar Berendey est occupé à dessiner. Mais il ne peut pas se sentir heureux. Il s'inquiète de la disgrâce de Yarila, du refroidissement incompréhensible de la nature et du cœur humain.

Kupava coule en larmes et demande la protection du roi. Choqué par le chagrin de Kupava et la trahison du marié, le roi ordonne que Mizgir soit traduit en justice.

5. Procession du Roi Berendey est une marche solennelle de conte de fées. Les exclamations bruyantes des trompettes, trombones et autres instruments à vent contrastent fortement avec les violons légers en pizzicato.

Le procès de Mizgir ne tarde pas. Personne ne doutait de sa culpabilité, et il ne se justifie pas. Sévère est la sentence du roi - l'exil éternel l'attend. Mais Mizgir veut dernière fois regardez la fille des neiges.

Voici la fille des neiges. Avec sa beauté, elle captive tout le monde, y compris le roi.

6 Cavatine de Berendey résonne un hymne calme et enthousiaste de la nature toute-puissante :"La nature puissante est pleine, pleine de miracles ..". La voix de Berendey est reprise par le violoncelle avec sa mélodie mesurée et chaloupée, affectueuse et berçante.

Et le roi comprit pourquoi Yarilo était en colère contre eux. Une telle beauté ne peut pas être froide. Et le tsar Berendey décide : demain, le premier jour de l'été - le jour de Yarilin - d'épouser tous les mariés devant le visage du soleil levant. Et parmi les amants, il devrait y avoir une Snow Maiden avec son élu. Mizgir demande un délai d'exil et promet de planter l'amour dans le cœur de la Snow Maiden. Berendey est d'accord. Le peuple glorifie la sagesse de Berendey.

3 ACTION

À la veille du jour de Yarilin - la fête du soleil - les jeunes mènent des danses rondes sur la chanson véritablement folklorique "Ay, il y a un tilleul dans le champ". Les vieux se régalent de bière et de pain d'épice. Le tsar Berendey fait son coming-out au peuple. Les bouffons dansaient. Lel a chanté sa merveilleuse chanson.

7. La chanson de Lel "Le nuage était d'accord avec le tonnerre ..". L'apparition de Lelya s'accompagne presque toujours de légers débordements de la clarinette (parfois du hautbois). Cette chanson commence par un solo de clarinette jouant un air authentique. Dans l'introduction, il y a des caractéristiques picturales - imitation du tonnerre (tremolo timbales). La mélodie de la chanson est basée sur des phrases et des chants folkloriques.

En récompense de la chanson, le tsar propose à Lel de choisir une fille. La Snow Maiden demande à Lel de la choisir, mais Lel, comprenant le chagrin de Kupava offensée, la choisit. Tous les Berendeys se dispersent et seule la Snow Maiden lancinante reste dans la clairière.

8. Arioso Mizgir "Sur la mer bleue chaude ..". Mizgir dans son arioso prie la fille pour l'amour.

Il offre à la Snow Maiden une perle inestimable pour son amour. Mais la fille ne comprend pas ses sentiments et elle s'enfuit. Mizgir la poursuit. La forêt prend vie, se transformant en un fourré impénétrable, l'image fantomatique de la Snow Maiden scintille au loin. Gobelin attire Mizgir dans le désert. La prairie retrouve sa forme d'origine. Lel et Kupava sortent. Ils sont heureux. La Snow Maiden, qui a couru, reproche à Kupava. Lel conseille à la Snow Maiden d'apprendre à aimer de Kupava.

4 ACTION

Dans un lac magique, dans un fourré impénétrable, se cachant des gens, vit le printemps. La Snow Maiden demande à Mother Spring de la doter d'un sentiment d'amour. Le printemps donne une couronne dont les fleurs ont des pouvoirs miraculeux - et au même moment, le monde entier est transformé pour la Snow Maiden. Mizgir apparaît. Son amour dévoué touche le cœur de la jeune fille. Happy Mizgir la conduit au roi. Mais la Snow Maiden a peur des rayons du soleil. Le soleil se lève.

Le jour de Yarilin approche - des vacances d'été. Le tsar Berendey bénit les jeunes couples. Mizgir l'amène au roi. A la question du roi sur son amour, la Fille des neiges répond : "Demande-moi cent fois, je répondrai cent fois que je l'aime." Et à ce moment le faisceau soleil levant l'illumine. Éprouvant des sentiments incompréhensibles, elle commence à fondre.

9. Arioso de la Snow Maiden "Mais qu'est-ce qui ne va pas avec moi .." (scène de fusion). Si d'abord le violon solo et la flûte colorent la musique de tons chauds ("Mais qu'en est-il de moi !? Le bonheur ou la mort"), puis sur les mots "J'aime et je fond.." le vent et la harpe (glissando) se rejoignent, ce qui vous permet de sentir, pour ainsi dire, fondre, dissoudre la mélodie.

Mizgir se précipite dans le lac. Et Yarilo donne aux gens lumière et chaleur. Ainsi, la paix et l'harmonie règnent à nouveau entre la nature et les hommes.

10. Chœur final "Lumière et puissance, dieu Yarilo .." - construit sur la croissance de la force. La première strophe est chantée par Lel. Le second - le chœur de Berendey et le troisième - l'ensemble de solistes.

La musique de "The Snow Maiden" est empreinte d'amour pour les gens, la nature, la foi en la beauté de l'homme et la haute reconnaissance de l'art, éveillant le meilleur d'une personne, la foi dans le triomphe de la vérité et du bien.

SUITE SYMPHONIQUE "SCHEHERAZAD".

La poétisation de l'Orient par les compositeurs russes se reflète dans divers genres musicaux. Tous ont coloré images magiques et des images de la nature, de l'originalité et de l'originalité de la langue intonative. Qu'il suffise de nommer le deuxième acte "polovtsien" de l'opéra "Prince Igor" de A.P. Borodine, "Le chœur persan" dans l'opéra "Ruslan et Lyudmila"

MI. Glinka. Authentique et imaginaire, « l'Orient russe » conjugue sauvagerie, violence, spontanéité et sophistication, langueur, béatitude, conte de fées, magie, charme.

Depuis plusieurs centaines d'années, les gens sont captivés et enthousiasmés par les aventures de Sindbat le Marin, qui s'est lancé dans des pérégrinations lointaines et dangereuses, le destin de l'intelligent et entreprenant Aladin, l'histoire d'Ali Baba, qui, ayant appris les mots miraculeux : « Sésame, ouvre ! », maîtrisaient les innombrables trésors de quarante brigands, la légende et l'authenticité de la personnalité du calife tout-puissant et nominal de Bagdad Harun al-Rashid.

Le héros des contes de fées "1001 nuits" est depuis longtemps aimé des enfants et des adultes. Une collection de ces contes de fées est apparue au 18ème siècle en France. Du français, les contes furent bientôt traduits dans de nombreuses autres langues. « 1001 Nights » est une véritable composition folklorique. Il a été créé par de nombreuses générations de différents peuples de l'Orient : Arabes, Perses, Indiens. La suite symphonique « Shéhérazade » a été écrite en seulement deux mois. En quatre parties de ce conte musical vous pouvez non seulement entendre, mais aussi voir des miracles. La sage et belle Shéhérazade en parle au redoutable sultan Shahriar.

La suite Shéhérazade n'est pas seulement une série de peintures orientales pittoresques, mais aussi un duel entre deux adversaires : Shahriar et Shéhérazade. L'arme du sultan est la force brute, l'arme du narrateur est un don poétique, sa fantaisie sans limite. Qui va gagner?

La suite symphonique « Shéhérazade » de Rimsky-Korsakov (1888) est une œuvre à programme. Les 4 parties sont unies non seulement par une idée, mais aussi par des thèmes musicaux communs. Ainsi, le thème de Shéhérazade apparaît dans toutes les parties. Lors de la composition de la suite, le compositeur a d'abord voulu donner à chaque mouvement son propre nom. Cependant, plus tard, il a abandonné cette idée, estimant qu'il était plus utile pour les auditeurs de suivre librement leur imagination.

Je me sépare commence par une introduction dans laquelle résonnent 2 thèmes opposés.

Le thème du roi Shahriar - un seigneur redoutable et cruel est interprété par des instruments à vent dans un registre grave.

Le thème de la jeune et belle Shéhérazade est toujours entendu au violon solo.

La partie I était à l'origine appelée par Rimsky-Korsakov "Image de la mer avec le navire de Sinbad naviguant dessus" . Sa musique transmet avec une subtilité surprenante le souffle de l'élément marin, dessine une série infinie de vagues, le navire de Sinbad le marin, naviguant à travers l'étendue calme de l'océan. Mais l'excitation de la mer grandit peu à peu, et maintenant la musique dessine la grandeur des éléments déchaînés. Mais à la fin de la partie, tout se calme et la musique dépeint à nouveau une image de la mer paisible qui éclabousse doucement.

PARTIE II - "L'histoire du tsarévitch-Kalender". Apparaît ici Nouveau personnage- prince, et Shéhérazade, pour ainsi dire, lui donne la parole. Il y a donc une histoire dans une histoire, un conte de fées dans un conte de fées. Le compositeur dresse un portrait musical de Calender, puis dépeint ses aventures fantastiques. Le thème du Calendrier est construit sur les intonations des chansons folkloriques orientales, il résonne dans la partie de basson.

III PARTIE - le plus lyrique de la suite, il s'appelait"Prince et princesse"

La musique est pleine de lumière, de soleil brûlant, de douce langueur.

Le premier thème (du tsarévitch) est large, mélodieux.

Le deuxième thème (Princesse) - personnage de danse - crée une image gracieuse et féminine.

IV PARTIE est le plus frappant de toute la suite. Il combine les thèmes de toutes les parties précédentes. Le compositeur a appelé cette partie"Peinture fête nationaleà Bagdad." Ce caractère festif se révèle dans le changement des différents thèmes, le jeu des rythmes et des timbres. La longue coda, qui sert de conclusion à tout le cycle, dessine une image indépendante de la majestueuse mer menaçante et du navire s'écrasant contre le rocher.

Dans l'épilogue, le thème de Shahriar devient doux et calme, car le sultan cruel est apaisé.Pour la dernière fois, comme la fin du conte, le thème de la jeune Shéhérazade résonne. La suite se termine avec elle.

"Schéhérazade" est l'une des œuvres les plus brillantes représentant le monde de l'Orient musical. Il utilise le principe du pittoresque, juxtaposition d'épisodes de caractère différent, unis par le thème de Shéhérazade, qui nous rappelle que tout cela est l'histoire d'une seule personne - la charmante conteuse Shéhérazade. Il n'y a pas d'intrigue cohérente dans le programme de la suite, et il n'y a pas d'explications sur le contenu des contes de fées.

Alexandre Porfirievitch Borodine(1833 - 1887) - Compositeur et chimiste russe.

Le fils illégitime du prince Luka Stepanovich Gedianov, à la naissance, a été enregistré comme le fils du serviteur serf du prince, Porfiry Borodin.

À l'âge de 9 ans, il écrit sa première œuvre - la polka "Helen". Il a étudié la flûte, le piano et le violoncelle. L'art du compositeur compris indépendamment. À l'âge de dix ans, il s'intéresse à la chimie, qui deviendra plus tard l'œuvre de sa vie. Diplômé de l'Académie médico-chirurgicale. Pendant ses études de médecine, Alexander Borodin a commencé à étudier la chimie sous la direction de Nikolai Nikolaevich Zinin.

Pendant tout ce temps, Borodine n'a pas quitté la musique, a écrit des romans, morceaux de piano, ensembles instrumentaux de chambre. Les passe-temps musicaux de Borodine ont déplu à son superviseur, qui pensait que cela interférait avec un travail scientifique sérieux. Pour cette raison, Borodine a été contraint de cacher ses expériences de composition pendant un certain temps.

Tout au long de sa vie, la musique et la chimie l'ont tour à tour ou simultanément revendiqué. C'est pourquoi l'héritage créatif du compositeur Borodine est de petite envergure. Ses compositions les plus célèbres sont l'opéra "Prince Igor" basé sur "Le conte de la campagne d'Igor" et la 2ème symphonie "Bogatyr".

Dans les années 1860, il devient membre de la puissante poignée», qui comprenait Mily Balakirev, Caesar Cui, Nikolai Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky. Alexandre Borodine a travaillé sur "Prince Igor" pendant 18 ans, mais l'opéra n'a jamais été terminé. Après la mort du compositeur, les compositeurs Nikolai Rimsky-Korsakov et Alexander Glazunov ont achevé l'opéra et l'ont orchestré à partir des matériaux de Borodine.

Les traits caractéristiques de l'œuvre de Borodine sont la nationalité, caractère national, monumentalité, puissance épique, sang-froid et optimisme russe émotionnel, couleur du langage harmonique.

Borodine est décédé subitement à l'âge de 53 ans, au cours d'une conversation, dans son appartement.

Il est devenu l'un des compositeurs russes les plus célèbres et les plus populaires d'Europe à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. La symphonie "Prince Igor" et "Bogatyrskaya" sont à ce jour les œuvres du répertoire des principaux théâtres et orchestres du monde.

Parmi les œuvres de Borodine figurent trois symphonies, le tableau musical "En Asie centrale", des ensembles instrumentaux de chambre, des romans.

Symphonie n° 2 en si mineur "Bogatyrskaya"- est à juste titre considérée comme l'une des meilleures œuvres de la musique symphonique russe. DE main légère la critique de la symphonie de Stasov a commencé à s'appeler "Bogatyrskaya". Et, peut-être, c'est le cas rare dans art musical lorsque le titre correspond parfaitement au contenu de l'essai. La symphonie a été écrite par le compositeur dans ces années (1869 - 1876) alors qu'il travaillait sur l'opéra "Prince Igor". Certains matériaux initialement destinés à l'opéra ont été utilisés dans la symphonie. En conséquence, la symphonie s'est avérée très proche de "Prince Igor" tant dans l'esprit que dans la mélodie.

La symphonie bogatyr de Borodine correspond parfaitement à son nom. Cette symphonie est née avec l'œuvre de la vie d'Alexandre Borodine, avec l'opéra "Prince Igor": ces deux œuvres sont consacrées au même thème - la noblesse et la grandeur du héros russe, propriétaire de la terre russe et de ses défenseur. Le premier thème de la symphonie pourrait devenir la devise de l'œuvre de Borodine et de toute la musique russe. C'est extrêmement aphoristique : une brève montée-oscillation et deux "pas" piétinants qui ramènent le thème au ton initial. C'est un thème-énoncé, un thème-commande, archaïquement maladroit et extrêmement monolithique. Une telle introduction peut ouvrir The Tale of Bygone Years ou d'autres "cas il y a longtemps". jours passés, légendes de l'antiquité profonde.

Toute la première partie de Bogatyrskaya est une variation sur le thème principal, à côté de laquelle tous les autres motifs semblent fragmentaires, fragmentaires, comme des intermèdes ombragés. Et la mélodie des "bouffons" qui a clignoté, et la mélodie des "cygnes blancs", l'air des filles - tout s'estompe devant le thème-slogan et ses variantes. Soit une danse masculine dure se fait entendre, puis une attente anxieuse - une «embuscade», puis des coups d'épée tranchants ou un galop de chevaliers sur le terrain. La première partie de la symphonie correspond pleinement au nom "épique", qui est souvent mentionné à propos de toutes les œuvres de Borodine. Ce nom signifie beaucoup : une tendance au pittoresque, et la prédominance de la présentation sur le développement, et la dominance de la variation, et une tendance aux comparaisons. Et, bien sûr, grandeur, portée, ampleur.

Il est difficile de trouver une autre œuvre dans l'histoire de la musique symphonique où le thème principal régnerait aussi inconditionnellement sur tous les autres, comme s'il les supprimait et les « effrayait » ; il est difficile d'imaginer qu'une seule pensée puisse remplir tout l'espace musical. Bien sûr, la voix formidable et la position particulière de ce sujet l'exigent. Cependant, après avoir écouté la symphonie "Bogatyr", les pessimistes l'appelleront peut-être moins héroïque qu'"autocratique", tant la centralisation et la concentration du "pouvoir" du thème principal sont grandes. Dès lors, la symphonie de Borodine est même quelque peu "anti-symphonique", statique : le genre symphonique implique composé organique matériau différent et son développement dynamique. Les optimistes, peut-être, mettront l'accent sur l'image d'Ilya Muromets, clairement lisible en musique, "assis sur le siège" pendant trente ans et montrant enfin toute sa force. Ensuite, "Bogatyrskaya" n'est qu'un grain du futur, symbole d'une puissance épique non révélée, esquisses et touches d'un poème grandiose sur le peuple russe, introduction musicale à son histoire glorieuse, qui n'est pas encore terminée.

La composition de l'orchestre

• 2 flûtes
• 2 flûtes piccolo
• 2 hautbois
• 2 clarinettes
• 2 bassons
• 4 cornes
• 2 tuyaux

• 3 trombones
• timbales
• Triangle
• cordes

Histoire de la création

Deuxième symphonie de Borodine- l'un des sommets de son travail. Il appartient aux chefs-d'œuvre symphoniques mondiaux en raison de sa luminosité, de son originalité, de son style monolithique et de sa réalisation ingénieuse des images de l'épopée folklorique russe. Le compositeur l'a conçu au début de 1869, mais il y a travaillé avec de très longues interruptions, causées à la fois par ses principales fonctions professionnelles et par l'incarnation d'autres idées musicales. La première partie a été écrite en 1870. Puis il l'a montré à ses camarades - Balakirev, Cui, Rimsky-Korsakov et Moussorgski, qui constituaient le soi-disant cercle Balakirev ou le Mighty Handful (la définition de leur mentor principal et leader idéologique, l'historien de l'art V. Stasov). Les amis ont montré un véritable enthousiasme. Chaude et rapide pour les définitions fortes, Stasov l'a immédiatement appelée "Lionne". Moussorgski lui a proposé le nom d'héroïque slave. Cependant, Stasov, qui ne pensait plus à une définition émotionnelle, mais au nom avec lequel la musique vivrait, suggéra : Bogatyrskaïa. L'auteur ne s'est pas opposé à une telle interprétation de son intention, et la symphonie est restée avec lui pour toujours.

C'était encore loin de la fin. Il existe de nombreuses distractions - l'enseignement à l'Académie médico-chirurgicale, où Borodine occupe le poste de professeur, l'enseignement aux cours de médecine pour femmes, de nombreuses fonctions publiques, notamment la rédaction de la revue scientifique populaire Knowledge. Cette dernière n'a duré qu'une saison, puisque le gouvernement, mécontent de l'orientation athée du magazine, a « recommandé » à Borodine de quitter la rédaction. Enfin, le compositeur a été distrait par la création d'autres œuvres. Dans les mêmes années, des fragments de l'opéra "Prince Igor" apparaissent, dans lesquels les notes "héroïques" sont également très fortes. La symphonie n'a été entièrement achevée qu'en 1876. Sa première a eu lieu le 2 février 1877 dans l'un des concerts de la Société musicale russe à Saint-Pétersbourg sous la direction de E. F. Napravnik.

La symphonie, malgré l'absence de programme annoncé, a clairement des caractéristiques programmatiques. Stasov a écrit à ce sujet: «Borodine lui-même m'a dit plus d'une fois que dans l'adagio, il voulait dessiner la figure de Boyan, dans la première partie - une réunion de héros russes, dans la finale - une scène d'une fête héroïque avec le son d'une harpe, avec la jubilation d'une grande foule de gens. En fait, cette interprétation a donné à Stasov une raison de nommer Bogatyrskaya.

Musique

La "Symphonie de Bogatyr" comporte 4 parties :

Première partie basé sur une comparaison de deux images. Le premier est un puissant thème à l'unisson interprété par les cordes, comme piétiné, lourd et trapu. Il est complété, adoucissant quelque peu la sévérité, par un motif plus vif, entonné par les bois. Un thème secondaire - une large mélodie chantée interprétée par des violoncelles - semble dépeindre l'étendue de la steppe russe. Le développement est basé sur l'alternance d'épisodes héroïques et tendus, évoquant des associations de batailles, d'exploits épiques, avec des moments lyriques, plus personnels, où un thème secondaire acquiert un caractère jubilatoire au fur et à mesure du développement. Après une reprise condensée, le premier thème s'affirme avec une force gigantesque dans la coda du mouvement.

La seconde partie- un scherzo au rythme effréné, dont le premier thème jaillit rapidement du fond des basses sur fond d'une octave répétée par les cors, puis se précipite, comme "sans reprendre son souffle". Le deuxième thème sonne un peu plus doux, bien qu'il conserve un caractère masculin. Dans son rythme syncopé particulier, on peut entendre les sons d'un galop frénétique des chevaux des steppes à travers les étendues sans fin. Le trio captive par son charme mélodique, et comme souvent chez Borodine, la mélodie est couverte d'une béatitude orientale. Mais l'épisode moyen est petit - et la course rapide reprend, s'estompant progressivement, comme emportée dans l'inconnu.

La troisième partie, conçu selon Borodine lui-même pour véhiculer l'image de Boyan - le légendaire ancien chanteur russe - est de nature narrative et se déroule dans un mouvement fluide et calme. Les accords de harpe imitent le pincement des cordes d'oie. Après quelques mesures de l'introduction entonnées par la clarinette, le cor entonne une mélodie poétique qui appartient aux meilleures pages de la musique du compositeur. Cependant, le récit calme ne dure pas longtemps : de nouveaux motifs introduisent un vague sentiment de menace, épaississent, assombrissent les couleurs. La clarté initiale est progressivement restaurée. La partie se termine par un magnifique épisode lyrique dans lequel la mélodie principale résonne dans toute sa plénitude de charme.

La répétition des mesures d'introduction mène directement au finale, qui commence sans pause. Sa musique captive par sa portée, son éclat, sa gaieté et en même temps sa grandeur. L'image musicale principale - le thème principal de la forme sonate - est un thème ample et violemment joyeux dans un rythme syncopé aigu, qui a un prototype dans la chanson chorale folklorique "J'irai à la ville du tsar". Il est complété par un bref motif « tumultueux » du hautbois. Le thème secondaire est plus lyrique et calme. Il a le caractère de louange et sonne d'abord au solo de clarinette, puis à la flûte et au hautbois sur fond, pour ainsi dire, de «jeu de la harpe sonore». Ces trois thèmes subissent un développement varié et magistral, dont le début est marqué par une séquence sonore âpre et puissante au ralenti. Puis le mouvement devient de plus en plus vif, la symphonie s'achève sur une musique pleine de vaillantes prouesses et d'un plaisir irrépressible.

Vidéo

Alexandre Borodine. Héros de la musique russe

Borodine était unique compositeur de talent et des scientifiques exceptionnels. Son héritage musical peu étendu le place cependant au même niveau que les plus grands compositeurs russes.

Biographie

Alexandre Borodine est né à Saint-Pétersbourg en 1833 d'une liaison extraconjugale entre le prince géorgien Luka Stepanovitch et Evdokia Antonova. Pour cacher l'origine du garçon, il a été enregistré comme le fils d'un serviteur serf du prince - Porfiry Borodin. Alexander a été élevé par sa mère, mais dans la société, il a été présenté comme son neveu.

Enfant, le garçon a appris trois langues étrangères- Français, allemand et anglais.

En 1850, Borodine entre à l'Académie médico-chirurgicale, mais tout en étudiant la médecine, il continue à étudier la chimie, qui devient l'œuvre de sa vie.

En 1858, Borodine reçoit le titre de docteur en sciences et part trois ans à l'étranger - en Allemagne à Heidelberg, puis en Italie et en France. À Heidelberg, Borodine a rencontré la talentueuse pianiste russe Ekaterina Protopopova, qu'il a ensuite épousée. En 1869, ils adoptèrent une fillette de 7 ans.

Au cours des deux décennies suivantes, la carrière de Borodine à l'Académie se développe brillamment: en 1864, il devient professeur et, en 1872, il joue un rôle important dans la création de cours de médecine pour femmes.

Diligente engagé dans la science, Borodine en même temps n'a pas quitté la musique, même s'il ne la considérait que comme son passe-temps. Et, malgré le fait que Borodine était en effet un scientifique à succès, c'est la musique qui a immortalisé son nom.

À son retour en Russie dans la vie de Borodine, il y avait grands changements, grâce à sa connaissance de Mily Balakirev et de son entourage, qui comprenait également les compositeurs Modest Mussorgsky, Caesar Cui et Nikolai Rimsky-Korsakov. Borodine est également devenu membre de ce cercle, connu sous le nom de Mighty Handful. Les compositeurs de The Mighty Handful ont vu le développement de la musique nationale russe comme leur objectif.

Les œuvres principales de Borodine sont trois symphonies, deux quatuors à cordes, un tableau symphonique, 16 romances et chansons et plusieurs œuvres pour piano - un héritage pas si maigre pour un compositeur qui écrivait de temps en temps. Et d'ailleurs, toutes ces oeuvres sont d'excellents exemples de musique classique.

Cependant, pendant environ 18 ans, toutes les pensées de Borodine en tant que compositeur étaient liées à l'œuvre principale de sa vie - le brillant opéra Prince Igor, qui n'a jamais été achevé.

Ils disent ça...
La sœur de M. I. Glinka, L. I. Shestakova, a rappelé: «Il aimait sa chimie plus que tout, et quand j'ai voulu accélérer la fin de son travail musical, je lui ai demandé de le prendre au sérieux; au lieu de répondre, il demanda : « Avez-vous vu sur Liteiny, près de Nevsky, un magasin de jouets, sur l'enseigne duquel est écrit : « Amusement et affaires ? A ma remarque : « A quoi ça sert ? - il a répondu: "Mais, voyez-vous, pour moi, la musique est un plaisir et la chimie est un business."
Les amis de Borodine étaient très inquiets qu'il y ait une autre pause dans le travail sur l'opéra Prince Igor. Rimsky-Korsakov est venu et a dit au compositeur qu'Igor devait être fini à tout prix.
- Vous, Alexander Porfiryevich, êtes engagé dans des bagatelles que toute personne peut faire dans diverses sociétés caritatives, et vous seul pouvez obtenir un diplôme d'Igor.

Le grand compositeur et scientifique est décédé le soir du carnaval le 15 février (27 février) 1887. Il n'avait que 53 ans. Il a été enterré au cimetière de la Laure Alexandre Nevski à côté de ses amis : Moussorgski, Dargomyjski, Serov.

Prince Igor a été complété par Rimsky-Korsakov et Glazunov, et créé au Théâtre Mariinsky en 1890.

La musique enivrante de cet opéra a gagné en popularité à l'étranger lorsque la comédie musicale "Kismet" a été mise en scène à Broadway, dans laquelle des fragments de l'œuvre du grand compositeur russe ont été utilisés.

Sons de musique

"Prince Igor"

L'intrigue de l'opéra a été suggérée au compositeur par V. Stasov, il a également esquissé la première version du livret, basée sur l'œuvre de la littérature russe ancienne The Tale of Igor's Campaign. Le "Parole" a raconté la campagne infructueuse du brave prince Igor contre les Polovtsians - les tribus orientales nomades. Le compositeur a aimé l'intrigue. Cependant, il a été contraint de rompre constamment avec la création d'un opéra au profit d'une activité scientifique, de sorte que le travail sur l'œuvre a duré des années. Le compositeur écrivit lui-même le livret et, voulant recréer au mieux l'époque, il étudia d'abord les monuments de la littérature russe ancienne, ainsi que les travaux de scientifiques qui avaient quelque chose à voir avec l'intrigue qu'il avait choisie.

Malgré le fait que les compositeurs de The Mighty Handful étaient pleins d'enthousiasme pour le prince Igor, Borodine a soudainement perdu tout intérêt pour l'opéra et n'y a pas touché pendant longtemps, ignorant la persuasion de ses amis. Au lieu de cela, il se mit au travail sur la Deuxième Symphonie, qu'il composa également par à-coups, entre ses activité scientifique. Ironiquement, la personne qui a convaincu le compositeur de reprendre l'opéra oublié était l'ami de Borodine, le jeune docteur Shonorov, et pas du tout les compositeurs de The Mighty Handful. Par exemple, N. Rimsky-Korsakov a tenté à plusieurs reprises de pousser Borodine jusqu'au bout. Mais en vain. Il a exhorté le compositeur à revenir à l'orchestration des danses polovtsiennes, s'est littéralement tenu au-dessus de lui pendant qu'il travaillait avec la partition au crayon (pour accélérer le processus) et l'a recouverte d'une fine couche de gélatine afin que les lignes musicales ne soient pas être effacé.

Comme Borodine n'a pas eu le temps de terminer l'opéra, les compositeurs Glazunov et Rimsky-Korsakov l'ont terminé. La première a eu lieu en 1890. Glazounov restitua de mémoire l'ouverture qu'il avait entendue plus d'une fois exécutée par l'auteur. Cet opéra, bien qu'inachevé, est devenu une oeuvre exceptionnelle morceau de musique, basé sur une intrigue à grande échelle qui raconte une lutte acharnée et un amour sincère.

L'action commence dans l'ancienne ville russe de Putivl, où le prince Igor, quittant sa femme, mène une campagne contre les Polovtsy sous la direction de Khan Konchak, avec son fils et sa suite. Sur fond d'événements militaires, l'intrigue se complique relation amoureuse entre le fils d'Igor, le prince Vladimir, et la fille du Khan, Konchakovna.

L'ouverture commence dans une ambiance réfléchie qui s'épanouit dans des couleurs tumultueuses et rebelles, anticipant les scènes et les événements contrastés qui se déroulent dans l'opéra. Avec les sons des appels militaires, il y a des thèmes orientaux ornés et épicés associés à l'image de Khan Konchak, et la mélodie lyrique expressive des cordes reflète les expériences émotionnelles d'un cœur aimant, tissées dans la toile musicale.

Les danses polovtsiennes sonnent au moment où l'action de l'opéra est transférée au camp polovtsien. Où le prince Igor et son fils languissent en captivité de Khan Konchak.

Étonnamment, le khan traite les captifs avec hospitalité. Il est même prêt à laisser partir Igor s'il donne sa parole de ne pas lever son épée contre les Polovtsiens. Cependant, Igor déclare hardiment que, ayant gagné la liberté, il rassemblera à nouveau ses régiments contre le khan. Pour dissiper les sombres pensées du prince, Konchak ordonne aux esclaves de chanter et de danser. Au début, leur chant se fait entendre, plein de tristesse et de charme doux, mais soudain, il est remplacé par une danse sauvage et guerrière des hommes. Les sons puissants du tambour explosent comme une tempête, déclenchant une danse effrénée : chacun glorifie la vaillance et la force du khan. Par la suite, on a l'impression d'entendre le claquement des sabots - des cavaliers fringants galopant sur des chevaux - ce rythme effréné cède à nouveau la place à la douce mélodie des filles esclaves, jusqu'à ce qu'enfin une danse débridée s'installe avec une vigueur renouvelée. Les thèmes précédents se succèdent, accélérant le rythme, anticipant un final grandiose, violent, débridé et guerrier.

Quatuor à cordes n° 2

Étant engagé dans la science, Borodine a écrit de la musique principalement pour les modestes ensembles de chambre. Au milieu manière créative Borodine retrouvera sa forme de prédilection - le Quatuor à cordes n°2 sera créé en 1881.

Malgré l'ambiance de légère tristesse qui imprègne l'ensemble de l'œuvre (le quatuor a été écrit immédiatement après la mort de son ami le député Moussorgski), il est dédié à sa femme bien-aimée. 3ème partie (sons arrangés pour orchestre à cordes) s'ouvre sur une douce mélodie de violoncelle expressive, soutenue par un accompagnement délicat. Puis la mélodie est reprise par d'autres instruments et, se développant, nous amène à la 3ème partie, plus enthousiasmante. Bientôt, la mélodie lyrique retentit à nouveau, rendant l'ambiance pensive, dans laquelle les derniers souffles des cordes s'apaisent.

Symphonie n° 2 "Bogatyrskaya"

L'aube des forces créatrices de Borodine est associée à la composition de la deuxième symphonie "Bogatyr" et de l'opéra "Prince Igor". Les deux œuvres ont été créées dans les mêmes années, elles sont donc fortement liées l'une à l'autre dans le contenu et la structure musicale.

Deuxième symphonie - propre plus grand travail Borodine a créé pendant 7 ans.

Selon Stasov, qui surnommait la symphonie "Bogatyrskaya", Borodine représentait l'image de Bayan dans le troisième mouvement lent, l'image de héros russes dans le premier et la scène d'un festin russe audacieux dans le finale.

Le premier motif musical de la symphonie, résolu et persistant, à partir duquel la musique de tout le 1er mouvement se développe, crée image puissante Héros russes.

Le caractère lyrique-épique est incarné de la manière la plus vivante dans le troisième mouvement, l'Andante sans hâte. Il est perçu comme l'histoire du conteur folklorique Bayan sur les glorieux faits d'armes des héros russes et des anciens princes. Le chant solo de la clarinette sur fond de douces modulations d'accords de la harpe ressemble au son de la harpe. Accompagnant le discours calme du chanteur.

Véliko signification historique Deuxième Symphonie. Il est devenu le premier exemple de symphonisme épique qui, avec la peinture de genre et le drame lyrique, est devenu l'un des types de la musique symphonique russe.

En savoir plus sur Borodino

Borodine aimait la musique de chambre, contrairement à certains membres du Mighty Handful, qui la considéraient comme un genre académique occidental. Cependant, même dans sa jeunesse, Borodine a écrit le Quatuor avec piano en la mineur, dont la création lui a été inspirée par Mendelssohn et Schumann. Plus tard, dans ce genre, il écrira deux autres beaux quatuors à cordes.

Les romances et les chansons de Borodine sont très expressives. La Princesse endormie nous plonge dans l'ambiance de paix et de pensée chère à Ravel, Debussy et Stravinsky. Dans The Sea Princess, l'appel de la légendaire Lorelei retentit, attirant doucement le voyageur dans l'abîme de l'eau. "Song of the Dark Forest" est une véritable image épique.

En plus des symphonies, Borodine a une autre œuvre orchestrale d'une compétence exceptionnelle - le tableau symphonique "En Asie centrale". Il a été écrit par Borodine à l'occasion du 25e anniversaire du règne de l'empereur Alexandre II. Ce travail a apporté une renommée européenne à Borodine. Il n'a jamais utilisé directement des chansons folkloriques russes dans ses œuvres, mais leur mélodie a façonné les caractéristiques de son propre style.

Testez vos connaissances

De quel instrument Borodine a-t-il appris à jouer dans son enfance ?

1. piano
2. Violon
3. Flûte

Quelle profession Borodine a-t-il commencé à étudier en 1850 à Saint-Pétersbourg?

1. Compositeur
2. Violoniste

Quelle était la profession de Borodine ?

1. Docteur
2. Chirurgien
3. Scientifique

Quelle était la femme de Borodine de profession ?

1. Pianiste
2. Prof
3. Chimiste

Qui a proposé à Borodine l'intrigue de l'opéra "Prince Igor"?

1. Stasov
2. Gogol
3. Pouchkine

Sur quelles œuvres Borodine a-t-il travaillé simultanément avec l'opéra Prince Igor ?

1. Quatuor à cordes n° 2
2. Symphonie n° 2
3. Symphonie n° 3

À qui Borodine dédie-t-il son Quatuor à cordes n° 2

1. à sa femme
2. M. P. Moussorgski
3. César Cui

À qui Borodine a-t-il dédié le tableau symphonique « En Asie centrale ?

1. Nicolas Ier
2. Alexandre II
3. Alexandre Ier

Lequel des compositeurs contemporains de Borodine a contribué au développement de la musique russe ?

1. M. P. Moussorgski
2. MA Balakirev
3. A. K. Glazounov

À quelle communauté appartenait Borodine ?

1. "Six Français"
2. « Puissant groupe »
3. "Artistes libres"

Quel est le nom du plus célèbre opéra Borodine ?

1. "Prince Igor"
2. "Prince Oleg"
3. "Princesse Iaroslavna"

Quel est le caractère de la Deuxième Symphonie ?

1. lyrique
2. spectaculaire
3. épique

Présentation

Inclus:
1. Présentation, ppsx ;
2. Sons de musique :
Borodine. "Danses polovtsiennes" de l'opéra "Prince Igor" (fragment), mp3;
Borodine. Ouverture de l'opéra "Prince Igor", mp3;
Borodine. Symphonie n° 2 :
Partie I. Allegro (fragment), mp3;
Partie III Andante (fragment), mp3;
Borodine. Quatuor n° 2. IIIe partie Andante, mp3 ;
3. Article d'accompagnement, docx.

Deuxième symphonie ("Bogatyrskaya") de Borodine

Deuxième Symphonie ("Bogatyr") de Borodine

Alexander Porfiryevich Borodin (1833-1887) était l'une des figures les plus remarquables et les plus polyvalentes de la culture russe du XIXe siècle. Brillant compositeur, infatigable personnage public et enseignant, Borodine est également connu comme un éminent scientifique qui a enrichi la science domestique avec des recherches précieuses dans le domaine de la chimie.

Au début des années soixante de l'avant-dernier siècle, Borodine se lie d'amitié avec le remarquable compositeur russe Mily Alekseevich Balakirev, autour duquel de nombreux musiciens progressistes se sont ralliés au cours de ces années. Maintenant, quand nous parlons du "Mighty Handful", comme V.V. Stasov, nous entendons tout d'abord la communauté de cinq compositeurs russes - Balakirev, Borodine, Cui, Moussorgski et Rimski-Korsakov. L'activité créatrice des autres membres du cercle Balakirev a laissé une marque moins significative dans l'histoire de la culture musicale russe.

Dans l'article "25 ans d'art russe", publié en 1883, V.V. Stasov a écrit: «En termes quantitatifs, Borodine a composé un peu, beaucoup moins que ses autres camarades, mais ses œuvres, toutes sans exception, portent la marque d'un développement complet et d'une perfection profonde ... Le talent de Borodine est tout aussi puissant et étonnant tant dans le symphonie et dans l'opéra, et dans la romance. Ses principales qualités sont une force et une ampleur gigantesques, une portée colossale, une rapidité et une impétuosité, combinées à une passion, une tendresse et une beauté étonnantes.

Cette caractérisation, qui a été donnée à Borodine par l'une des sommités de la pensée musicale russe, contient une évaluation laconique, mais profonde et précise de l'héritage créatif du grand compositeur. En effet, ce n'est pas vaste. L'opéra "Prince Igor", trois symphonies (la troisième est restée inachevée) et le tableau symphonique "En Asie centrale", deux quatuors à cordes, un quintette avec piano et quelques autres ensembles instrumentaux de chambre, une douzaine de petites pièces pour piano et deux douzaines de chansons et romances - ceci est une liste des principales œuvres de Borodine.

Cette liste contient "un peu, mais beaucoup", comme on dit dans vieux dicton. Pour le "Prince Igor", les symphonies et les quatuors, et les romans de Borodine appartiennent aux plus hautes réalisations de la Russie classiques musicaux. Borodine a profondément compris et révélé avec une force brillante dans son œuvre la puissance nationale du peuple russe, sa grandeur, la structure de ses pensées, la beauté et la noblesse des sentiments. Poursuivant les traditions Glinka de la musique russe, Borodine s'est tourné vers les richesses inépuisables de l'écriture russe, vers les images de la musique russe. épopée héroïque et des paroles folk pénétrantes.

En 1869, le compositeur a commencé à travailler sur l'opéra "Prince Igor", dans lequel les images du plus grand monument étaient incarnées littérature russe ancienne- "Des mots sur le régiment d'Igor." En 1869, l'idée de la Deuxième Symphonie de Borodine, qui fut plus tard appelée Bogatyrskaya par les amis du compositeur, remonte également.

L'idée de la symphonie était en lien direct avec l'intérêt du public russe avancé pour l'épopée épique nationale qui s'est clairement manifestée dans les années soixante et ne cessait de croître. Au tout début des années soixante, les scientifiques russes P.V. ont commencé à publier, par exemple, de vastes recueils d'épopées. Kireevsky et P.N. Rybnikov. Les maîtres de la "Mighty Handful" ont montré un grand intérêt pour les épopées russes, qui ont été attirés dans ces monuments étonnants de la créativité de notre peuple non seulement par des échos du passé héroïque de notre patrie, mais aussi par des images artistiques créées par la fantaisie folklorique et reflétant la puissance titanesque, l'intrépidité et l'acuité du peuple russe.

L'ami le plus proche de Borodine, le grand compositeur russe N.A. Rimsky-Korsakov a créé la peinture symphonique Sadko en 1867, qui dans la première édition s'appelait Episode from the Epic. Dans les années 90, Rimsky-Korsakov, déjà un maître mature, a révisé cette œuvre, puis a écrit l'un de ses meilleurs opéras, Sadko, basé sur l'intrigue de la même épopée de Novgorod, révélant profondément son contenu et introduisant avec audace les techniques du chant folklorique. narration dans la partition d'opéra. Le compositeur lui-même l'a noté dans la Chronique de ma vie musicale : c'est le récitatif épique qui « distingue mon Sadko » d'un certain nombre de tous mes opéras, et peut-être pas seulement des miens, mais des opéras en général. Et il a immédiatement expliqué: «Ce récitatif n'est pas une langue parlée, mais, pour ainsi dire, un conte ou un chant épique conditionnellement statutaire ... Passant comme un fil rouge à travers tout l'opéra, ce récitatif informe toute l'œuvre de ce national, caractère passé, qui ne peut être pleinement apprécié que par une personne russe " .

On sait également que d'autres membres du "Mighty Handful" étaient vivement intéressés par l'épopée russe, en particulier les airs épiques. Ces airs ont été enregistrés par M.A. Balakirev (au début des années soixante) et M.P. Moussorgski, qui a partiellement utilisé ses notes dans le processus de travail sur l'opéra Boris Godunov, les a partiellement communiquées à Rimsky-Korsakov, qui en a traité certaines et les a ensuite incluses dans son recueil Cent chansons folkloriques russes. Ainsi, par exemple, l'air épique «About Volga and Mikul» («Svyatoslav a vécu quatre-vingt-dix ans»), qui figurait dans cette collection, a été enregistré par Moussorgski et transféré à Rimsky-Korsakov, qui a créé sa propre adaptation de ce nord de la Russie épique sur cette base. Nous nous rencontrons dans la collection de Rimsky-Korsakov et d'autres épopées, par exemple, "A propos de Dobrynya". Le compositeur a pris la mélodie et le texte de l'épopée de la "Collection de chansons folkloriques russes", publiée par M. Stakhovich en 1952-1856.

Ainsi, les grands maîtres de la "Mighty Handful" ont à cet égard poursuivi l'œuvre de Glinka, qui dans son "Ruslan" a jeté les bases solides de la Russie musique épique. Il est impossible de ne pas rappeler ici le nom immortel de Pouchkine, qui dans le poème "Ruslan et Lyudmila" et dans d'autres œuvres a créé des exemples classiques de la transformation artistique des images épique épique. Pouchkine ne disposait pas encore d'enregistrements scientifiquement fiables d'épopées. Mais dans les "mots", les "contes", les "contes" et les "histoires", comme on appelait autrefois les épopées, il a vu des trésors artistiques inépuisables avec une brillante perspicacité. Le grand poète russe a compris leur valeur principalement parce que dès son plus jeune âge, il a compris le charme et la beauté de l'art populaire russe. Enfant, il écoutait les contes de sa nounou Arina Rodionovna, puis il cherchait et enregistrait lui-même des chansons folkloriques, des contes épiques et des airs.

Rappelons également qu'un an avant sa mort, Pouchkine a commencé à commenter "Le Récit de la campagne d'Igor" et, comparant ce gigantesque monument de l'épopée russe à l'œuvre des poètes du XVIIIe siècle, a noté qu'ils "n'avaient pas autant de poésie ensemble que dans la lamentation." Yaroslavna, dans la description de la bataille et de la fuite. Il ne serait pas exagéré de dire que de certaines pages de Pouchkine, marquées par une solennité particulière, incomparable de la parole russe qui lui est propre, des fils se tendent jusqu'aux images majestueuses du Laïc.

Ainsi, commençant à travailler sur le prince Igor et sur la Deuxième Symphonie, Borodine s'est appuyé non seulement sur les traditions Glinka, dont les adeptes étaient les membres du cercle Balakirev, mais aussi sur l'expérience créative de Pouchkine, qui a d'abord élevé la poésie épique russe aux sommets des classiques artistiques.

Commencée en 1869, la Deuxième Symphonie de Borodine ne fut achevée qu'en 1876, puisqu'une partie de ce temps fut consacrée à travailler sur l'opéra et le premier quatuor à cordes, et le compositeur ne composa de la musique que par à-coups, menant d'intenses activités de recherche au cours de ces années. La première partie de la symphonie, achevée en 1871, fit une impression exceptionnellement forte sur les amis du compositeur, à qui il montra cette partie. La symphonie a été créée le 2 février 1877 sous la direction d'E.F. Napravnik (1836-1916) - un chef d'orchestre et compositeur exceptionnel, d'origine tchèque, qui, comme beaucoup de ses compatriotes, a trouvé une résidence secondaire en Russie.

Dans l'article déjà mentionné de V.V. Stasov écrit que la Deuxième Symphonie de Borodine a un caractère programmatique: "... Borodine lui-même m'a dit plus d'une fois qu'à Adagio, il voulait dessiner la figure d'un accordéon à boutons, dans la 1ère partie - une collection de héros russes, dans la finale - une scène de fête héroïque, avec le gusel sonore, avec l'allégresse de la grande foule. Ces paroles de Stasov sont pour nous la clé pour comprendre le programme de la symphonie Bogatyrskaya de Borodine. La symphonie commence par un premier thème énergique, qui est dirigé par toute la section des cordes de l'orchestre, tandis que les cors et les bassons soulignent les jeux sur des notes soutenues :

Dès les premières mesures, l'auditeur a l'impression de cette «force géante» sur laquelle Stasov a écrit. De brèves phrases mélodiques expressives alternent avec de lourds rythmes "piétinants", renforçant le sentiment de puissance héroïque qui surgit au tout début de la symphonie.

Il faut prêter attention à la construction des premières mesures, qui est particulière non seulement en termes rythmiques, mais aussi en termes modaux. Malgré le fait que la symphonie soit écrite dans la tonalité de si mineur, dans l'exemple que nous avons donné, les sons de ré et de ré dièse alternent, bien que ce dernier semble appartenir non pas au si mineur, mais au si majeur. Une telle variabilité est l'un des traits caractéristiques de la créativité de la chanson folklorique russe. Il faut aussi souligner que les richesses mélodiques des chansons folkloriques russes ne rentrent pas dans le cadre habituel du majeur et du mineur "européens", et que les compositeurs russes ont largement développé et développent ces richesses dans leur travail. C'est dans les origines nationales de la culture musicale russe que s'enracine la variété des moyens utilisés par Borodine dans la Deuxième Symphonie pour révéler les images de l'épopée héroïque du peuple russe.

Le développement du premier thème l'amène au-delà des registres grave et moyen. Après le premier segment de ce thème, qui donne une idée du pas héroïque des chevaliers et des puissants coups d'armure sur le sol, une réponse joyeuse et vive des instruments à vent se fait entendre dans le registre supérieur, comme si le soleil jouait sur des casques et des boucliers dorés :

En comparant magistralement les deux segments du premier thème, le compositeur atteint un pittoresque étonnant, une tangibilité presque physique des images de la «collection de héros russes» représentées dans la première partie de la symphonie. Ces images sont expressivement mises en valeur par le deuxième thème, qui dans sa structure mélodique est également extrêmement proche de l'écriture folklorique russe :

Ce thème est d'abord chanté par les violoncelles, puis il passe aux flûtes et aux clarinettes, acquérant le caractère d'un air de flûte, et, enfin, il est exposé en son plein par le groupe de cordes. Réaliser les deux sujets (en d'autres termes, " partie principale» et « side party ») forme la première section de la forme sonate-symphonie dans laquelle ce mouvement est écrit, c'est-à-dire son exposition. Il se termine par la partie finale, construite principalement sur le matériau du premier thème et se terminant par des accords solennels.

La section centrale (développement) de cette partie contient le développement images musicales la première section (exposition), conduisant à une grande augmentation, qui prépare une exposition encore plus puissante, encore plus solennelle du premier thème. Ici, dans la troisième section (c'est-à-dire dans la reprise), les deux segments du thème « héroïque » sont présentés dans une présentation brillante et pleine de consonance. La présentation du deuxième thème, qui est assigné au hautbois dans la reprise, est quelque peu différente de l'exposition, puis passe à instruments à cordes. Le premier mouvement se termine par l'unisson majestueux de l'orchestre proclamant avec force le premier thème.

Le deuxième mouvement de la symphonie s'appelle le Scherzo. Stasov ne nous dit rien du programme de cette partie, mais on peut facilement deviner d'après la nature de la musique qu'ici le compositeur a brossé un tableau de jeux et d'amusements héroïques, que l'on retrouve souvent dans les épopées russes. Le Scherzo est écrit en trois parties, avec sa première section, répétée après la deuxième section, construite sur deux thèmes.

Le Scherzo commence par une brève introduction. Dans le contexte des battements retentissants des timbales, un accord brillant et invitant du groupe de cuivre résonne. Et en réponse à cet appel, un flux sonore rapide surgit, évoquant l'idée d'un saut ou d'une course, qui est remplacé, pour ainsi dire, par le balancement d'une arme, vu dans des phrases courtes et accentuées du deuxième sujet de cette section:

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La tenue de ce « thème des amusements héroïques », alternant avec le premier thème, plus léger et plus rapide, atteint une grande tension. Et la section médiane du Scherzo est construite sur une merveilleuse mélodie mélodieuse qui contraste avec les deux thèmes de la première section, et est largement développée :

Passant d'abord dans les airs des instruments à vent, ce sujet sonne alors dans le groupe de cordes. Au moment de l'apogée, des accords retentissants de la harpe font irruption dans l'accompagnement de la mélodie, rappelant déjà ici les «cordes des accordéons à boutons bruyants», qui sonneront encore plus expressifs dans la troisième partie de la symphonie. La section finale du Scherzo est construite sur les deux premiers thèmes, étant une répétition et en partie un développement de la première section de cette partie de la symphonie.

La troisième partie de la symphonie puise, selon le compositeur lui-même, à Stasov, l'image de l'ancien chanteur-conteur russe Bayan. Ce nom vient du nom commun le légendaire Bayan, mentionné dans le conte de la campagne d'Igor, qui "n'a pas laissé dix faucons dans un troupeau de cygnes, mais a posé ses doigts prophétiques sur des cordes vivantes". Pendant la période de la création du prince Igor, Borodine a étudié le laïc avec une attention particulière. L'image de Bayan, poétisée par Pouchkine et Glinka dans Ruslan et Lyudmila. Il a également attiré l'auteur de la symphonie "Bogatyr".

Au début de la troisième partie de la symphonie, les accords de harpe accompagnant la brève mélodie de clarinette sonnent comme l'introduction de la harpe, précédant la narration épique. Et le premier thème de ce mouvement, confié au cor d'harmonie, jouant en solo sur fond d'accords de groupe de harpe et de cordes, a le caractère d'une narration, mélodieuse et sans hâte :

Les thèmes suivants introduisent déjà des éléments dramatiques associés à la nature épique de cette partie, avec son contenu, que nous percevons comme une histoire d'actes héroïques. L'appel des instruments à vent sur un thème court et expressif semble alarmant :

L'augmentation progressive du trémolo des cordes entraîne une augmentation de la tension, accentuée par des coups menaçants vers le bas. Dans leur contexte, un autre bref thème dramatique surgit dans un registre grave, s'entrelace avec eux et se développe rapidement :

Après une courte montée, un point culminant puissant de tout l'orchestre et un appel de quatre mesures aux bois construit sur le deuxième thème, le premier thème épique sonne puissamment, annonçant l'issue victorieuse de la bataille, qui était sans aucun doute l'histoire du précédent. épisodes de ce mouvement. Leurs échos traversent à nouveau l'orchestre, avant que les accords d'introduction familiers de la harpe, le chœur initial de la clarinette et la courte phrase du cor français ne nous ramènent à l'image du prophétique Bayan, chantant les faits d'armes des héros russes. aux sons du gusel.

Les troisième et quatrième parties de la symphonie "Bogatyr", sous la direction du compositeur, sont exécutées sans interruption. Le bourdonnement des timbales s'estompe, mais les notes soutenues des seconds violons relient ces parties de la symphonie. Son finale, comme déjà mentionné, dépeint, selon l'intention de l'auteur, "la scène d'une fête héroïque, au son d'une harpe, avec la jubilation d'une grande foule de gens". Il est donc clair que le compositeur a décidé de relier directement les images de l'histoire des actes héroïques, sonnées dans la troisième partie de la symphonie, aux images de la fête folklorique contenues dans son finale.

Dans de nombreuses épopées, une «fête honorable» est mentionnée, qui achevait les travaux militaires des héros, que le peuple honorait. Au début du final, on a l'impression d'entendre le pas des gens qui se rassemblent pour un tel festin. Vif surgir phrases courtes violons, airs de flûte et de psaltérion imités par un son de harpe, et, enfin, le thème de l'amusement folklorique gronde dans l'orchestre :

Il est changé par un autre sujet, également animé, mais un peu plus lyrique :

Il apparaît d'abord avec la clarinette, dont le timbre est le plus proche de celui de la flûte, et joue donc généralement un rôle très important dans la musique symphonique russe. Mais bientôt ce thème est inclus dans l'image de l'amusement folklorique. Le compositeur s'attache ici à préserver saveur nationale Folklorique russe musique instrumentale: la mélodie "flûte" résonne dans le registre supérieur des bois, et est accompagnée d'accords de harpe "d'oie", soutenus par un groupe de cordes, dont les sons sont extraits ici non pas avec des archets, mais avec une pincée - également pour créer un timbre proche de la harpe.

La présentation de ces deux thèmes constitue l'exposition, c'est-à-dire la première section du finale de la symphonie, construite sous forme sonate-symphonique. En développement, c'est-à-dire dans la deuxième section de cette partie, le compositeur développe magistralement les deux thèmes : dans les fortes exclamations des trombones, on reconnaît aisément, par exemple, les contours mélodiques du premier thème, et dans une forte augmentation ( peu avant la reprise) - le deuxième thème. Mais, quels que soient les contrastes internes que le compositeur utilise pour dépeindre les épisodes individuels du festival folklorique, l'ambiance générale du finale est remarquable par son étonnante intégrité, depuis ses premières mesures jusqu'à la section finale contenant les deux thèmes principaux.

Le compositeur a brillamment incarné dans des images musicales son idée, qui nous a été communiquée par Stasov : dans le finale de la symphonie, en effet, se déroule l'image d'une fête folklorique, couronnant actes glorieux, pétillant de plaisir orageux et de prouesses héroïques.

Ainsi, dans la symphonie "Bogatyr" de Borodine, "les actes d'autrefois, les légendes de l'antiquité profonde" sont chantés. Et pourtant l'œuvre est profondément moderne. L'œuvre des grands maîtres russes se distingue par la puissance des généralisations artistiques, l'orientation idéologique, qui est à bien des égards en phase avec les aspirations progressistes de notre société.

Poursuivant les traditions patriotiques de la musique russe, remontant à "Ivan Susanin" de Glinka, Borodine, à la fois dans "Prince Igor" et dans la symphonie "Bogatyr", incarnait l'idée du pouvoir national du peuple russe, une idée développée par les démocrates révolutionnaires du siècle dernier, qui voyaient dans ce pouvoir la garantie de la victoire du mouvement de libération en Russie et de l'émancipation des forces créatrices de notre grand peuple. Par conséquent, la Deuxième Symphonie de Borodine a joué un rôle particulier dans l'histoire du développement de la musique instrumentale russe, jetant les bases de la ligne épique et « héroïque » de la symphonie russe.

Cette ligne a été poursuivie et développée dans le travail de compositeurs russes aussi remarquables que Taneyev, Glazunov, Lyadov et Rachmaninov, qui ont créé le poème symphonique "Prince Rostislav" à un jeune âge basé sur l'histoire de "The Tale of Igor's Campaign". L'expérience créative de Borodine a eu un effet bénéfique sur la culture musicale des peuples slaves occidentaux. Par exemple, dernière symphonie("Du Nouveau Monde") d'Antonin Dvořák, qui incarnait de manière éclatante les idées de libération nationale du public tchèque avancé, grâce à sa coloration épique et, en particulier, l'héroïsme courageux du finale, permet de parler de proximité avec les images héroïques de la symphonie de Borodino.

La symphonie "Bogatyr" de Borodine, qui se distingue par la profondeur et la noblesse du concept patriotique et le concret brillant des images musicales, est l'une des plus hautes réalisations des classiques musicaux russes, marquant une nouvelle étape dans le développement de la musique symphonique russe.

La fécondité de l'assimilation des traditions épiques de Borodine est mise en évidence par les meilleures œuvres de ces compositeurs dans l'œuvre desquels le lien successif avec la musique de Borodine, avec sa masculinité héroïque et sa force héroïque, se fait particulièrement sentir.

A titre d'exemples, on peut citer au moins les symphonies de R.M. Gliera (le plus monumental d'entre eux est le troisième - "Ilya Muromets"), N.Ya. Myaskovsky, B.N. Lyatoshinsky, V.Ya. Shebaline, cantate de S.S. Prokofiev "Alexander Nevsky", une symphonie-cantate de Yu.A. Shaporin "Sur le champ de Kulikovo" et son propre oratorio "La légende de la bataille pour la terre russe".

Et, bien que "Alexander Nevsky" et "Sur le champ de Koulikovo" nous emmènent, semble-t-il, dans un passé lointain, ces œuvres, comme la "Légende de la bataille pour la terre russe", qui raconte les années de la Grande Guerre patriotique, sont de conception profondément moderne. , selon le contenu des images musicales nées de l'héroïsme des jours de la période socialiste. Dans les œuvres de poètes et compositeurs talentueux de cette époque, il y a aussi une tendance aux images héroïques et épiques.

Littérature utilisée: Igor Belza, Deuxième symphonie "Bogatyr" de Borodine (éd. 2) Moscou, Muzgiz 1960.