Théâtre d'ombres DIY à la maternelle

Théâtre d'ombres DIY. Master class avec photos étape par étape

Cours de maître. Faire un manuel de vos propres mains

Sujet de la leçon: Cours de maître. Théâtre d'ombres
Auteur: Sukhovetskaya Oksana Alexandrovna, enseignante groupe d'orthophonie Centre de développement de l'enfant – jardin d'enfants n° 300 « Ryabinushka », Novossibirsk.

Description du matériel: Dans cette master class, vous apprendrez à réaliser un théâtre d'ombres. Le théâtre d'ombres aidera les enfants à se familiariser de manière ludique avec le théâtre, à montrer leur imagination et à développer leur activité de parole. Ce support pédagogique sera utile aux enfants plus jeunes et plus âgés jusqu'à âge scolaire, ainsi que pour les enfants d'âge scolaire, les enseignants et les parents. Le manuel peut être utilisé aussi bien dans le cadre d’un travail individuel que dans le cadre d’un travail de groupe. Une master class aidera à préparer ce manuel.

Matériel: pour créer un théâtre il nous faudra :
- l'écran est prêt à l'emploi (ou vous pouvez le fabriquer vous-même, je ne m'y attarderai pas en détail) ;
- tissu : blanc (du papier calque peut être utilisé), coloré pour les scènes ;
- des fils assortis au tissu ;
- Ruban Wilcro (tilleul)
- des pailles à cocktail ;
- des bâtons de barbecue (grands) ;
- Holniten (rivets);
- fixations pour fils électriques ;
- des crochets à coudre.

Outils pour le travail:
- marteau;
- clous;
- couteau de papeterie (cutter) ;
- perforatrice pour ceinture ;
- ciseaux;
- appuyer pour les œillets ;
- poinçon;
- pistolet à colle;
- règle;
- un stylo-crayon ;
- super colle « Moment » ;
- machine à coudre.
Le résultat de la master class aide:
Stimuler les enfants et leur initiative dans les activités théâtrales.
Développez votre imagination Compétences créatives développer l’appareil articulatoire. Former chez les enfants un intérêt persistant pour les activités théâtrales, un désir de participer à une action commune, d'encourager les enfants à interagir et à communiquer activement, leur apprend à être capable de communiquer avec leurs pairs et les adultes dans diverses situations, à développer la parole et la capacité pour construire activement un dialogue. Développer un comportement de jeu, des sentiments esthétiques et la capacité d'être créatif dans n'importe quelle tâche.

« Le théâtre est un monde magique.
Il donne des cours de beauté, de morale
et la moralité.
Et plus ils sont riches, plus ils réussissent.
le développement est en cours monde spirituel
enfants..."
(B.M. Teplov)

"Terre magique !" - c'est ainsi que le grand poète russe A.S. Pouchkine appelait autrefois le théâtre. Les sentiments du grand poète sont partagés aussi bien par les adultes que par les enfants qui sont entrés en contact avec cette forme d'art étonnante.

Le théâtre joue un rôle particulier dans la résolution des problèmes liés à l'éducation et au développement d'un enfant d'âge préscolaire. Grâce à la créativité théâtrale et ludique, nous pouvons développer la réactivité émotionnelle et l’intellectualité des enfants, ainsi que leurs capacités de communication, leur talent artistique et leur activité d’expression.

DANS Vie courante Jardin d'enfants, les enseignants utilisent différentes sortes théâtres : bibabo, théâtre de doigts, de table, planaire (flannelgraph ou tableau magnétique), théâtre de marionnettes, théâtre de livres, théâtre de masques, etc.

Je veux raconter et montrer comment réaliser un théâtre d'ombres complexe et en même temps très intéressant.

Théâtre d'ombres - théâtre antique. Depuis des temps immémoriaux, des peintures d'ombres ont été exposées la nuit dans la rue en Inde, en Chine, à Java et en Turquie, à la lumière d'une lampe à huile.

Accessoires, ce qui est nécessaire pour ce théâtre : une source de lumière (par exemple une lampe frontale, une lampe de table, un filmoscope), un écran avec un écran blanc, des marionnettes silhouettes sur bâtons.

Dans la première étape du travail, pour réaliser des silhouettes, nous avons besoin des éléments suivants : un couteau de papeterie (cutter), des ciseaux, une perforatrice pour ceinture, une presse pour oeillets, des rivets (rivets)

Les silhouettes peuvent être préparées sur ordinateur ou dessinées vous-même. J'ai trouvé des idées de silhouettes sur Internet, je les ai imprimées sur des feuilles A4 ordinaires

Ensuite, nous collons les silhouettes imprimées sur du papier noir. J'ai immédiatement préparé les silhouettes des personnages et des décors.

Il faut maintenant découper ces silhouettes. Nous découpons les petits détails internes à l'aide d'un couteau de papeterie et découpons les silhouettes elles-mêmes avec des ciseaux.

Pour éviter que les silhouettes ne se plient, je les ai plastifiées. Si cela n'est pas possible, vous pouvez utiliser du carton épais pour rigidifier les figurines.

L'étape suivante consiste à découper les silhouettes double face déjà laminées.

Comme je voulais vraiment que les personnages (silhouettes) aient des éléments mobiles (par exemple, ils puissent marcher), j'ai réalisé des éléments séparés pour les silhouettes : bras, pattes, jambes.
Pour les mettre en mouvement, les pièces doivent être fixées d'une certaine manière. Pour la fixation, les fils et les fils avec des nœuds aux extrémités conviennent. Mais je voulais un peu de grâce, ou quelque chose comme ça. Par conséquent, j'ai connecté les pièces à l'aide d'une perforatrice de ceinture et de rivets.

À l'aide d'une perforatrice pour la ceinture, j'ai percé des trous réguliers dans les points de fixation, en choisissant un diamètre tel que les rivets ne s'envoleraient pas et se déplaceraient librement. Auparavant, aux endroits de fixation, je marquais les points avec un poinçon, en alignant les pattes pour qu'à l'avenir elles ne se déforment pas. Ensuite, j'ai utilisé une presse à œillets pour relier les rivets (cette presse était de la bonne taille pour les rivets).

Vous devez maintenant attacher les bâtons aux figurines, avec lesquels les marionnettistes les tiendront. Il est important pour moi que le théâtre soit compact. Mes bâtons seront donc amovibles. Les bâtons que les silhouettes utiliseront sont des bâtons de barbecue. En bois, de forme ronde. Nous adaptons ces bâtons à la taille des tubes à cocktail ondulés. Il est très important que les bâtons dans les tubes ne pendent pas, mais soient très serrés. Et nous avons besoin d'un pistolet à colle pour le fixer.

À l'aide de ciseaux, coupez la partie avec l'ondulation (accordéon) du tube en laissant 1,5 cm d'extrémités non ondulées.

A l'aide d'un pistolet à colle je fixerai les tubes sur les silhouettes. Il existe deux options de montage : horizontal (avec ondulation) voir sur le loup ; vertical (juste un bout de tube de 2 cm) voir sur un cochon.

Pour comprendre à l'avenir quelles fixations vous conviendront, insérez les bâtons dans les tubes.

Essayez de déplacer les silhouettes, jouez avec elles. En principe, j'ai aimé les deux montures. En parallèle, j'ai réalisé pour quelles silhouettes j'utiliserais uniquement une fixation verticale, et pour lesquelles j'utiliserais une fixation horizontale.

Les silhouettes sont prêtes. Passons maintenant aux décorations. Nous avions déjà préparé la base lorsque nous avons collé les silhouettes du décor sur du papier noir, l'avons découpé, plastifié et découpé à nouveau. Il faut maintenant renforcer les silhouettes et en même temps réaliser un système de fixation à l'écran. Nous collons des bâtons de barbecue sur les silhouettes à l'aide d'un pistolet à colle avec l'extrémité pointue vers le bas.

Afin de profiter pleinement de nos silhouettes préparées, préparons l’écran. Heureusement pour moi, notre groupe disposait d'un tel écran.

Nous apporterons les principales modifications de conception à l'intérieur de l'écran

Nous avons besoin d'outils simples :

Sur la bande inférieure de la fenêtre, nous marquerons les emplacements pour les attaches en plastique.

Fixons les attaches en plastique avec des clous (ces attaches sont généralement utilisées par les électriciens pour fixer les fils aux murs), et en même temps nous essaierons de voir comment les bâtons de décoration s'intégreront. Les attaches doivent être solidement fixées et non desserrées, sinon toutes nos décorations ne seront pas positionnées correctement.

Nous fixons des crochets à coudre sur la bande supérieure de la fenêtre à l'aide de la super colle Moment. Nous en avons besoin pour placer des décorations telles que des nuages, le soleil, la lune, des oiseaux. Nous attachons du ruban Vilcro (tilleul) sous les crochets. Il est préférable de le fixer sur une agrafeuse pour meuble afin qu'il ne se détache pas.

Sur la barre inférieure au-dessus des fixations pour décorations, nous fixons également le ruban Vilcro.

De l'extérieur, tout semble même intéressant. La polyvalence des manipulations effectuées est que toutes ces fixations peuvent être utilisées non seulement pour théâtre d'ombres, mais aussi pour réaliser tout autre spectacle de marionnettes.

Nous fixerons l'écran blanc au ruban Vilcro. Nous fabriquerons le paravent à partir d'un morceau de calicot blanc. À l'aide d'un ruban à mesurer, mesurez la largeur et la hauteur de la fenêtre. (au lieu du tissu, vous pouvez utiliser du papier calque, malheureusement, c'est moins fiable)

Découpez un morceau rectangulaire et coupez soigneusement les bords. Nous allons coudre du ruban vilcro en haut et en bas - sa seconde moitié.

L'écran peut maintenant être placé sur l'écran. Il sera maintenu tendu par le ruban Vilcro.

Extérieurement, l'écran me paraissait désormais ennuyeux. J'ai donc décidé de le transformer. Des rideaux rideaux décoreront notre théâtre.

Cousons un lambrequin à partir d'une étroite bande de tissu rectangulaire. Le lambrequin recouvrira la traverse supérieure de la fenêtre.

À partir de rectangles aux bords traités, vous obtiendrez un rideau en deux parties. Les deux côtés peuvent être assemblés. Vous pouvez réaliser une fibule amovible afin que le rideau puisse recouvrir complètement la fenêtre ou être ouvert sans obstruction.
J'ai recouvert le bas de l'écran d'un film autocollant assorti à notre rideau.

A titre de comparaison : ce qui était et ce qui est devenu

Notre théâtre est presque prêt à présenter le spectacle. Il ne reste plus qu'à installer la lumière nécessaire et à inviter acteurs et spectateurs.

Pour que le public puisse voir le spectacle, nous aurons besoin de deux sources lumineuses. Les phares ordinaires serviront de source de lumière. Ils sont sûrs et faciles à utiliser.

La capacité d’une personne à donner est très importante aujourd’hui. évaluation critique rien. Dans de nombreux domaines, cela peut être fait en rédigeant une critique, qui, à son tour, comporte certaines règles pour sa création. Notre article explique comment l'écrire.

La critique en tant que genre

La revue est un genre de journalisme, comprenant la critique scientifique et artistique. Il s'appuie sur une évaluation critique d'une œuvre d'art, de science, de journalisme (critique de film, critique de pièce de théâtre, Travail littéraire, dessin animé, travail scientifique...).

Pourquoi une révision est-elle nécessaire ?

Le but d'une revue est d'informer sur une nouvelle œuvre, de lui donner une évaluation critique et de souligner ses forces et ses faiblesses. L'examen devrait attirer l'attention du public sur la question à l'étude et suggérer ce qui mérite son attention et ce qui ne l'est pas.

Caractéristiques du genre

En règle générale, une critique est rédigée dans un style journalistique, est de nature polémique et peut également s'orienter vers le genre d'un essai ou d'un article littéraire. Il doit être objectif, c'est pourquoi il ne permet pas l'utilisation d'émotivité personnelle, de comparaisons grossières ou de présentation de pensées subjectives. Toutes les opinions exprimées doivent être accompagnées d'arguments clairs (exemples tirés du texte, du cadre, du style, position de l'auteur et ainsi de suite.). La rédaction d'une critique implique l'utilisation de termes issus de la sphère artistique à laquelle appartient l'œuvre analysée.

Bilan d'une représentation au théâtre

La critique théâtrale est l’un des genres populaires de critique théâtrale. Son but est d'évaluer la performance (et non la pièce). Pour travailler sur cet article critique, il est nécessaire d'analyser la production, de comprendre l'intention créatrice du metteur en scène, le concept du metteur en scène, qui s'incarne sur scène à travers différents moyens de théâtralisation : scénographie, éclairage, musique, jeu d'acteur, mise en scène. .

L'examen de la performance donne évaluation objective mise en scène. Parallèlement, le spectateur examine le texte littéraire de l'œuvre, les moyens d'exprimer la position de l'auteur (problèmes, conflit, intrigue, composition, système de personnages, etc.). L'examen de la performance repose sur une analyse approfondie et raisonnée dont la qualité dépend des connaissances théoriques et formation professionnelle critique. Lorsque vous rédigez une critique, vous devez utiliser correctement la terminologie théâtrale.

Étapes de création d'un avis

Le processus de création d'un avis se déroule en plusieurs étapes :

1. Travail préparatoire(lecture de la pièce sur laquelle est basée la représentation, étude des productions antérieures basées sur celle-ci, recherche chemin créatif metteur en scène, place de cette représentation dans le répertoire théâtral).
2. Visualisation de la performance.
3. Analyse de la production (incluant le contenu, la forme, les images, les découvertes du réalisateur, la nouveauté de l’interprétation).
4. Écriture directe article critique.

Structure de l'examen

Afin de donner une évaluation complète de la production, il faut savoir rédiger une critique d’une représentation. Ce jugement critique a sa propre structure :

JE. Introduction : justification de la nécessité de revoir cette performance (nouvelle production du réalisateur, controverse autour de l’œuvre de l’auteur, pertinence de la problématique de l’œuvre, etc.).

II. Partie principale : interprétation et évaluation de l'originalité idéologique et artistique de la production.

III. Conclusions sur les mérites artistiques de la production étudiée et son importance pour la vie théâtrale et publique.

Plan de révision (approximatif)

Afin de donner une évaluation critique complète de la production, il est nécessaire de se baser sur la performance. La présence des points et leur ordre dans la présentation sont déterminés par l'auteur.

1. Titre du spectacle, metteur en scène, théâtre (informations de base), date de production.
2. Informations sur l'auteur de la pièce, le metteur en scène.
3. Scénarioœuvres, épisodes principaux (le choix doit être justifié).
4. L'idée créative de l'auteur et sa mise en œuvre (l'auteur : thème, idée, problématique ; caractéristiques et différences entre l'idée du metteur en scène et le texte de la pièce).
5. Caractéristiques de genre de la production, composition de la performance.
6. Évaluation du jeu d'acteur.
7. Les principaux problèmes soulevés par l'auteur et leur pertinence.
8. Caractéristiques de la mise en scène (utilisation inattendue de moyens théâtraux, caractéristiques de la scénographie, accompagnement musical, effets spéciaux...).
9. Impression générale critique sur la performance (dans quelle mesure l'interprétation du réalisateur est-elle nouveauté inhérente à la production, si vos attentes concernant ce que vous avez vu étaient justifiées).

Si vous rencontrez des difficultés au travail, ne désespérez pas. Utilisez le matériel sur la façon de rédiger une critique d'une performance (un exemple de la façon d'en rédiger une est donné dans cet article) et vous améliorerez considérablement vos compétences de critique.

1. Avant de rédiger une critique de la performance, étudiez le matériel (pièce de théâtre) qui sert de base à la production afin que lors du visionnage, vous ne suiviez pas l'intrigue, mais évaluiez l'interprétation du réalisateur.
2. Voyez la performance par vous-même.
3. Pendant la représentation, prenez des notes dans un cahier afin que, lorsque vous rédigez une critique, vous disposiez de suffisamment de matière à critique.
4. Écrivez une critique au moins un jour après avoir regardé le spectacle. Cela vous permettra d'aborder objectivement l'évaluation de la production.
5. Si personnellement vous n'avez pas aimé le spectacle, soyez en mesure de trouver de bons moments dans ce que vous avez regardé et des découvertes de réalisateur intéressantes.
6. Si vous rédigez une critique d’une production basée sur une pièce d’un dramaturge classique, soulignez la nouveauté de la vision de l’œuvre de ce metteur en scène, contrairement aux autres.
7. N'oubliez pas qu'un spectacle est l'œuvre de toute une équipe de production (metteur en scène, éclairagiste, compositeur,...), soyez donc attentif à toutes les composantes du spectacle.
8. Assurez-vous de fournir des arguments.
9. N'oubliez pas que toute critique d'une performance est un exemple de présentation compétente et logique du matériel, alors faites attention au style, à la structure de l'article et à l'absence d'erreurs grammaticales.

Erreurs fondamentales dans la rédaction d'une critique de théâtre

1. L'utilisation d'expressions d'évaluation subjective : « j'aime » - « je n'aime pas », « m'a impressionné », « a plu à l'acteur »...
2. Raconter l’intrigue au lieu d’analyser la performance.
3. Accent sur les détails qui ne portent pas grand-chose charge sémantique.
4. Utilisation analphabète des termes.

Exemple d’évaluation d’une performance

En 1878, A. N. Ostrovsky écrivit l'une de ses pièces les plus célèbres, « La dot ». Après un certain temps, elle fut reconnue comme la meilleure œuvre du dramaturge.

La première représentation scénique de la pièce a eu lieu sur la scène du Théâtre Maly, mais elle n'a pas produit l'impression souhaitée. Au fil des années, la production est devenue de plus en plus populaire et, à ce jour, elle est appréciée du public. Le secret de cet intérêt inextinguible réside probablement dans la pertinence des problèmes soulevés dans le matériel dramatique.

J'ai récemment assisté à une production de «La dot» en J'ai plongé dans le monde de la magnifique unité de la conception du réalisateur, du talent des acteurs et de l'atmosphère passionnante du spectacle. Étant dans la salle, je me sentais comme un acteur.

J'ai été particulièrement impressionné par la performance de l'actrice M. Magdalinina (le rôle de Larisa). Elle a magistralement réussi à créer l'image d'une héroïne douce et sincère, sensuelle et romantique. Ses mouvements combinaient légèreté et confiance, et ses virevoltes sur scène traduisaient avec beaucoup de succès le personnage de Larisa. La belle voix mélodique de l’actrice a contribué à l’intégrité de la création de l’image. Je pense qu'elle a joué son rôle avec brio.

Valery Potanin (le rôle de Karandyshev) a plu à la Russie par son talent. Son héros est apparu devant le public insatisfait et grincheux. Il semblait qu’il pouvait « exploser » à tout moment. Il y avait une intolérance constante, et parfois même de la haine, envers Paratov. Mais dans les moments d'humiliation par d'autres héros, Karandyshev s'est involontairement senti désolé pour lui. L'image véhiculée par Valery Potanin dans la pièce diffère de ma représentation de Karandyshev. Dans mon imagination, c'était un homme calme et respectable qui ne réagissait vivement qu'en cas d'injustice et de ressentiment.

Le rôle de Knurov a été joué, à mon avis, avec beaucoup de succès par l'artiste émérite de Russie A. Gladnev. Son héros donne l'impression d'une personne raisonnable. Ses mouvements sont pensés, impeccables, clairs. Ce n’est que parfois que la réflexion est visible dans l’image, ce qui crée l’impression d’un homme sage qui a vu beaucoup de choses sur son chemin de vie.

S. Karpov a joué Paratov dans la pièce. Il a réussi à transmettre rationalité, calme et passion dans sa communication avec Larisa. La seule chose que je voudrais noter, c’est que le type de l’acteur ne correspondait pas tout à fait à mon idée de l’apparence du héros.

Tout au long du spectacle, le merveilleux acteur qui jouait Robinson a diverti le public. L'image créée par l'acteur était étonnamment joyeuse et joyeuse. Grâce à la performance de cet acteur, le réalisateur a réussi à transmettre le motif de gentillesse et d'optimisme tout au long du spectacle.

Il convient de noter que la sélection des acteurs aurait été réalisée avec beaucoup de succès; leurs types, ainsi que leurs capacités vocales, ont contribué à la création d'images étonnantes et attrayantes du spectacle.

Le travail de la costumière et maquilleuse du spectacle est remarquable : tous les accessoires, costumes, maquillage, perruques ont été créés et sélectionnés avec savoir-faire.

Le paysage était tout à fait cohérent contenu idéologique performance. Le fait qu’ils n’aient pas changé au cours du processus de production avait également une charge idéologique et sémantique.

Mais, à mon avis, la composition lumineuse du spectacle n’a pas été suffisamment réfléchie. Dans ce cas, l'accent a été mis sur les projecteurs arrière, ce qui a déformé la vision de la scène par le public et affecté négativement les performances des acteurs.

Dans l'ensemble, l'impression de la production est bonne. La synthèse du professionnalisme du réalisateur et de la compétence des acteurs a contribué au fait que pendant longtemps pièce célèbre scintillait dans mon esprit de nouvelles couleurs. C'est, à mon avis, l'une des tâches du théâtre : attirer l'attention du public sur des problèmes toujours d'actualité et aider le spectateur, par l'expérience, à devenir plus pur et plus sage. J'espère que les productions ultérieures de ce réalisateur me laisseront également une impression durable.

Particularités de l'évaluation des productions destinées au public des enfants

Examen de spectacle pour enfants correspond à tout caractéristiques du genre cet article critique. Lors de son écriture, il est important de prendre en compte le seul point : la production de la pièce, en règle générale, est conçue pour un certain âge d'enfants. Tant le texte de la pièce elle-même que toutes les solutions artistiques sur scène doivent correspondre à l'âge spécifié des enfants. Par conséquent, il est nécessaire d'analyser une production destinée aux enfants en tenant compte des caractéristiques d'âge du public.

La critique d’une performance est un produit de la créativité. Le critique doit essayer de transmettre l’esprit de la production afin que le spectateur veuille ou non la voir.

Faire une affiche est une partie très importante de la préparation d'un spectacle; dans celle-ci, sous une forme concise, vous pouvez dire ce qui attend le public, l'intéresser et, en même temps, l'affiche ne doit pas révéler tous les secrets de l'avenir. performance, ou dissimuler une intrigue.

Vous avez sûrement vu beaucoup d’affiches dans la vie qui vous entoure, certaines vous ont plu, d’autres vous sont passées par là. L'affiche doit être si intéressante que vous ayez envie de la lire, donc l'essentiel dans la création d'une affiche est un contenu soigneusement pensé. Indiquez le nom du spectacle, les noms des acteurs qui y participent et son brève annonce. Bien entendu, l’affiche doit être suffisamment grande, avec des caractères de grande taille, pour que les informations qui y sont reflétées soient facilement perceptibles. C'est bien si l'affiche représente un fragment du futur spectacle, cela intéressera le public.

De plus, l'heure et le lieu de la future représentation doivent être inscrits sur l'affiche.

Billet gratuit Vous pouvez l'acheter en magasin ou le télécharger sur Internet et l'imprimer, mais il sera bien plus agréable pour vos spectateurs de recevoir une carte postale réalisée de leurs propres mains.

L'invitation doit être conçue de manière à ce que l'invité ait instantanément le sentiment d'un miracle créatif à venir, même si la représentation elle-même n'a lieu que dans deux semaines.

L'invitation doit indiquer le nom et le prénom de l'invité ainsi que le nom du spectacle. Ce qui suit est indiqué nombre exact et le jour de la semaine où le jour férié est prévu, l'heure de début de la représentation. Si la personne ne vous a jamais rendu visite auparavant, l'adresse exacte doit être indiquée dans l'invitation. Le carton d'invitation ne peut pas être destiné à une seule personne, mais à toute une équipe - par exemple, Salle de classe ou un groupe de maternelle.
Le carton d'invitation doit être coloré, lumineux, original.

Que restera-t-il au spectateur après la visite, à part les impressions ? Bien sûr, un billet et... Une visite au théâtre commence par un billet et se termine par l'étude du programme.

Bien entendu, la première chose à laquelle vous devez prêter attention est le design. Nous vous recommandons d'utiliser diverses variantes sur le thème d'une feuille A4 standard, pliée en deux ou trois fois dans le sens de la longueur ou de la largeur, réalisée dans une imprimerie, mais parfois vous pouvez proposer quelque chose de plus intéressant.

Il existe plusieurs approches de conception de programmes : une « couverture » standard avec un encart correspondant à une représentation spécifique et des programmes « personnels ».
Tout d'abord - sur les « acteurs et interprètes ». Au fond, tout est clair, sur la forme - plusieurs options sont possibles. Comment cela se fait-il habituellement ? A gauche se trouve « l'acteur », à droite se trouve « l'interprète » (parfois vice versa), un ou plusieurs, s'il y en a plusieurs, on note lequel joue.
Il y a d'autres points qui peuvent être indiqués dans le programme - la durée de la représentation, l'âge des participants, des informations sur la date de la première. Certaines informations sur les auteurs de la pièce et du spectacle, sur la pièce elle-même, peuvent élargir l'impression du spectacle et même la façonner partiellement.

Vous pouvez également l'inclure dans le programme texte général sur l'école où travaille votre troupe de théâtre, avec des informations sur les nouveaux spectacles (même si souvent il n'y en a qu'un pour l'ensemble année académique). Parfois, des critiques de performances sont incluses dans le programme, ce qui peut constituer une bonne base de discussion.

Le document accompagne une personne dès les premières minutes de sa vie. Il s’agit d’une invention humaine unique, qui permet d’enregistrer toutes les connaissances accumulées par l’humanité (pensées) sur un support matériel. Le document couvre toutes les sphères de la vie, leur est obligatoire et remplit les fonctions les plus importantes - sociales, juridiques, financières, culturelles, etc. La théorie générale du document, qui examine les questions clés - les caractéristiques, les propriétés, les composants, les fonctions de tout document, représente la documentologie.

Le programme de théâtre est considéré comme un type de document conforme aux principes théoriques exposés en détail dans l'ouvrage de Yuri Nikolaevich Stolyarov « Documentologie : Didacticiel».

Composantes du programme de théâtre

Toute science fonctionne avec un grand nombre d'objets étudiés et doit donc organiser ces objets, c'est-à-dire en classement. La documentologie ne fait pas exception, d'autant plus que, sur la base de la définition du concept « document », elle traite d'un ensemble infini de données qui nécessitent une classification selon des caractéristiques spécifiques - des composants.

Chaque document dans la gestion documentaire est considéré dans la totalité des composants suivants :

Nominatif;

Sémantique;

Signatif ;

Syntaxique ;

Perceptuel ;

Temporel;

Matériel;

Pragmatique.

L'un des éléments les plus importants du document est nominatif- du latin nomina - nom, titre. Le terme « programme » est constitué des mots grecs : pro - avant et grapho - j'écris. J'écris d'abord sur ce qui doit être joué dans un concert, une pièce de théâtre, un ballet, en d'autres termes, une annonce. Un programme théâtral contient un enregistrement d'une action qui se déroulera dans un théâtre. C'est une sorte de guide pour le spectateur qui vient au théâtre.

La composante nominative est étroitement liée à sémantique, qui exprime l'essence informationnelle du document. Sémantique (du grec ancien σημαντικός - sens) - une branche de la linguistique qui étudie sens sémantique unités de langage. Pourquoi le programme de théâtre a été créé et quelles informations il contient - la réponse à ces questions est précisément liée à la composante sémantique. Depuis sa création, le programme du théâtre contient des informations sur la représentation : quand et où aura lieu l'événement spécifié dans le programme. Le programme était un intermédiaire entre les acteurs et le spectateur ; son contenu consistait en des informations sur l'auteur, le metteur en scène, le scénographe, l'artiste et les acteurs créant le spectacle.

Par rapport à un programme théâtral, on peut dire que sa signification sémantique réside dans l'annonce et la désignation nominative des composantes de l'action théâtrale. De ce point de vue, la composante sémantique du programme théâtral fait écho à la composante nominative, qui signifie aussi annonce.

Le programme traditionnel d'une pièce dramatique est un dépliant ou un petit livret et contient le titre de la pièce et le nom de son auteur ; Nom directeur artistique théâtre; noms de famille de l'équipe de production de la pièce - metteur en scène, artiste, compositeur, directeur de danse, metteur en scène, éclairagiste, assistant metteur en scène ou artiste, etc. Si la performance utilise des arts visuels(masques, poupées, maquillages spéciaux, performances vocales, astuces, etc.), le programme comprend alors des informations sur leurs auteurs. Ce qui suit répertorie tous personnages performances et interprètes. Tous les noms des auteurs de la pièce et des acteurs sont accompagnés de leurs titres et titres (par exemple, « Artiste du peuple de la RSFSR », « Lauréat du Prix d'État », etc.). Le programme se termine par le nom du directeur adjoint - la personne responsable de l'exécution technique du spectacle.

Le programme peut également inclure Informations Complémentaires: date de première; noms des ouvriers du théâtre occupant des postes clés (décorateur en chef, directeur général adjoint du répertoire, chef de troupe, chef du département musical, chef du département de production ; chef des services techniques : montage, costumes, accessoires, loge, etc. ); des informations sur le nombre d'actes et la durée de la représentation, information brève sur l'histoire du théâtre, l'histoire de la production de cette pièce, etc. Les programmes illustrés peuvent être accompagnés de photographies ou de dessins (esquisses de costumes, de décors, etc.).

Les programmes de spectacles de ballet et d'opéra comprennent un livret - résumé performance. Les programmes des spectacles de cirque et des concerts contiennent les noms du groupe de production de l'ensemble de l'action scénique, une liste de numéros et les noms des artistes (indiquant leurs grades et titres).

Considérant le programme de théâtre dans les principaux aspects de la composante sémantique, il convient de noter que du point de vue du contenu, le programme de théâtre est un domaine arts théâtraux, et plus étroitement - le thème de la pièce (par exemple : histoire, guerre, amour) ; du point de vue de la finalité recherchée - empathie esthétique ; du point de vue de la destination du public, il est destiné au public venu au théâtre.

Le programme théâtral est donc un texte écrit, selon Signatif Composant (signe), il fait référence à un document iconographique symbolique, puisqu'il contient des symboles - des lettres. Le texte du programme peut être écrit sur différentes langues, c'est à dire. différents systèmes de signalisation sont utilisés en parallèle. Ainsi, dans les programmes de théâtre modernes, le texte peut être en russe et Langues anglaises. Au XYIIIe siècle, les programmes de spectacles avec la participation de troupes en tournée contenaient des textes en russe et en italien ou Langues allemandes selon la troupe.

Au milieu du XIXe siècle, de nouveaux signes symboliques apparaissent dans le programme : les théâtres professionnels apposent sur les programmes leurs emblèmes, qui sont des symboles du théâtre. Aujourd'hui, les programmes théâtraux de tous les théâtres et salles de concert contiennent leurs propres emblèmes et sont conçus à leur manière. Schéma de couleur. Ainsi, les programmes du Théâtre Bolchoï sont de couleur ivoire, Opéra Mariinsky imprime les programmes vert clair, Théâtre musical eux. Stanislavsky et Nemirovich-Danchenko - blanc et bleu, etc. Certains programmes de théâtre ont le même design de couverture pour toutes leurs représentations ( Grand Théâtre, Théâtre musical du nom. Stanislavsky et Nemirovich-Danchenko, Théâtre d'art Tchekhov de Moscou). D'autres impriment leur propre couverture pour chaque représentation, thématiquement liée au contenu de la représentation. Dans le premier cas, le programme peut être considéré comme un symbole du théâtre, dans le second, comme un symbole du spectacle.

Tout document est créé dans le but de transmettre les informations qui y sont présentées dans l'espace et dans le temps. Le programme théâtral s'adresse au spectateur et, du point de vue de la perception du spectateur - perceptuel composant - fait référence à l'anthropodocument. Le système de signes, à l'aide duquel les informations sont enregistrées dans le programme, a été créé par une personne et est reconnu par une personne. Pour reconnaître les signes, une personne utilise la vision, ce qui permet de classer un programme théâtral comme document vidéo. Cependant, avec le développement de la technologie informatique, un programme théâtral électronique apparaît - un document électronique ou un document technique, contrairement à un programme non électronique. Ces types de programmes théâtraux sont publiés sur les sites Web des théâtres ; ils constituent une version électronique grandement simplifiée d’un programme non électronique. Le programme électronique est absolument dépourvu de fonction esthétique et artistique, ne contenant que des informations sur les personnages et les interprètes.

Syntaxique(du mot grec « syntaxe » - composition, construction, ordre) le composant du document détermine sa construction, la position relative de ses composants.

Au début du XXe siècle, le programme théâtral avait acquis une forme établie de construction de textes, utilisée dans tous les théâtres et salles de concert. Cette forme est étroitement liée à la composante sémantique et exprime directement le contenu du document. Le nom du programme est généralement mis en évidence dans une police inhabituelle et se trouve sur la première page. Cela peut être appelé la page de titre d'un programme de théâtre. Par analogie avec le titre d'un livre, le lieu de présentation et l'année de publication sont indiqués en bas du programme. Le nom de l'organisation du théâtre ou du concert est indiqué dans les données d'en-tête et l'emblème est placé. Sur la diffusion du programme (deuxième et troisième pages), les personnages et interprètes sont indiqués sur deux colonnes. Cette partie du programme est inchangée pour tous les types de spectacles de divertissement - théâtre dramatique, ballet, opéra, spectacle de cirque, concert de musique classique ou pop, etc. Si le programme est complété par des informations sur le réalisateur, les acteurs et l'histoire de la production, ces informations se trouvent après la liste des personnages. La dernière page du programme contient les données de diffusion - tirage, imprimerie, etc. la dernière décennie Au XXe siècle, des indications de sponsors d'un théâtre ou d'une production apparaissent.

En fonction du contenu performance théatrale Le programme théâtral diffère par la forme de présentation des informations : couleur, caractère illustratif du programme, utilisation de polices différentes. Programme pour l'interprétation de la Sixième Symphonie de Dmitri Chostakovitch à Léningrad assiégée(Fig. 1) se distingue par son exécution stricte - une police claire en noir et blanc sur une feuille blanche du programme est lue comme un symbole de la persévérance et du courage des Léningradiens pendant la guerre. Les illustrations sont inutiles ici, sur la page de titre il y a seulement la dédicace de D. Chostakovitch à sa ville natale - Leningrad. La composante syntaxique du programme du concert transmet le contenu musique jouée, exprimant ainsi un lien étroit avec la composante sémantique.

Fig. 1. Programme pour l'exécution de la Sixième Symphonie de Dmitri Chostakovitch à Leningrad assiégée

Le programme des représentations du Théâtre académique russe a un caractère complètement différent. Théâtre de la jeunesse"Le yin et le yang." Il est tout en couleur, réalisé dans la tradition du graphisme oriental (Fig. 2). Le style de police rappelle les hiéroglyphes, introduisant le spectateur avant même le début de l'action dans l'atmosphère du spectacle, dans lequel l'intrigue se construit autour d'une relique chinoise.

Riz. 2. Programme du spectacle RAMT "Yin et Yang"

Les programmes théâtraux pour chaque représentation du Théâtre académique russe de la jeunesse - RAMT (Fig. 3) sont uniques dans leur conception (composante syntaxique) et reflètent le contenu (composante sémantique) de la représentation. Ainsi, dans la pièce « A Draw Lasts a Moment », une partie d'échecs dans un ghetto letton entre un prisonnier et un gardien place le héros devant un choix : gagner et rester en vie, mais tous les enfants seront détruits, ou perdre. et mourir en sauvant les enfants. Le programme est réalisé sous la forme d'un échiquier, le long duquel est passée une fissure, déplaçant les carrés noirs - c'est ainsi que la vie des gens se retrouve sur une ligne de faille. Au programme de la pièce « Portrait » basée sur l'œuvre de Nikolai Vasilyevich Gogol, nous voyons des cadres luxueux et l'ensemble du spectacle est construit à l'aide d'un cadre dans lequel le héros s'enferme de différentes manières tout au long de l'action. Le programme de la pièce « Suicide » de Nikolai Erdman est réalisé dans une palette de couleurs différente, symbolisant la lutte petit homme avec lui-même et une tentative de sortir du cercle vicieux dans lequel il s'était enfoncé - les doigts noirs pointés sur le programme enferment la silhouette courbée dans un cercle.

Figure 3. Programmes pour les performances RAMT

Le Théâtre de musique et de poésie, dirigé par Elena Kamburova, a utilisé le tableau « Le Pont de l'âne » de Niko Pirosmani pour créer l'atmosphère du spectacle basé sur les chansons de Boulat Okudjava (Fig. 4). Le spectateur ressent l'arôme de la Géorgie et entend des chansons géorgiennes avant même le début du spectacle, rien qu'en regardant le programme. On peut dire que la composante synactive du programme (conception) à travers la composante perceptuelle (vision, audition interne, odorat) transmet le contenu au spectateur - la composante sémantique.

Figure 4. Programme de la pièce "Drops of the Danish King" du Théâtre de Musique et de Poésie sous la direction de E. Kamburova

La composante temporelle caractérise le programme théâtral au sens temporel. Il vous permet d'enregistrer des informations sur un événement spécifique survenu dans heure exacte dans un endroit précis. Lors d'une représentation théâtrale, le programme fournit au spectateur les informations qui lui sont nécessaires et qui l'intéressent à ce moment précis. Dans ce cas, le programme est un document pertinent pour le téléspectateur. Cependant, après la fin de la représentation, le programme perd de sa pertinence, puisque le spectateur n'a plus besoin de guide, puisque le chemin est déjà parcouru. On pourrait dire que la programmation du théâtre devient obsolète le jour de son anniversaire. D'autre part, le programme théâtral acquiert une fonction historique et mémorielle - il reflète le fait de la représentation ou du concert qui a eu lieu, ce qui constitue une information inestimable pour les historiens du théâtre.

Il n'y a pas de modèle strict dans l'exécution des représentations théâtrales, c'est pourquoi le programme de théâtre est un document sporadique qui est publié selon les besoins et n'a pas de périodicité claire.

Tous les composants ci-dessus reflètent l'essence d'un programme théâtral du point de vue de l'information et déterminent sa fonction informationnelle. Selon la définition de la notion de « document », ces informations doivent être enregistrées sur un support tangible, il faut donc considérer matériel composante du programme de théâtre.

Le matériel utilisé pour le programme de théâtre est principalement le papier du plus différents types. Il peut s'agir de papier fin mat ou brillant, de carton fin - mat ou brillant, ou verni. À la fin du XVIIIe siècle, les copistes de théâtre peignaient sur soie des programmes avec écriture calligraphique pour les membres de la famille impériale, ce qui illustre la Troisième Loi de la Documentologie sur la conjugaison de l'information et des médias, la capacité de placer la même information sur des supports différents.

Selon la forme de conception, les programmes peuvent être implémentés dans différentes versions. En règle générale, une feuille de diplôme est utilisée. Mais il peut aussi y avoir des formes structurelles complexes non standard. Ainsi, RAMT pour la pièce « Fleurs pour Algernon » a réalisé un programme de taille asymétrique non standard avec une découpe - Fig. 5. La composante syntaxique de ce programme est également inhabituelle : le texte est déchiré en plusieurs parties et situé dans des directions différentes.

Riz. 5. Programme de la pièce "Fleurs pour Algernon" RAMT

Le théâtre qui porte leur nom a également utilisé une conception non standard. Vakhtangov pour la pièce « Le rivage des femmes ». La pièce raconte en langage plastique le sort des femmes pendant la guerre. L'histoire de chaque héroïne est racontée par les chansons de Marlene Dietrich, dans le découpage du programme on voit sa photographie (Fig. 6).

Riz. 6. Programme de la pièce "Le Rivage des Femmes" du Théâtre. Vakhtangov

Au théâtre. Vakhtangov a une solution très intéressante pour le programme de la pièce basée sur le roman « Eugène Onéguine » de Pouchkine (Fig. 7), qui utilise un motif de pied. Le programme est réalisé sous la forme d'une enveloppe postale, dans laquelle est jointe une lettre de Tatiana et Cartes de visite tous les caractères indiquant les interprètes. La lettre de Tatiana a été réalisée en utilisant le motif de l'harmonica. L'enveloppe postale fait office de page de titre - on voit l'emblème du théâtre, le nom du théâtre et le nom de la représentation. La stylistique du texte utilisée dans le programme (composante syntaxique) nous renvoie au XIXe siècle, à l'époque d'A.S. Pouchkine.

Figure 7. Programmes de la pièce basée sur le roman d'A.S. Pouchkine "Eugène Onéguine"

Ainsi, quatre modèles sont utilisés dans un programme - une enveloppe sert de couverture, les personnages et les interprètes sont indiqués sur des cartes de visite, c'est-à-dire une feuille, ensemble ils forment un pied, et pour un extrait du roman (lettre de Tatiana) un harmonica est utilisé.

L’une des méthodes efficaces de conception de documents est la réduction. Programme de théâtre. Vakhtangov pour la pièce «Crazy Day, ou Les Noces de Figaro» utilise cette méthode en plaçant le profil du fondateur du théâtre Evgeny Vakhtangov sur la première page de la couverture (Fig. 8).

Figure 8. Programme de théâtre. Vakhtangov pour la pièce "Crazy Day ou Les Noces de Figaro"

Pragmatique la composante du document est liée à son existence dans l'environnement externe, indiquant la relation du document avec des facteurs qui lui sont externes. Le programme du théâtre pour le spectateur qui vient au théâtre est un document précieux qui contient les informations requises à l'heure actuelle. À cet égard, le programme est intrinsèquement pertinent, car il contient des informations sur une performance spécifique. En revanche, si la représentation n'est pas une première, c'est-à-dire qu'elle a déjà eu lieu plus tôt, alors il n'y a aucune nouveauté dans le programme. Par sa portée, un programme de théâtre peut être considéré comme un document artistique et informatif ayant une signification esthétique. Selon la forme de propriété, un programme de théâtre peut être privé (s'il appartient à la collection d'un particulier) ou collectif (s'il appartient à la collection d'un musée). Selon le mode d'accès, le programme a un accès illimité ; tout spectateur venant au théâtre peut l'acheter.

Evolution de la programmation théâtrale

La programmation théâtrale a traversé toutes les étapes d'évolution caractéristiques de tout autre document.

Le prototype du programme théâtral - les annonces orales - existait à l'époque pré-alphabétisée. Avec l’avènement de l’écriture Ancien monde le programme théâtral acquiert le caractère d'annonces écrites et dessinées. Le développement ultérieur de l'écriture et l'apparition de l'imprimerie à l'époque de Gutenberg ont marqué la prochaine étape du développement - l'émergence d'un programme de polices d'imprimerie. L'amélioration des technologies d'impression, l'invention de la gravure sur bois et de la chromolithographie ont permis de créer des programmes théâtraux illustrés, ce qui a conduit au fil du temps à la manifestation d'une fonction largement artistique dans ce document. Dans le même temps, la fonction d'information du programme théâtral restait la principale tant pour le participant direct à la représentation théâtrale que pour générations suivantes spectateurs. Pour le premier, il s'agissait d'un document d'actualité, tandis que pour le second, la fonction historique prenait le dessus, permettant d'étudier et de comprendre l'histoire du développement de l'art théâtral.

Le développement de la technologie informatique a conduit à l'émergence d'un programme de théâtre - document électronique. Ce type de programme perd complètement sa fonction artistique, la durée de vie d'un tel document est réduite à plusieurs jours, puisque le lendemain de la représentation le document disparaît du support électronique - le site Internet du théâtre. La composante informationnelle, ainsi que la composante artistique, ne subsistent que dans la version non électronique du programme.

Au fil du temps, la fonction mémorielle du programme théâtral devient de plus en plus importante et il devient un document muséal, un objet de collection. Des collections de ces documents sont conservées dans les musées d'art théâtral, en particulier au Musée central du théâtre d'État du nom. A. A. Bakhrushin à Moscou et au Musée national du théâtre et de l'art musical de Saint-Pétersbourg.

Le programme théâtral est présenté dans les collections de la Bibliothèque d'État de Russie, de la Bibliothèque russe bibliothèque nationale La Bibliothèque nationale des arts de Russie est malheureusement très insignifiante. Il s'agit de programmes théâtraux de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Les programmes ultérieurs qui présentent un intérêt du point de vue des composantes synactive (performance artistique) et sémantique (répertoire théâtral, acteurs) n'attirent pas à juste titre l'attention des services d'acquisition des bibliothèques, privant ainsi le lecteur de la possibilité d'étudier l'histoire de la théâtre.

Bibliographie

1. Stolyarov Yu.N. Documentologie : manuel / Yu.N. Stoliarov ; Moscou Université d'État culture et arts; Orlovski institut d'état Arts et culture. - Orel : Horizon, 2013.-370 p.

A propos de l'auteur

Elena Ottovna Zakharyants, étudiante au VBC,

Note explicative

L’avenir est plus proche de nous que nous ne le pensons. C'est très proche - il pleure, rit, pose des questions, vous fait souffrir, vous réjouir et vivre de manière fructueuse. Cet avenir, ce sont nos enfants...

Ils grandissent vite, mais ils pourront vivre de manière indépendante et fructueuse si nous les aidons aujourd’hui à développer leurs capacités et leurs talents. Gens talentueux- la principale richesse de la société. Chaque enfant est talentueux à sa manière. L’art est conçu pour aider à développer cette qualité en lui. Travail d'expression artistique en studio de théâtre, jeu de scène, rencontres avec Gens intéressants, acteurs, visites de théâtre - tout cela contribuera à la formation d'une personnalité créatrice, à l'expression de soi, à l'acquisition de compétences en comportement public, à la résolution des conflits caractérologiques et au soulagement du stress psychologique.

La pertinence du programme est déterminée par le besoin de la société de développer les qualités morales et esthétiques de la personnalité humaine. C'est par des moyens activités théâtrales Il est possible de former une personnalité créatrice socialement active, capable de comprendre les valeurs humaines universelles, fière des réalisations de la culture et de l'art nationaux, capable de travail créatif et d'écriture.

L'opportunité pédagogique de ce cours pour les étudiants tient à leur caractéristiques d'âge: intérêts divers, curiosité, passion, initiative. Ce programme est conçu pour étendre potentiel créatif enfant,

enrichissez votre vocabulaire, formez des sentiments moraux et esthétiques

Règlements, assurant la mise en œuvre du programme :

Etat fédéral norme éducative principal enseignement général, approuvé par arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences de la Fédération de Russie du 17 décembre 2010 n° 1897 ;

Le programme éducatif principal de LLC MBOU « Polevskoy Lyceum » ;

Programmes pour la formation d'activités éducatives universelles ;

Arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences de Russie n° 576 du 8 juin 2015"Sur les modifications de la liste fédérale des manuels recommandés pour une utilisation dans la mise en œuvre des manuels accrédités par l'État programmes éducatifs enseignement primaire général, général de base, secondaire général, approuvé par arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences de la Fédération de Russie du 31 mars 2014 n° 253"

Arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences de la Fédération de Russie (Ministère de l'Éducation et des Sciences de la Russie)du 31 mars 2014 n° 253 Moscou

Recommandations pour équiper les établissements d'enseignement général du matériel de laboratoire d'enseignement et de formation nécessaire à la mise en œuvre de la norme éducative de l'État fédéral pour l'enseignement général de base, l'organisation les activités du projet, modélisation et créativité technique des étudiants (Recommandations du ministère de l'Éducation et des Sciences de la Fédération de Russie du 24 novembre 2011. N° MD-1552/03)

Règles et réglementations sanitaires et épidémiologiques SanPiN 2.4.2.2821-10 « Exigences sanitaires et épidémiologiques pour les conditions et l'organisation de la formation dans les établissements d'enseignement », enregistrées auprès du ministère de la Justice de Russie le 03.03.2011, numéro d'enregistrement 19993.

Objectif : Formation de l'individualité créative des étudiants

Créer une atmosphère émotionnelle favorable à la communication des élèves, à leur expression, à leur réalisation, qui leur permet de « se retrouver », de croire en eux, de vaincre la timidité et la timidité.

Développer les compétences et les capacités de la culture du comportement scénique

Inculquer l'amour du théâtre en tant que genre artistique multidimensionnel et multiforme

Développer l'intérêt pour les arts du spectacle, l'attention visuelle et auditive, la mémoire, l'observation, la débrouillardise et l'imagination, l'imagination, la pensée imaginative, le sens du rythme et la coordination des mouvements, respiration vocale et diction

Cultiver la bienveillance et le contact dans les relations avec les pairs, les compétences collectives activité créative, attitude responsable envers les résultats de son propre travail et du travail de toute l’équipe

Conditions organisationnelles de mise en œuvre du programme

Le programme est constitué de 70 heures (2 heures par semaine), est conçu pour 1 an d'études et s'adresse aux élèves de 5e année. Les enfants sont acceptés en studio en fonction de leur intérêt, sans présenter d'exigences particulières, à la demande de leurs parents.

Le programme est mis en œuvre conformément aux principes pédagogiques de base :

le principe de cohérence (implique continuité des connaissances, complexité dans son assimilation)

le principe de différenciation (implique l’identification et le développement des inclinations et des capacités des étudiants dans divers domaines)

principe de fascination (prend en compte l'âge et caractéristiques individuellesétudiants)

le principe du collectivisme (favorise le développement de capacités polyvalentes et la nécessité de les donner pour la joie et le bénéfice communs)

le principe d'intégration interdisciplinaire (cours de littérature et de musique, littérature et peinture, art et technologie, chant et rythme)

le principe de créativité (implique une concentration maximale sur la créativité de l'enfant, sur le développement de ses sensations psychophysiques, l'émancipation de l'individu)

La base technologique du programme se compose des technologies suivantes :

groupe

• apprentissage individuel et par problèmes

  pédagogie de la coopération

Les formulaires suivants aident à mettre en œuvre ces technologies :

Cours théoriques et pratiques

Individuel, groupe, collectif

Jeux de théâtre

• Formations

  Excursions au théâtre

  Les performances

  Vacances

Reproducteur

Illustration

Problème

Heuristique

Observation

Exercice

Promotion

Explication

Exemple personnel

Les cours théoriques fournissent des connaissances de base, révèlent des justifications théoriques pour les sujets les plus importants et utilisent des données Héritage historique et l'excellence dans les arts du spectacle et dans la vie en général.

Dans les cours pratiques, la présentation des principes théoriques s'accompagne d'une démonstration pratique par l'enseignant lui-même, les bases de la culture du jeu, de la parole et du mouvement sont dispensées et des formations ludiques, psychologiques et pédagogiques sont dispensées. Pendant les cours, une correction bienveillante a lieu. L'enseignant veille à ce que tous les participants essaient d'accomplir la tâche aussi clairement et précisément que possible.

En cours particuliers, le travail s'effectue avec des enfants de 1 à 3 personnes.

Logistique et soutien

Ordinateur

Projecteur

Disques MD et CD

Costumes, décors nécessaires à la création de productions théâtrales

Éléments de costumes pour créer des looks

Maquillage de scène

Résultats attendus

A la fin de l'année de cours, les étudiants :

Avoir le concept :

À propos du théâtre et de ses types

À propos des moyens techniques élémentaires de la scène

À propos de la scénographie

À propos des normes de comportement sur scène et en salle

Exprimez votre attitude face aux phénomènes de la vie et sur scène

Pensez au sens figuré

Concentrez votre attention

Sentez-vous dans l'espace scénique

Acquérir des compétences :

Communication avec un partenaire

Jeu d'acteur élémentaire

Perception figurative du monde environnant

Réponse adéquate et imaginative aux stimuli externes

Créativité collective

Plan pédagogique et thématique

Date prévue

réel

Sujet de la leçon

Nombre d'heures

Remarques

Leçon d'introduction. Connaître l'équipe, le programme du studio, les règles de conduite, les consignes de sécurité incendie

Fondamentaux de la culture théâtrale (6 heures)

La notion de théâtre. Types de théâtre. La différence entre le théâtre et les autres formes d'art. La naissance du théâtre.

La structure du théâtre, les principaux métiers : acteur, metteur en scène, scénariste, artiste, maquilleur. Sketch de scène « Ces métiers du théâtre… »

Scénographie et moyens techniques. Théâtre russe.

Culture du comportement sur scène et en salle

Excursion au théâtre de marionnettes.

Culture et technique de la parole (14 heures)

Travaillez sur des exercices qui développent le résonateur thoracique. Exercices « Respirez correctement » , "Locomotive à vapeur"

Travail sur les organes d'articulation et familiarisation avec les normes de l'orthoepie. Gymnastique de la parole « Vire-langues », « Monument au Proverbe »

Des énigmes verbales ludiques pour développer l'attention et l'expansion vocabulaire. Jeu « Écrivez une lettre anonyme !

Travailler la diction. Jeux « Choisissez une comptine », « Écrivez un conte de fées »

Travailler la diction. Jeux « Écrire une histoire « La vie de choses merveilleuses », « Écrire une histoire sur une lettre »

Travailler la diction et développer l’attention. Jeux avec les mots "Logorif", "Devinez le mot !", "Ça vole, ça ne vole pas !"

Jeux de mots qui développent un discours figuratif cohérent : « Écrire un poème acrostiche », « Écrire un métagramme », « Écrire une anagramme », « Résoudre une anagramme »

Travailler avec les mots et la capacité de sortir des sentiers battus. Jeu "Nouveau personnage dans un vieux conte de fées"

Croquis de scène pour l'imagination : « Récitation insolite », « Hymne insolite »

Maîtriser les tâches scéniques proposées. Jeu "Vidéo publicitaire"

Maîtriser les tâches scéniques proposées. Jeu "Festival d'une chanson"

Maîtriser les circonstances proposées. Jeu "Genres de films"

Maîtriser l'espace scénique. Jeux "Onomatopées"

Travailler sur l'image. Jeu "Entrez dans la peau du personnage".

Rythmoplastie (10 heures)

Entraînement des mouvements rythmiques. Jeux "Démarche", "Transformation"

Améliorer la posture et la démarche. Jeu de rythme "Je bouge correctement"

Développement de l'imagination et de la capacité à travailler avec un dessin net (« dans un masque »). Jeux « Masques », « Animation d'objets », « Imitation », « Ombres »

Exercices plastiques « Gymnastique industrielle », « Musculation »

Travailler sur l'image. Analyse des expressions faciales. Coiffures et perruques. Jeux « Rencontres », « Miroir »

Développement des capacités d'observation. Croquis de scène « Deux choses à la fois », « Les affres de la créativité ».

Formation théâtrale. Jeux « Ingénieur du son », « Directeur de théâtre »

Jouer avec les éléments du costume. Jeu « Entrez dans la peau du personnage »

Imitation du comportement animal. Jeu "Grands Dompteurs"

Travail sur la coordination des mouvements. Jeu "File d'attente". Exercices pour développer la flexibilité

Pièce de théâtre (39 heures)

Connaissance du scénario des contes de fées "Kolobok", "Teremok", "Golden Key". Échange d'impressions.

Récit pour enfants de l'intrigue des pièces de théâtre afin d'identifier le thème principal, les principaux événements et essence sémantique affrontements de héros.

La répartition des rôles prend en compte les souhaits des jeunes artistes et la conformité de chacun d'eux au rôle choisi (caractéristiques externes, diction). Lecture expressive de contes de fées basée sur les rôles. Division en passages logiques.

Discussion sur les décors, les costumes, les effets de scène, l'accompagnement musical.

Discussion des circonstances proposées, caractéristiques du comportement de chaque personnage sur scène.Travailler l'image discussion sur les héros, leurs personnages, leur apparence.

Reproduction d'événements individuels et d'épisodes en action.

Pratiquer des rôles. Travail sur les expressions faciales lors du dialogue, stress logique.

Pratiquer des rôles. Travail sur les expressions faciales lors du dialogue, stress logique.

Formation individuelle des principaux interprètes

Sélection de musique. Apprendre des chants et des danses

Réalisation collective de décors et de costumes.

Répétition de la pièce "Kolobok"

Première de la pièce

Célébration de la première représentation. Analyse du discours.

Répétition de la pièce "Teremok"

Répétition générale. Scénographie.

Préparation des affiches, programmes, billets, préparation et vérification du design

Première de la pièce

Analyse du discours.

Répétition de la pièce "Clé d'or"

Répétition générale. Scénographie.

Préparation des affiches, programmes, billets, préparation et vérification du design

Première de la pièce

Analyse du discours.

Les références

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