Le document accompagne une personne dès les premières minutes de sa vie. Il s’agit d’une invention humaine unique, qui permet d’enregistrer toutes les connaissances accumulées par l’humanité (pensées) sur un support matériel. Le document couvre toutes les sphères de la vie, leur est obligatoire et remplit les fonctions les plus importantes - sociales, juridiques, financières, culturelles, etc. La théorie générale du document, qui examine les questions clés - les caractéristiques, les propriétés, les composants, les fonctions de tout document, représente la documentologie.

Le programme de théâtre est considéré comme un type de document conforme aux principes théoriques exposés en détail dans l'ouvrage de Yuri Nikolaevich Stolyarov « Documentologie : un manuel ».

Composantes du programme de théâtre

Toute science fonctionne avec un grand nombre d'objets étudiés et doit donc organiser ces objets, c'est-à-dire en classement. La documentologie ne fait pas exception, d'autant plus que, sur la base de la définition du concept « document », elle traite d'un ensemble infini de données qui nécessitent une classification selon des caractéristiques spécifiques - des composants.

Chaque document dans la gestion documentaire est considéré dans la totalité des composants suivants :

Nominatif;

Sémantique;

Signatif ;

Syntaxique ;

Perceptuel ;

Temporel;

Matériel;

Pragmatique.

L'un des éléments les plus importants du document est nominatif- du latin nomina - nom, titre. Le terme « programme » est constitué des mots grecs : pro - avant et grapho - j'écris. J'écris d'abord sur ce qui doit être joué dans un concert, une pièce de théâtre, un ballet, en d'autres termes, une annonce. Un programme théâtral contient un enregistrement d'une action qui se déroulera dans un théâtre. C'est une sorte de guide pour le spectateur qui vient au théâtre.

La composante nominative est étroitement liée à sémantique, qui exprime l'essence informationnelle du document. Sémantique (du grec ancien σημαντικός - sens) - une branche de la linguistique qui étudie sens sémantique unités de langage. Pourquoi le programme de théâtre a été créé et quelles informations il contient - la réponse à ces questions est précisément liée à la composante sémantique. Depuis sa création, le programme du théâtre contient des informations sur la représentation : quand et où aura lieu l'événement spécifié dans le programme. Le programme était un intermédiaire entre les acteurs et le spectateur ; son contenu consistait en des informations sur l'auteur, le metteur en scène, le scénographe, l'artiste et les acteurs créant le spectacle.

Par rapport à un programme théâtral, on peut dire que sa signification sémantique réside dans l'annonce et la désignation nominative des composantes de l'action théâtrale. De ce point de vue, la composante sémantique du programme théâtral fait écho à la composante nominative, qui signifie aussi annonce.

Le programme traditionnel d'une pièce dramatique est un dépliant ou un petit livret et contient le titre de la pièce et le nom de son auteur ; le nom du directeur artistique du théâtre ; noms de famille de l'équipe de production de la pièce - metteur en scène, artiste, compositeur, directeur de danse, metteur en scène, éclairagiste, assistant metteur en scène ou artiste, etc. Si le spectacle utilise des aides visuelles spéciales (masques, marionnettes, maquillage spécial, performances vocales, astuces, etc.), alors le programme inclut des informations sur leurs auteurs. Ce qui suit répertorie tous les personnages de la pièce et les interprètes. Tous les noms des auteurs de la pièce et des acteurs sont accompagnés de leurs titres et titres (par exemple, « Artiste national RSFSR", "Lauréat du Prix d'Etat", etc.). Le programme se termine par le nom du directeur adjoint - la personne responsable de l'exécution technique du spectacle.

Le programme peut également inclure des informations supplémentaires : date de première ; noms des ouvriers du théâtre occupant des postes clés (décorateur en chef, directeur général adjoint du répertoire, chef de troupe, chef du département musical, chef du département de production ; chef des services techniques : montage, costumes, accessoires, loge, etc. ); des informations sur le nombre d'actes et la durée de la représentation, de brèves informations sur l'histoire du théâtre, l'histoire de la production de cette pièce, etc. Les programmes illustrés peuvent être accompagnés de photographies ou de dessins (esquisses de costumes, de décors, etc.).

Les programmes des représentations de ballet et d'opéra comprennent un livret - un bref résumé de la représentation. Les programmes des spectacles de cirque et des concerts contiennent les noms du groupe de production de l'ensemble de l'action scénique, une liste de numéros et les noms des artistes (indiquant leurs grades et titres).

Considérant le programme de théâtre dans les principaux aspects de la composante sémantique, il convient de noter que du point de vue du contenu, le programme de théâtre représente le domaine de l'art théâtral, et plus étroitement le thème de la représentation (par exemple : histoire, guerre, amour); du point de vue de la finalité recherchée - empathie esthétique ; du point de vue de la destination du public, il est destiné au public venu au théâtre.

Le programme théâtral est donc un texte écrit, selon Signatif Composant (signe), il fait référence à un document iconographique symbolique, puisqu'il contient des symboles - des lettres. Le texte du programme peut être écrit dans différentes langues, c'est-à-dire différents systèmes de signalisation sont utilisés en parallèle. Ainsi, dans les programmes de théâtre modernes, le texte peut être en russe et Langues anglaises. Au XVIIIe siècle, les programmes de spectacles impliquant des troupes en tournée contenaient des textes en russe et en italien ou en allemand, selon la troupe.

DANS milieu du 19ème siècle, de nouveaux signes symboliques apparaissent dans le programme - les théâtres professionnels apposent sur les programmes leurs emblèmes, qui sont des symboles du théâtre. Aujourd'hui, les programmes théâtraux de tous les théâtres et salles de concert contiennent leurs propres emblèmes et sont conçus à leur manière. Schéma de couleur. Ainsi, les programmes du Théâtre Bolchoï sont de couleur ivoire, Opéra Mariinsky imprime les programmes vert clair, Théâtre musical eux. Stanislavsky et Nemirovich-Danchenko - blanc et bleu, etc. Certains programmes de théâtre ont le même design de couverture pour toutes leurs représentations ( Grand Théâtre, Théâtre musical du nom. Stanislavsky et Nemirovich-Danchenko, Théâtre d'art Tchekhov de Moscou). D'autres impriment leur propre couverture pour chaque représentation, thématiquement liée au contenu de la représentation. Dans le premier cas, le programme peut être considéré comme un symbole du théâtre, dans le second, comme un symbole du spectacle.

Tout document est créé dans le but de transmettre les informations qui y sont présentées dans l'espace et dans le temps. Le programme théâtral s'adresse au spectateur et, du point de vue de la perception du spectateur - perceptuel composant - fait référence à l'anthropodocument. Le système de signes, à l'aide duquel les informations sont enregistrées dans le programme, a été créé par une personne et est reconnu par une personne. Pour reconnaître les signes, une personne utilise la vision, ce qui permet de classer un programme théâtral comme document vidéo. Cependant, avec le développement de la technologie informatique, un programme théâtral électronique apparaît - un document électronique ou un document technique, contrairement à un programme non électronique. Ces types de programmes théâtraux sont publiés sur les sites Web des théâtres ; ils constituent une version électronique grandement simplifiée d’un programme non électronique. Le programme électronique est absolument dépourvu de fonction esthétique et artistique, ne contenant que des informations sur les personnages et les interprètes.

Syntaxique(du mot grec « syntaxe » - composition, construction, ordre) le composant du document détermine sa construction, la position relative de ses composants.

Au début du XXe siècle, le programme théâtral avait acquis une forme établie de construction de textes, utilisée dans tous les théâtres et salles de concert. Cette forme est étroitement liée à la composante sémantique et exprime directement le contenu du document. Le nom du programme est généralement mis en évidence dans une police inhabituelle et se trouve sur la première page. Cela peut être appelé la page de titre d'un programme de théâtre. Par analogie avec le titre d'un livre, le lieu de présentation et l'année de publication sont indiqués en bas du programme. Le nom de l'organisation du théâtre ou du concert est indiqué dans les données d'en-tête et l'emblème est placé. Sur la diffusion du programme (deuxième et troisième pages), les personnages et interprètes sont indiqués sur deux colonnes. Cette partie du programme est inchangée pour tous types de représentations spectaculaires - Théâtre dramatique, ballet, opéra, spectacle de cirque, concert de musique classique ou pop, etc. Si le programme est complété par des informations sur le réalisateur, les acteurs et l'histoire de la production, ces informations se trouvent après la liste des personnages. dernière page le programme contient des données de diffusion - diffusion, impression ; au cours de la dernière décennie du 20e siècle, des indications sur les sponsors du théâtre ou de la production sont apparues.

En fonction du contenu performance théatrale Le programme théâtral diffère par la forme de présentation des informations : couleur, caractère illustratif du programme, utilisation de polices différentes. Programme pour l'interprétation de la Sixième Symphonie de Dmitri Chostakovitch à Léningrad assiégée(Fig. 1) se distingue par son exécution stricte - une police claire en noir et blanc sur une feuille blanche du programme est lue comme un symbole de la persévérance et du courage des Léningradiens pendant la guerre. Les illustrations sont inutiles ici, sur la page de titre il n'y a qu'une dédicace à D. Chostakovitch ville natale- Léningrad. La composante syntaxique du programme du concert transmet le contenu musique jouée, exprimant ainsi un lien étroit avec la composante sémantique.

Fig. 1. Programme pour l'exécution de la Sixième Symphonie de Dmitri Chostakovitch à Leningrad assiégée

Le programme des représentations du Théâtre académique russe a un caractère complètement différent. Théâtre de la jeunesse"Le yin et le yang." Il est tout en couleur, réalisé dans la tradition du graphisme oriental (Fig. 2). Le style de police rappelle les hiéroglyphes, introduisant le spectateur avant même le début de l'action dans l'atmosphère du spectacle, dans lequel l'intrigue se construit autour d'une relique chinoise.

Riz. 2. Programme du spectacle RAMT "Yin et Yang"

Les programmes théâtraux pour chaque représentation du Théâtre académique russe de la jeunesse - RAMT (Fig. 3) sont uniques dans leur conception (composante syntaxique) et reflètent le contenu (composante sémantique) de la représentation. Ainsi, dans la pièce « A Draw Lasts a Moment », une partie d'échecs dans un ghetto letton entre un prisonnier et un gardien place le héros devant un choix : gagner et rester en vie, mais tous les enfants seront détruits, ou perdre. et mourir en sauvant les enfants. Le programme est réalisé sous la forme échiquier, le long duquel est passée une fissure, déplaçant les carrés noirs - c'est ainsi que la vie des gens se retrouve dans une faille. Au programme de la pièce « Portrait » basée sur l'œuvre de Nikolai Vasilyevich Gogol, nous voyons des cadres luxueux et l'ensemble du spectacle est construit à l'aide d'un cadre dans lequel le héros s'enferme de différentes manières tout au long de l'action. Le programme de la pièce "Le Suicide" de Nikolai Erdman est réalisé dans une palette de couleurs différente, symbolisant la lutte du petit homme avec lui-même et la tentative de sortir du cercle vicieux dans lequel il s'est enfoncé - des doigts noirs pointés sur le programme enferment le figure courbée en cercle.

Figure 3. Programmes pour les performances RAMT

Le Théâtre de musique et de poésie, dirigé par Elena Kamburova, a utilisé le tableau « Le Pont de l'âne » de Niko Pirosmani pour créer l'atmosphère du spectacle basé sur les chansons de Boulat Okudjava (Fig. 4). Le spectateur ressent l'arôme de la Géorgie et entend des chansons géorgiennes avant même le début du spectacle, rien qu'en regardant le programme. On peut dire que la composante synactive du programme (conception) à travers la composante perceptuelle (vision, audition interne, odorat) transmet le contenu au spectateur - la composante sémantique.

Figure 4. Programme de la pièce "Drops of the Danish King" du Théâtre de Musique et de Poésie sous la direction de E. Kamburova

La composante temporelle caractérise le programme théâtral au sens temporel. Il vous permet d'enregistrer des informations sur un événement spécifique survenu dans heure exacte dans un endroit précis. Lors d'une représentation théâtrale, le programme fournit au spectateur les informations nécessaires au spectateur et l'intéressant spécifiquement dans ce moment. Dans ce cas, le programme est un document pertinent pour le téléspectateur. Cependant, après la fin de la représentation, le programme perd de sa pertinence, puisque le spectateur n'a plus besoin de guide, puisque le chemin est déjà parcouru. On pourrait dire que la programmation du théâtre devient obsolète le jour de son anniversaire. D'autre part, le programme théâtral acquiert une fonction historique et mémorielle - il reflète le fait de la représentation ou du concert qui a eu lieu, ce qui constitue une information inestimable pour les historiens du théâtre.

Il n'y a pas de modèle strict dans l'exécution des représentations théâtrales, c'est pourquoi le programme de théâtre est un document sporadique qui est publié selon les besoins et n'a pas de périodicité claire.

Tous les composants ci-dessus reflètent l'essence d'un programme théâtral du point de vue de l'information et déterminent sa fonction informationnelle. Selon la définition de la notion de « document », ces informations doivent être enregistrées sur un support tangible, il faut donc considérer matériel composante du programme de théâtre.

Le matériel utilisé pour le programme de théâtre est principalement le papier du plus différents types. Il peut s'agir de papier fin mat ou brillant, de carton fin - mat ou brillant, ou verni. À la fin du XVIIIe siècle, les copistes de théâtre peignaient sur soie des programmes avec écriture calligraphique pour les membres de la famille impériale, ce qui illustre la Troisième Loi de la Documentologie sur la conjugaison de l'information et des médias, la capacité de placer la même information sur des supports différents.

Selon la forme de conception, les programmes peuvent être implémentés dans différentes versions. En règle générale, une feuille de diplôme est utilisée. Mais il peut aussi y avoir des formes structurelles complexes non standard. Ainsi, RAMT pour la pièce « Fleurs pour Algernon » a réalisé un programme de taille asymétrique non standard avec une découpe - Fig. 5. La composante syntaxique de ce programme est également inhabituelle : le texte est déchiré en plusieurs parties et situé dans des directions différentes.

Riz. 5. Programme de la pièce "Fleurs pour Algernon" RAMT

Le théâtre qui porte leur nom a également utilisé une conception non standard. Vakhtangov pour la pièce « Le rivage des femmes ». La pièce raconte en langage plastique le sort des femmes pendant la guerre. L'histoire de chaque héroïne est racontée par les chansons de Marlene Dietrich, dans le découpage du programme on voit sa photographie (Fig. 6).

Riz. 6. Programme de la pièce "Le Rivage des Femmes" du Théâtre. Vakhtangov

Au théâtre. Vakhtangov a une solution très intéressante pour le programme de la pièce basée sur le roman « Eugène Onéguine » de Pouchkine (Fig. 7), qui utilise un motif de pied. Le programme est réalisé sous la forme d'une enveloppe postale, dans laquelle est jointe une lettre de Tatiana et Cartes de visite tous les caractères indiquant les interprètes. La lettre de Tatiana a été réalisée en utilisant le motif de l'harmonica. L'enveloppe postale remplit la fonction titre de page- on voit l'emblème du théâtre, le nom du théâtre et le nom du spectacle. La stylistique du texte utilisée dans le programme (composante syntaxique) nous renvoie au XIXe siècle, à l'époque d'A.S. Pouchkine.

Figure 7. Programmes de la pièce basée sur le roman d'A.S. Pouchkine "Eugène Onéguine"

Ainsi, quatre modèles sont utilisés dans un programme - une enveloppe sert de couverture, les personnages et les interprètes sont indiqués sur des cartes de visite, c'est-à-dire une feuille, ensemble ils forment un pied, et pour un extrait du roman (lettre de Tatiana) un harmonica est utilisé.

L’une des méthodes efficaces de conception de documents est la réduction. Programme de théâtre. Vakhtangov pour la pièce «Crazy Day, ou Les Noces de Figaro» utilise cette méthode en plaçant le profil du fondateur du théâtre Evgeny Vakhtangov sur la première page de la couverture (Fig. 8).

Figure 8. Programme de théâtre. Vakhtangov pour la pièce "Crazy Day ou Les Noces de Figaro"

Pragmatique la composante du document est liée à son existence dans l'environnement externe, indiquant la relation du document avec des facteurs qui lui sont externes. Le programme du théâtre pour le spectateur qui vient au théâtre est un document précieux qui contient les informations requises à l'heure actuelle. À cet égard, le programme est intrinsèquement pertinent, car il contient des informations sur une performance spécifique. En revanche, si la représentation n'est pas une première, c'est-à-dire qu'elle a déjà eu lieu plus tôt, alors il n'y a aucune nouveauté dans le programme. Par sa portée, un programme de théâtre peut être considéré comme un document artistique et informatif ayant une signification esthétique. Selon la forme de propriété, un programme de théâtre peut être privé (s'il appartient à la collection d'un particulier) ou collectif (s'il appartient à la collection d'un musée). Selon le mode d'accès, le programme a un accès illimité ; tout spectateur venant au théâtre peut l'acheter.

Evolution de la programmation théâtrale

La programmation théâtrale a traversé toutes les étapes d'évolution caractéristiques de tout autre document.

Le prototype du programme théâtral - les annonces orales - existait à l'époque pré-alphabétisée. Avec l’avènement de l’écriture Ancien monde le programme théâtral acquiert le caractère d'annonces écrites et dessinées. Développement ultérieur de l'écriture et émergence presse d'imprimerieÀ l'époque de Gutenberg, la prochaine étape de développement a été marquée : l'émergence d'un programme de polices imprimées. L'amélioration des technologies d'impression, l'invention de la gravure sur bois et de la chromolithographie ont permis de créer des programmes théâtraux illustrés, ce qui a conduit au fil du temps à la manifestation d'une fonction largement artistique dans ce document. Dans le même temps, la fonction d'information du programme théâtral restait la principale tant pour le participant direct à la représentation théâtrale que pour générations suivantes spectateurs. Pour le premier, il s'agissait d'un document d'actualité, tandis que pour le second, la fonction historique prenait le dessus, permettant d'étudier et de comprendre l'histoire du développement de l'art théâtral.

Le développement de la technologie informatique a conduit à l'émergence d'un programme de théâtre - document électronique. Ce type de programme perd complètement sa fonction artistique, la durée de vie d'un tel document est réduite à plusieurs jours, puisque le lendemain de la représentation le document disparaît du support électronique - le site Internet du théâtre. La composante informationnelle, ainsi que la composante artistique, ne subsistent que dans la version non électronique du programme.

Au fil du temps, la fonction mémorielle du programme théâtral devient de plus en plus importante et il devient un document muséal, un objet de collection. Des collections de ces documents sont conservées dans les musées d'art théâtral, en particulier au Musée central du théâtre d'État du nom. A. A. Bakhrushin à Moscou et à Saint-Pétersbourg musée d'état arts théâtraux et musicaux.

Le programme théâtral est présenté dans les collections de la Bibliothèque d'État de Russie, de la Bibliothèque nationale de Russie, de la Bibliothèque nationale de Russie. bibliothèque d'État l’art, malheureusement, est très insignifiant. Il s'agit de programmes théâtraux de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Les programmes ultérieurs qui présentent un intérêt du point de vue des composantes synactive (performance artistique) et sémantique (répertoire théâtral, acteurs) n'attirent pas à juste titre l'attention des services d'acquisition des bibliothèques, privant ainsi le lecteur de la possibilité d'étudier l'histoire de la théâtre.

Bibliographie

1. Stolyarov Yu.N. Documentologie : manuel / Yu.N. Stoliarov ; Université d'État de la culture et des arts de Moscou ; Orlovski institut d'état Arts et culture. - Orel : Horizon, 2013.-370 p.

A propos de l'auteur

Elena Ottovna Zakharyants, étudiante au VBC,

Le processus de création de votre propre pièce est très excitant, mais il est beaucoup plus difficile de faire une profonde impression sur le public et de garantir que votre création reste gravée dans sa mémoire pendant longtemps, ce qui rend encore plus tentant d'essayer d'obtenir un tel impact. Même si le spectacle a vraiment impressionné le public, vous devez lui faire comprendre vraiment tout ce qui se passe sur scène et, bien sûr, lui laisser quelque chose de mémorable à propos de la soirée. Le programme théâtral est exactement ce dont vous avez besoin. Ils ont une influence colossale sur les amateurs de théâtre. Il n'est pas difficile de créer vos propres programmes, mais pour le public, ils divertiront pendant la représentation et, après la représentation, ils resteront de jolis souvenirs de la pièce. Ensuite, je vais vous présenter une histoire étape par étape sur la façon de créer vous-même un programme de théâtre.

Pas

Recueillez toutes les informations nécessaires. Sans les informations nécessaires, vous n'obtiendrez que des pages de conception vides, pas un programme. De quelles informations avons-nous besoin ?

• Qui joue quel rôle
• Qui faut-il remercier pour son aide dans l’organisation du spectacle ?
• Qui est le metteur en scène de la pièce
• Qui est l'auteur de la pièce
• (Si nécessaire) Qui a écrit la musique de la pièce
• (Si nécessaire) Qui est le chef d’orchestre ?
• Où et quand auront lieu les représentations ?
• Qui présentera la pièce au public ?

1. Idée de génie. Chaque pièce a un thème. Selon qu'il s'agisse d'un western, d'un roman policier, ou d'une révélation sur la vie téméraire des hippies ou des stars, c'est le thème de la pièce qui deviendra le point de départ lors de la création de votre programme. (Au fur et à mesure que l'histoire avance, je donnerai des exemples tirés de mon propre développement de conception.)

   Choisissez un modèle. Convient à la plupart des pièces de théâtre hors Broadway programme de théâtre avec un design simple. En règle générale, il s'agit d'une brochure de 4 pages pliées et posées sur une feuille de papier glacé. D'un côté de la feuille il y aura des couvertures - recto et verso, qui deviendront les faces extérieures du programme, de l'autre il y aura des remerciements et une liste des acteurs participant à la pièce. Cette face deviendra le contenu du programme et sera située à l'intérieur. Cette version du programme sera une excellente solution si vous disposez d'un budget modeste. Si votre budget le permet et que vous souhaitez fournir plus d'informations sur les performances, vous pouvez ajouter le nombre de pages requis à votre discrétion. (En attendant, je vais vous présenter à titre d’exemple un design plutôt simple et sans prétention.)

2. Les problèmes de Down and Out ont commencé. Il est plus facile de commencer si vous avez une tonne d'idées, mais ce n'est pas le cas pour vous, et vous aimeriez commencer par la page la plus simple et la plus facile à créer afin de mieux comprendre et ressentir le processus d'élaboration de votre propres pensées originales. Une telle page peut servir de quatrième face de la couverture, également appelée page d'autographes.

   • Alors ouvre-le Programme d'ordinateur en graphisme. (ex : GIMP, Photoshop, PaintShop, etc.) et créez nouvelle page avec paramètres : 612(largeur) x 792(hauteur). Ce taille standard feuille typographique convertie en pixels. Assurez-vous que l'arrière-plan de la page est défini sur blanc.
   • Vous avez besoin d’un projet de conception simple, compact et peu encombrant à placer en bas de page. Ouvrez un nouveau calque et rendez-le transparent. Cela vous permettra d'enregistrer facilement les modifications pendant que vous travaillez.
   • Choisissez un arrière-plan. N'importe quelle couleur fonctionnera pour l'arrière-plan, mais si vous souhaitez un aspect 3D, vous devrez augmenter l'ombrage à 70 %. Une telle image ne fera pas mal aux yeux et sera plus attrayante et esthétique.
   • Texte. Vous aimeriez utiliser une belle police originale, et non, disons, la familière Arial, mais en même temps elle reste très lisible et non intrusive. Consultez les conseils des sites proposant des téléchargements gratuits de modèles de texte (totalement sécurisés). Votre programme créera automatiquement un nouveau niveau de texte, mais pour ce faire, vous devez d'abord y saisir ce texte. Le texte doit être volumineux, mais ne pas occuper trop de place, et il doit être placé en haut de la page. Il est supposé que les téléspectateurs peuvent demander aux acteurs de leur laisser un autographe sur cette page. Autrement dit, il devrait y avoir suffisamment d'espace libre. Si nécessaire, augmentez l'espace entre les lettres jusqu'à ce que le mot « Autographes » remplisse complètement la ligne supérieure sans modifier la taille des lettres. (En augmentant l'espace entre les lettres, vous pouvez augmenter visuellement la largeur des lettres sans changer leur hauteur. Une chose très pratique.)
   • Si vous le souhaitez, vous pouvez écrire en petites lettres au bas du programme « Auteur du dessin : votre nom complet ». Mais certains designers, comme moi, préfèrent ne pas le faire par pudeur.
   • Enregistrez l'image au format du programme que vous utilisez. Par exemple, une image GIMP 2.0 sera convertie au format .xcf. N'ayez pas peur de sauvegarder l'image au format du programme que vous utilisez, vous pourrez la modifier plus tard si nécessaire.
   • Enregistrez à nouveau l'image, cette fois dans le format de votre choix (.jpg, .gif, .png, etc.).
   • Votre première page est prête !

3. Page de diffusion. Sans exagération, c’est l’une des pages les plus difficiles. Au début, il peut vous sembler que tout n'est pas si effrayant, mais c'est une impression trompeuse. Vous pouvez oublier ou confondre le prénom ou le nom d'un acteur ou d'un personnage, ou les épeler incorrectement ou mal orthographier d'autres noms. Certains faits supplémentaires changeront constamment et devront être modifiés, et pendant ce temps, vous devrez essayer de laisser autant d'espace libre que possible sur la page. Soyez attentifs et prudents, mes amis, chaque petite chose et chaque détail est important ici.

   • Faites une liste de tous les acteurs. Vous pouvez vérifier les noms de tous les acteurs impliqués auprès du metteur en scène, de l'assistant réalisateur ou de toute autre personne en charge de la troupe de théâtre. Le plus raisonnable serait de leur demander une liste non seulement avec les noms et prénoms, mais aussi avec une indication rôles joués tout le monde. N'ayez pas peur de vérifier la liste à plusieurs personnes (les erreurs ne sont pas rares).
   • Ouvrez un éditeur graphique. Créez une nouvelle image aux dimensions : 612 x 792. Assurez-vous que l'arrière-plan de l'image est blanc. Créez un nouveau calque transparent.
   • Commençons maintenant à concevoir l'arrière-plan. Cela ne devrait pas être trop tape-à-l'œil, même si vous le souhaitez, car cette page est principalement destinée à présenter le casting aux téléspectateurs et toute l'attention doit être concentrée sur eux. Cependant, si vous décidez de créer un fond coloré attrayant, réduisez l'ombrage afin qu'il ne soit pas plus clair que les lettres elles-mêmes. Maintenant, par exemple, je travaille à l'élaboration d'un programme pour une pièce policière avec un petit casting (18 personnes), et j'ai réalisé une page avec une liste d'acteurs sous forme de journal, au bas de laquelle j'ai placé un extrait d'un article sur la recherche criminel dangereux pour donner au design un sentiment d'authenticité. Lorsque le casting est petit, il y a toujours beaucoup d’espace en bas de la page que vous pouvez remplir avec vos propres idées de conception.
   • Titre. En haut de la page, de préférence sur le côté gauche, ajoutez un titre. Cela peut être simple et sans prétention, comme « mettant en vedette », « personnages », etc. Si vous êtes créatif et que cette approche ne vous convient pas, surtout si le thème de la pièce le permet, combinez le titre avec le thème de la pièce. Par exemple, The Suspects (dans un roman policier), The Gang (dans une pièce sur les hippies), Cowboys (dans un western), Stars (dans une pièce sur les acteurs hollywoodiens). La taille et la police du titre peuvent être les mêmes pour les pages d'autographes et la page de remerciement, les pages paraîtront donc plus harmonieuses, mais il n'est pas du tout nécessaire de respecter cette règle. (Remarque : vous n'aurez probablement pas besoin de recourir à l'astuce d'espacement des lettres ici, car dans ce cas, nous voulons que le texte occupe un peu plus de la moitié de la largeur de la page. Si vous n'êtes pas satisfait de l'espacement des lettres , vous pouvez l'augmenter un peu. Mais attention : pour que le texte du titre ne soit pas placé sur toute la largeur de la page ! Ce point est très important, si le titre est placé dans la largeur de toute la page, il aura l'air un peu étrange.)
   • Passons ensuite au texte sous le titre. Créez un nouveau calque de texte, en plaçant généralement le texte juste au-dessus du milieu de la feuille verticalement ou en descendant sur un quart de la page. Mais ici, le placement du texte est autorisé sur toute la largeur de la page. La taille de la police du texte sera plus petite que celle du titre, et sa couleur sera probablement différente de celle du titre, moins brillante et accrocheuse. Vous pouvez également utiliser une couleur d’arrière-plan différente. Vous pouvez disposer les personnages dans l'ordre dans lequel ils apparaissent dans la pièce ou par ordre alphabétique, le choix vous appartient, mais dans tous les cas, ils doivent être disposés dans un ordre significatif. Consultez également les conseils pour modifier le texte de la page de diffusion.
   • Il est maintenant temps d'ajouter les noms des acteurs. Sélectionnez l'alignement à gauche et faites un petit retrait à partir de la bordure supérieure de la page pour positionner le texte. Énumérez tous les noms des personnages de la pièce, en écrivant chacun sur une ligne distincte. Et si vous décidez de placer chaque personnage en face du nom de famille de l'acteur jouant son rôle, vous devrez alors créer un autre calque de texte. Essayez d'arranger le texte de manière à ce que le nom d'un personnage et de l'acteur jouant son rôle tiennent sur une seule ligne (vous pouvez formater ce paramètre à l'aide de la fonction supplémentaire en l'ajoutant ou en le supprimant) ; si le texte ne s'ajuste toujours pas correctement, alignez-le au centre et non à gauche.
   • Si vous écrivez les noms des acteurs à côté des personnages de la pièce sans tirets ni points ni autres caractères de connexion, vous devrez créer un nouveau calque après la liste des personnages. Le nouveau calque doit commencer là où vous avez commencé le calque précédent. Placez-le près du centre afin de disposer de suffisamment d'espace pour écrire des noms longs. Alignez à droite. Écrivez ensuite les noms des acteurs à côté des personnages qu'ils incarnent.
   • Vérifiez la page. Examinez la page pour vous assurer qu'il n'y a pas de fautes d'orthographe, puis relisez-la en vérifiant mot par mot. Vérifiez ensuite que tous les personnages sont répertoriés, puis vérifiez à nouveau que tous les acteurs sont représentés. Comparez la page de distribution résultante avec la vignette de la page et faites de même avec la liste des personnages. Cette vérification peut paraître trop approfondie, mais elle doit être effectuée. J'ai eu un cas où j'ai vérifié et revérifié cette page plusieurs fois et j'étais sûr que tout allait bien. Et puis il s'est avéré que j'avais complètement oublié de mentionner un héros de la pièce.
   • Enregistrez la page dans un format de programme (par exemple, GIMP – .xcf).
   • Enregistrez à nouveau la page au format souhaité (.jpg, .gif, .png, etc.).
   • Imprimez la page du casting et montrez-la à plusieurs personnes impliquées dans la production. Après cela, demandez à toute la troupe de vérifier votre liste d'acteurs. Les acteurs sont plus susceptibles de remarquer une erreur ou une lettre manquante dans les noms des personnages, leur nom ou prénom, les noms de leurs collègues.
   • Si tout est en ordre et qu'il n'y a aucune erreur, la page de casting est prête !

4. Page de remerciement. La plupart de Le travail de création du programme est déjà terminé. Il ne reste plus qu'à terminer la conception interne - remplir la page avec une expression d'appréciation et de gratitude.

   • Tout d’abord, décidez qui vous souhaitez remercier. Habituellement, ils remercient les acteurs, chorégraphes, personnel technique, le metteur en scène et son assistant, le théâtre sur scène où se déroule la représentation, les propriétaires du bâtiment où se sont déroulées les répétitions (parfois il s'agit du même théâtre où se déroule la représentation) et, enfin, le public qui est venu voir le spectacle. Vous pourrez apporter quelques modifications à la liste des personnes que vous remercierez, en fonction de votre cas particulier. Mais vous le devez aux acteurs et (le cas échéant) à la direction de l’entreprise. Il faut absolument remercier les personnes qui ont décidé des aspects techniques de l'organisation de la production et installé les appareils et autres équipements, ainsi que les décorateurs. Bien entendu, le metteur en scène de la pièce, et les autres personnes travaillant avec lui dans l'équipe (assistant metteur en scène, directeur de production, etc.) Les personnes qui ont mis à disposition de la troupe un espace de répétition, et la direction du théâtre où se joue la pièce, ainsi que ainsi que les costumiers ou les personnes qui vous ont fourni les costumes. S'il s'agit d'une comédie musicale, il faut exprimer sa gratitude aux chorégraphes, metteurs en scène et compositeur. Et enfin, au public, car sans sa participation, la pièce n’aurait pas eu lieu non plus. Qu'est-ce qu'un spectacle sans public ?
   • Ouvrez un éditeur graphique et créez Nouveau dessin avec des dimensions : 612 x 792. Définissez un fond blanc et créez un nouveau calque transparent.
   • Créez un calque de texte. Si vous souhaitez que l'ensemble du programme soit à peu près identique, choisissez la même police et la même taille que sur les pages précédentes (autographes et liste des acteurs). Cependant, cela n’est pas du tout nécessaire. Créez une ligne en haut de la page. Ce que vous écrivez est entièrement à votre discrétion, mais dans tous les cas, votre texte devrait ressembler à ceci : « Merci... », « Nous souhaitons exprimer notre gratitude à... » ou « Nous exprimons notre gratitude à. ..", etc. Assurez-vous que le texte est justifié et que vous souhaitez qu'il remplisse la page d'un bord à l'autre.
   • Ajout de remerciements. Votre texte doit être simple et facile à lire et ne pas dépasser une page. Assurez-vous que le programme n'ajoute pas de nouveau calque lorsque vous ajoutez du texte, afin de ne pas finir par créer un nouveau calque avant d'ajouter du texte.
   • Créez un nouveau calque transparent. Il restera probablement encore de l'espace libre sous les remerciements. Si tel est le cas, il n’y a pas de quoi s’inquiéter. Concevez l’image et placez-la sous le texte. Réduisez l’ombrage à 70 % pour rendre la vue plus agréable à l’œil.
   • S'il ne reste plus d'espace libre en dessous, vous devrez revenir au premier calque créé au tout début. (Non, ce n'est pas une faute de frappe, due à l'habitude de taper les mots « ajouter un nouveau calque transparent ». Il y a des raisons à cela.) Les méthodes de retour au calque précédent dans différents programmes peuvent différer, mais nous espérons que vous avoir une bonne compréhension du programme graphique avec lequel vous avez choisi de travailler, nous dirons donc simplement que nous devons passer à la couche précédente. Si vous travaillez dans un programme comme GIMP, vous devrez descendre jusqu'à la couche inférieure, puis remonter dans le texte. Dans ce programme, vous pouvez modifier le design sans fermer la fenêtre avec le texte que vous tapez.
   • Développement de conception. Le design doit être en résonance avec le thème de la pièce. Par exemple, les clowns au programme d'une pièce dédiée aux pirates auront l'air ridicules. Réglez le niveau d'ombrage à votre convenance. N'oubliez pas que le texte doit se démarquer du contexte général.
   • Enregistrez la page actuelle au format dans lequel fonctionne votre programme d'édition (par exemple, pour GIMP, il s'agit de .xcf).
   • Enregistrez ensuite à nouveau la page au format souhaité (.jpg, .gif, .png, etc.).
   • La page de remerciement est complète !

5. Première page de garde. La partie la plus difficile du processus de création d’une conception de programme est peut-être la première page de couverture. La page de casting n'est pas simple, mais après de nombreuses vérifications et modifications, sa création est gérable. Mais pour développer la première page, il faut de la créativité et un goût artistique, ce qui peut devenir une sorte d'obstacle et créer une complexité supplémentaire. Cependant, si les défis vous rendent simplement plus enthousiaste, alors ce n'est pas grave.

   • Revoyez le sujet à nouveau. Qu'est-ce qui pourrait être pertinent pour ce sujet ? Par exemple, vous développez un programme pour un détective. Qu'est-ce qui pourrait être lié à cela ? Faites une liste de tout ce qui est directement lié à l'intrigue de la pièce policière. Tout d’abord, réfléchissez et notez tout ce qui vous vient à l’esprit. Par exemple, comment je vais le faire maintenant, je vais l'écrire sur papier les mots suivants– ville, description d'une affaire pénale, police, appareil photo, chapeau de feutre, journaux. Pensez-vous que je pourrais ajouter le mot vache à cette liste apparemment absurde ? Mais non. La première page de la couverture doit refléter l'essence de la pièce, et la vache ne laissera pas croire au public que la pièce sera un roman policier.
   • Ouvrez un programme graphique. Créez une nouvelle image de taille : 612 x 792. Sélectionnez un fond blanc et créez un nouveau calque transparent.
   • Conception. Vous êtes donc inspiré par le sujet et êtes prêt à faire preuve de créativité en créant la couverture. Ne tardez pas, mettez-vous immédiatement au travail. Le design de la couverture doit être sophistiqué, beau et mémorable. Laissez-le être accrocheur et époustouflant à la fois ! Ici, vous pouvez entièrement compter sur votre vision et vos goûts artistiques. Je ne vous apprendrai pas comment faire ça. Vous pouvez demander conseil à un ami, si vous le souhaitez, ce n’est pas mal si c’est un artiste. La seule chose est de ne pas oublier de laisser un peu d'espace libre pour les informations nécessaires.
   • Créez un nouveau calque de texte. Vous devez créer un titre tout de suite. Sur toute couverture, il y a toujours un titre, et contrairement aux pages précédentes, il ne doit pas nécessairement être situé en haut. Le texte du titre doit être grand, gras et certainement attirer l'attention. Après tout, c'est le titre de la pièce ! Cela devrait être le mot le plus frappant de tout le programme.
   • Créez un nouveau calque de texte. Nous y ajouterons également les informations nécessaires. Ici, l'arrière-plan doit être beaucoup plus simple que sur toutes les pages précédentes et la police doit être plus petite que les titres. Le nouveau calque contiendra les informations suivantes : "Réalisateur...", "Scénariste...", "Avec...".
   • Vous devrez peut-être également placer ici des informations supplémentaires sur la représentation, par exemple, telles que la date et l'heure de la représentation, ainsi que le nom du théâtre où elle aura lieu. Vous devriez probablement discuter de ces points avec un membre de la direction impliqué dans la réalisation de la représentation si vous pensez qu'il serait préférable que ces données ne soient pas publiées sur la couverture. Puisqu’il s’agit d’un programme, ces informations ne sont pas du tout nécessaires.
   • Enregistrez la page au format du programme éditeur (Par exemple, GIMP - .xcf).
   • Enregistrez à nouveau la page au format souhaité (.jpg, .gif, .png, etc.).
   • Et bien, la couverture est prête !
6. Si vous utilisez des images d’archives : utilisez Getty Images. C'est un moyen sûr d'obtenir des images bonne qualité. Vous pouvez bien sûr vous contenter de voler des images protégées par le droit d’auteur. Mais il est beaucoup plus intelligent et sûr d’utiliser une application spéciale telle que Getty Images. (Remarque : Google ne bloque pas les images empruntées à d’autres sites. N’espérez pas.)
7. Une petite superstition de ma part : ne dites pas « page de casting » avant le début de la pièce.
8. Si vous utilisez un titre plus sophistiqué pour une liste d'acteurs et que votre liste n'est pas dans un ordre ou une séquence particulière, vous pouvez toujours noter sous ce titre qu'il s'agit d'une liste d'acteurs ou d'acteurs.
9. Si vous utilisez des pinceaux pour peindre dans l'éditeur : utilisez l'application deviantART. C'est gratuit, absolument sûr et il contient grande quantité pinceaux de qualité. N'oubliez pas de décompresser les pinceaux après les avoir téléchargés dans le dossier des pinceaux de votre programme d'édition. ;]

Avertissements

• Utiliser du matériel protégé par le droit d’auteur sans le consentement de l’auteur est illégal ! L’image époustouflante de votre programme théâtral vaut-elle le risque ?

Faire une affiche est une partie très importante de la préparation d'un spectacle; dans celle-ci, sous une forme concise, vous pouvez dire ce qui attend le public, l'intéresser et, en même temps, l'affiche ne doit pas révéler tous les secrets de l'avenir. performance, ou dissimuler une intrigue.

Vous avez sûrement vu beaucoup d’affiches dans la vie qui vous entoure, certaines vous ont plu, d’autres vous sont passées par là. L'affiche doit être si intéressante que vous ayez envie de la lire, donc l'essentiel dans la création d'une affiche est un contenu soigneusement pensé. Indiquez le nom du spectacle, les noms des acteurs qui y participent et sa brève annonce. Bien entendu, l’affiche doit être suffisamment grande, avec des caractères de grande taille, pour que les informations qui y sont reflétées soient facilement perceptibles. C'est bien si l'affiche représente un fragment du futur spectacle, cela intéressera le public.

De plus, l'heure et le lieu de la future représentation doivent être inscrits sur l'affiche.

Billet gratuit Vous pouvez l'acheter en magasin ou le télécharger sur Internet et l'imprimer, mais il sera bien plus agréable pour vos spectateurs de recevoir une carte postale réalisée de leurs propres mains.

L'invitation doit être conçue de manière à ce que l'invité ait instantanément le sentiment d'un miracle créatif à venir, même si la représentation elle-même n'a lieu que dans deux semaines.

L'invitation doit indiquer le nom et le prénom de l'invité ainsi que le nom du spectacle. Indiquez ensuite la date et le jour exacts de la semaine où le jour férié est prévu, ainsi que l'heure de début du spectacle. Si la personne ne vous a jamais rendu visite auparavant, l'adresse exacte doit être indiquée dans l'invitation. Le carton d'invitation ne peut pas être destiné à une seule personne, mais à toute une équipe - par exemple, Salle de classe ou un groupe de maternelle.
Le carton d'invitation doit être coloré, lumineux, original.

Que restera-t-il au spectateur après la visite, à part les impressions ? Bien sûr, un billet et... Une visite au théâtre commence par un billet et se termine par l'étude du programme.

Bien entendu, la première chose à laquelle vous devez prêter attention est le design. Nous vous recommandons d'utiliser diverses variantes sur le thème d'une feuille A4 standard, pliée en deux ou trois fois dans le sens de la longueur ou de la largeur, réalisée dans une imprimerie, mais parfois vous pouvez proposer quelque chose de plus intéressant.

Il existe plusieurs approches de conception de programmes : une « couverture » standard avec un encart correspondant à une représentation spécifique et des programmes « personnels ».
Tout d'abord - sur les « acteurs et interprètes ». Au fond, tout est clair, sur la forme - plusieurs options sont possibles. Comment cela se fait-il habituellement ? Gauche - " acteur", à droite se trouve "l'interprète" (parfois vice versa), un ou plusieurs, s'il y en a plusieurs, on note lequel joue.
Il y a d'autres points qui peuvent être indiqués dans le programme - la durée de la représentation, l'âge des participants, des informations sur la date de la première. Certaines informations sur les auteurs de la pièce et du spectacle, sur la pièce elle-même, peuvent élargir l'impression du spectacle et même la façonner partiellement.

Vous pouvez également l'inclure dans le programme texte général sur l'école où travaille votre troupe de théâtre, avec des informations sur les nouveaux spectacles (même si souvent il n'y en a qu'un pour l'ensemble année académique). Parfois, des critiques de performances sont incluses dans le programme, ce qui peut constituer une bonne base de discussion.

Note explicative

L’avenir est plus proche de nous que nous ne le pensons. C'est très proche - il pleure, rit, pose des questions, vous fait souffrir, vous réjouir et vivre de manière fructueuse. Cet avenir, ce sont nos enfants...

Ils grandissent vite, mais ils pourront vivre de manière indépendante et fructueuse si nous les aidons aujourd’hui à développer leurs capacités et leurs talents. Les personnes talentueuses constituent la principale richesse de la société. Chaque enfant est talentueux à sa manière. L’art est conçu pour aider à développer cette qualité en lui. Travail d'expression artistique en studio de théâtre, jeu de scène, rencontres avec Gens intéressants, acteurs, visite au théâtre - tout cela contribuera à la formation personnalité créative, expression de soi, acquisition de compétences de comportement public, résolution de conflits caractérologiques, soulagement du stress psychologique.

La pertinence du programme est déterminée par le besoin de la société de développer les qualités morales et esthétiques de la personnalité humaine. C'est par des moyens activités théâtrales il est possible de former une personnalité créatrice socialement active, capable de comprendre Les valeurs humaines, soyez fier des réalisations de la culture et de l'art nationaux, capable de travail créatif et d'écriture.

L'adéquation pédagogique de ce cours pour les étudiants est déterminée par leurs caractéristiques d'âge : intérêts divers, curiosité, passion, initiative. Ce programme est conçu pour étendre potentiel créatif enfant,

enrichissez votre vocabulaire, formez des sentiments moraux et esthétiques

Documents réglementaires assurant la mise en œuvre du programme :

Etat fédéral norme éducative principal enseignement général, approuvé par arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences de la Fédération de Russie du 17 décembre 2010 n° 1897 ;

Le programme éducatif principal de LLC MBOU « Polevskoy Lyceum » ;

Programmes pour la formation d'activités éducatives universelles ;

Arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences de Russie n° 576 du 8 juin 2015"Sur les modifications de la liste fédérale des manuels recommandés pour une utilisation dans la mise en œuvre des manuels accrédités par l'État programmes éducatifs enseignement primaire général, général de base, secondaire général, agréé par arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences Fédération Russe du 31 mars 2014 n°253"

Arrêté du ministère de l'Éducation et des Sciences de la Fédération de Russie (Ministère de l'Éducation et des Sciences de la Russie)du 31 mars 2014 n° 253 Moscou

Recommandations pour équiper les établissements d'enseignement général du matériel de laboratoire d'enseignement et de formation nécessaire à la mise en œuvre de la norme éducative de l'État fédéral pour l'enseignement général de base, l'organisation les activités du projet, modélisation et créativité technique des étudiants (Recommandations du ministère de l'Éducation et des Sciences de la Fédération de Russie du 24 novembre 2011. N° MD-1552/03)

Règles et réglementations sanitaires et épidémiologiques SanPiN 2.4.2.2821-10 « Exigences sanitaires et épidémiologiques pour les conditions et l'organisation de la formation dans les établissements d'enseignement », enregistrées auprès du ministère de la Justice de Russie le 03.03.2011, numéro d'enregistrement 19993.

Objectif : Formation de l'individualité créative des étudiants

Créer une atmosphère émotionnelle favorable à la communication des élèves, à leur expression, à leur réalisation, qui leur permet de « se retrouver », de croire en eux, de vaincre la timidité et la timidité.

Développer les compétences et les capacités de la culture du comportement scénique

Inculquer l'amour du théâtre en tant que genre artistique multidimensionnel et multiforme

Développer l'intérêt pour les arts du spectacle, l'attention visuelle et auditive, la mémoire, l'observation, la débrouillardise et l'imagination, l'imagination, la pensée imaginative, le sens du rythme et la coordination des mouvements, respiration vocale et diction

Cultiver la bienveillance et le contact dans les relations avec les pairs, les compétences collectives activité créative, attitude responsable envers les résultats de son propre travail et du travail de toute l’équipe

Conditions organisationnelles de mise en œuvre du programme

Le programme est constitué de 70 heures (2 heures par semaine), est conçu pour 1 an d'études et s'adresse aux élèves de 5e année. Les enfants sont acceptés en studio en fonction de leur intérêt, sans présenter d'exigences particulières, à la demande de leurs parents.

Le programme est mis en œuvre conformément aux principes pédagogiques de base :

le principe de cohérence (implique continuité des connaissances, complexité dans son assimilation)

le principe de différenciation (implique l’identification et le développement des inclinations et des capacités des étudiants dans divers domaines)

principe de fascination (prend en compte l'âge et les caractéristiques individuelles des étudiants)

le principe du collectivisme (favorise le développement de capacités polyvalentes et la nécessité de les donner pour la joie et le bénéfice communs)

le principe d'intégration interdisciplinaire (cours de littérature et de musique, littérature et peinture, beaux-arts et technologie, chant et rythme)

le principe de créativité (implique une concentration maximale sur la créativité de l'enfant, sur le développement de ses sensations psychophysiques, l'émancipation de l'individu)

La base technologique du programme se compose des technologies suivantes :

groupe

• apprentissage individuel et par problèmes

  pédagogie de la coopération

Les formulaires suivants aident à mettre en œuvre ces technologies :

Cours théoriques et pratiques

Individuel, groupe, collectif

Jeux de théâtre

• Formations

  Excursions au théâtre

  Les performances

  Vacances

Reproducteur

Illustration

Problème

Heuristique

Observation

Exercice

Promotion

Explication

Exemple personnel

Les cours théoriques fournissent des connaissances de base, révèlent des justifications théoriques pour les sujets les plus importants et utilisent les données du patrimoine historique et les meilleures pratiques dans le domaine de l'art théâtral et de la vie en général.

Dans les cours pratiques, la présentation des principes théoriques s'accompagne d'une démonstration pratique par l'enseignant lui-même, les bases de la culture du jeu, de la parole et du mouvement sont dispensées et des formations ludiques, psychologiques et pédagogiques sont dispensées. Pendant les cours, une correction bienveillante a lieu. L'enseignant veille à ce que tous les participants essaient d'accomplir la tâche aussi clairement et précisément que possible.

Sur cours individuels le travail est effectué avec des enfants à raison de 1 à 3 personnes.

Logistique et soutien

Ordinateur

Projecteur

Disques MD et CD

Costumes, décors nécessaires à la création de productions théâtrales

Éléments de costumes pour créer des looks

Maquillage de scène

Résultats attendus

A la fin de l'année de cours, les étudiants :

Avoir le concept :

À propos du théâtre et de ses types

À propos des moyens techniques élémentaires de la scène

À propos de la scénographie

À propos des normes de comportement sur scène et en salle

Exprimez votre attitude face aux phénomènes de la vie et sur scène

Pensez au sens figuré

Concentrez votre attention

Sentez-vous dans l'espace scénique

Acquérir des compétences :

Communication avec un partenaire

Jeu d'acteur élémentaire

Perception figurative du monde environnant

Réponse adéquate et imaginative aux stimuli externes

Créativité collective

Plan pédagogique et thématique

Date prévue

réel

Sujet de la leçon

Nombre d'heures

Remarques

Leçon d'introduction. Connaître l'équipe, le programme du studio, les règles de conduite, les consignes de sécurité incendie

Fondamentaux de la culture théâtrale (6 heures)

La notion de théâtre. Types de théâtre. La différence entre le théâtre et les autres formes d'art. La naissance du théâtre.

La structure du théâtre, les principaux métiers : acteur, metteur en scène, scénariste, artiste, maquilleur. Sketch de scène « Ces métiers du théâtre… »

Scénographie et moyens techniques. Théâtre russe.

Culture du comportement sur scène et en salle

Excursion au théâtre de marionnettes.

Culture et technique de la parole (14 heures)

Travaillez sur des exercices qui développent le résonateur thoracique. Exercices « Respirez correctement » , "Locomotive à vapeur"

Travail sur les organes d'articulation et familiarisation avec les normes de l'orthoepie. Gymnastique de la parole « Vire-langues », « Monument au Proverbe »

Des énigmes verbales ludiques pour développer l'attention et l'expansion vocabulaire. Jeu « Écrivez une lettre anonyme !

Travailler la diction. Jeux « Choisissez une comptine », « Écrivez un conte de fées »

Travailler la diction. Jeux « Écrire une histoire « La vie de choses merveilleuses », « Écrire une histoire sur une lettre »

Travailler la diction et développer l’attention. Jeux avec les mots "Logorif", "Devinez le mot !", "Ça vole, ça ne vole pas !"

Jeux de mots qui développent un discours figuratif cohérent : « Écrire un poème acrostiche », « Écrire un métagramme », « Écrire une anagramme », « Résoudre une anagramme »

Travailler avec les mots et la capacité de sortir des sentiers battus. Jeu "Nouveau personnage dans un vieux conte de fées"

Croquis de scène pour l'imagination : « Récitation insolite », « Hymne insolite »

Maîtriser les tâches scéniques proposées. Jeu "Vidéo publicitaire"

Maîtriser les tâches scéniques proposées. Jeu "Festival d'une chanson"

Maîtriser les circonstances proposées. Jeu "Genres de films"

Maîtriser l'espace scénique. Jeux "Onomatopées"

Travailler sur l'image. Jeu "Entrez dans la peau du personnage".

Rythmoplastie (10 heures)

Entraînement des mouvements rythmiques. Jeux "Démarche", "Transformation"

Améliorer la posture et la démarche. Jeu de rythme "Je bouge correctement"

Développement de l'imagination et de la capacité à travailler avec un dessin net (« dans un masque »). Jeux « Masques », « Animation d'objets », « Imitation », « Ombres »

Exercices plastiques « Gymnastique industrielle », « Musculation »

Travailler sur l'image. Analyse des expressions faciales. Coiffures et perruques. Jeux « Rencontres », « Miroir »

Développement des capacités d'observation. Croquis de scène « Deux choses à la fois », « Les affres de la créativité ».

Formation théâtrale. Jeux « Ingénieur du son », « Directeur de théâtre »

Jouer avec les éléments du costume. Jeu « Entrez dans la peau du personnage »

Imitation du comportement animal. Jeu "Grands Dompteurs"

Travail sur la coordination des mouvements. Jeu "File d'attente". Exercices pour développer la flexibilité

Pièce de théâtre (39 heures)

Connaissance du scénario des contes de fées "Kolobok", "Teremok", "Golden Key". Échange d'impressions.

Récit pour enfants de l'intrigue des pièces de théâtre afin d'identifier le thème principal, les principaux événements et essence sémantique affrontements de héros.

La répartition des rôles prend en compte les souhaits des jeunes artistes et la conformité de chacun d'eux au rôle choisi (caractéristiques externes, diction). Lecture expressive de contes de fées basée sur les rôles. Division en passages logiques.

Discussion sur les décors, les costumes, les effets de scène, accompagnement musical.

Discussion des circonstances proposées, caractéristiques du comportement de chaque personnage sur scène.Travailler l'image discussion sur les héros, leurs personnages, leur apparence.

Reproduction d'événements individuels et d'épisodes en action.

Pratiquer des rôles. Travail sur les expressions faciales lors du dialogue, stress logique.

Pratiquer des rôles. Travail sur les expressions faciales lors du dialogue, stress logique.

Formation individuelle des principaux interprètes

Sélection de musique. Apprendre des chants et des danses

Réalisation collective de décors et de costumes.

Répétition de la pièce "Kolobok"

Première de la pièce

Célébration de la première représentation. Analyse du discours.

Répétition de la pièce "Teremok"

Répétition générale. Scénographie.

Préparation des affiches, programmes, billets, préparation et vérification du design

Première de la pièce

Analyse du discours.

Répétition de la pièce "Clé d'or"

Répétition générale. Scénographie.

Préparation des affiches, programmes, billets, préparation et vérification du design

Première de la pièce

Analyse du discours.

Les références

Agapova I.A. Théâtre scolaire. Création, organisation, pièces de théâtre pour productions : niveaux 5-11. – M. : VAKO, 2006. – 272 p.

Belinskaïa E.V. Formations de contes de fées pour les enfants d'âge préscolaire et collégiens. – Saint-Pétersbourg : Rech, 2006. – 125 p.

Buyalsky B.A. Art lecture expressive. M. : Éducation, 1986. –176 s.

Gourkov A.N. Théâtre scolaire.- Rostov n/d : Phoenix, 2005. – 320 p.

Karishnev-Lubotsky M.A. Représentations théâtrales pour les enfants d'âge scolaire. - M. : Maison d'édition Humanitaire. Centre VLADOS, 2005. – 280 p.

Tkatcheva E.M. Pièces. - M. : VTsHT (« Répertoire pour théâtres pour enfants et jeunes »), 2008. – 176 p.

Churilova E.G. Méthodologie et organisation des activités théâtrales : Programme et répertoire. - M. : Humanitaire. Éd. Centre VLADOS, 2004. – 160 p.

La capacité d’une personne à donner une évaluation critique de quelque chose est très importante aujourd’hui. Dans de nombreux domaines, cela peut être fait en rédigeant une critique, qui, à son tour, comporte certaines règles pour sa création. Notre article explique comment l'écrire.

La critique en tant que genre

La revue est un genre de journalisme, comprenant la critique scientifique et artistique. Il s'appuie sur une évaluation critique d'une œuvre d'art, de science, de journalisme (critique de film, critique de pièce de théâtre, Travail littéraire, dessin animé, travail scientifique...).

Pourquoi une révision est-elle nécessaire ?

Le but d'une revue est d'informer sur une nouvelle œuvre, de lui donner une évaluation critique et de souligner ses forces et ses faiblesses. L'examen devrait attirer l'attention du public sur la question à l'étude et suggérer ce qui mérite son attention et ce qui ne l'est pas.

Caractéristiques du genre

En règle générale, une critique est rédigée dans un style journalistique, est de nature polémique et peut également s'orienter vers le genre d'un essai ou d'un article littéraire. Il doit être objectif, c'est pourquoi il ne permet pas l'utilisation d'émotivité personnelle, de comparaisons grossières ou de présentation de pensées subjectives. Toutes les opinions exprimées doivent être accompagnées d'arguments clairs (exemples tirés du texte, du cadre, du style, position de l'auteur et ainsi de suite.). La rédaction d'une critique implique l'utilisation de termes issus de la sphère artistique à laquelle appartient l'œuvre analysée.

Bilan d'une représentation au théâtre

La critique théâtrale est l’un des genres populaires de critique théâtrale. Son but est d'évaluer la performance (et non la pièce). Pour travailler sur cet article critique, il est nécessaire d'analyser la production, de comprendre l'intention créatrice du metteur en scène, le concept du metteur en scène, qui s'incarne sur scène à travers différents moyens de théâtralisation : scénographie, éclairage, musique, jeu d'acteur, mise en scène. .

L'examen de la performance donne évaluation objective mise en scène. Parallèlement, le spectateur examine le texte littéraire de l'œuvre, les moyens d'exprimer la position de l'auteur (problèmes, conflit, intrigue, composition, système de personnages, etc.). L'évaluation d'une prestation repose sur une analyse approfondie et raisonnée dont la qualité dépend de la formation théorique et professionnelle du critique. Lorsque vous rédigez une critique, vous devez utiliser correctement la terminologie théâtrale.

Étapes de création d'un avis

Le processus de création d'un avis se déroule en plusieurs étapes :

1. Travail préparatoire(lecture de la pièce sur laquelle est basée la représentation, étude des productions antérieures basées sur celle-ci, recherche chemin créatif metteur en scène, place de cette représentation dans le répertoire théâtral).
2. Visualisation de la performance.
3. Analyse de la production (incluant le contenu, la forme, les images, les découvertes du réalisateur, la nouveauté de l’interprétation).
4. Écriture directe article critique.

Structure de l'examen

Afin de donner une évaluation complète de la production, il faut savoir rédiger une critique d’une représentation. Ce jugement critique a sa propre structure :

JE. Introduction : justification de la nécessité de revoir cette performance (nouvelle production du réalisateur, controverse autour de l’œuvre de l’auteur, pertinence de la problématique de l’œuvre, etc.).

II. Partie principale : interprétation et évaluation de l'originalité idéologique et artistique de la production.

III. Conclusions sur les mérites artistiques de la production étudiée et son importance pour le théâtre et vie publique.

Plan de révision (approximatif)

Afin de donner une évaluation critique complète de la production, il est nécessaire de se baser sur la performance. La présence des points et leur ordre dans la présentation sont déterminés par l'auteur.

1. Titre du spectacle, metteur en scène, théâtre (informations de base), date de production.
2. Informations sur l'auteur de la pièce, le metteur en scène.
3. Scénarioœuvres, épisodes principaux (le choix doit être justifié).
4. L'idée créative de l'auteur et sa mise en œuvre (l'auteur : thème, idée, problématique ; caractéristiques et différences entre l'idée du metteur en scène et le texte de la pièce).
5. Caractéristiques de genre de la production, composition de la performance.
6. Évaluation du jeu d'acteur.
7. Les principaux problèmes soulevés par l'auteur et leur pertinence.
8. Caractéristiques de la mise en scène (utilisation inattendue de moyens théâtraux, particularités de scénographie, accompagnement musical, effets spéciaux...).
9. Impression générale critique sur la performance (dans quelle mesure l'interprétation du réalisateur est-elle nouveauté inhérente à la production, si vos attentes concernant ce que vous avez vu étaient justifiées).

Si vous rencontrez des difficultés au travail, ne désespérez pas. Utilisez le matériel sur la façon de rédiger une critique d'une performance (un exemple de la façon d'en rédiger une est donné dans cet article) et vous améliorerez considérablement vos compétences de critique.

1. Avant de rédiger une critique de la performance, étudiez le matériel (pièce de théâtre) qui sert de base à la production afin que lors du visionnage, vous ne suiviez pas l'intrigue, mais évaluiez l'interprétation du réalisateur.
2. Voyez la performance par vous-même.
3. Pendant la représentation, prenez des notes dans un cahier afin que, lorsque vous rédigez une critique, vous disposiez de suffisamment de matière à critique.
4. Écrivez une critique au moins un jour après avoir regardé le spectacle. Cela vous permettra d'aborder objectivement l'évaluation de la production.
5. Si personnellement vous n'avez pas aimé le spectacle, soyez en mesure de trouver de bons moments dans ce que vous avez regardé et des découvertes de réalisateur intéressantes.
6. Si vous rédigez une critique d’une production basée sur une pièce d’un dramaturge classique, soulignez la nouveauté de la vision de l’œuvre de ce metteur en scène, contrairement aux autres.
7. N'oubliez pas qu'un spectacle est l'œuvre de toute une équipe de production (metteur en scène, éclairagiste, compositeur,...), soyez donc attentif à toutes les composantes du spectacle.
8. Assurez-vous de fournir des arguments.
9. N'oubliez pas que toute critique d'une performance est un exemple de présentation compétente et logique du matériel, alors faites attention au style, à la structure de l'article et à l'absence d'erreurs grammaticales.

Erreurs fondamentales dans la rédaction d'une critique de théâtre

1. L'utilisation d'expressions d'évaluation subjective : « j'aime » - « je n'aime pas », « m'a impressionné », « a plu à l'acteur »...
2. Raconter l’intrigue au lieu d’analyser la performance.
3. Accent sur les détails qui ne portent pas grand-chose charge sémantique.
4. Utilisation analphabète des termes.

Exemple d’évaluation d’une performance

En 1878, A. N. Ostrovsky écrivit l'une de ses pièces les plus célèbres, « La dot ». Après un certain temps, elle a été reconnue meilleur travail dramaturge.

La première représentation scénique de la pièce a eu lieu sur la scène du Théâtre Maly, mais elle n'a pas produit l'impression souhaitée. Au fil des années, la production est devenue de plus en plus populaire et, à ce jour, elle est appréciée du public. Le secret de cet intérêt inextinguible réside probablement dans la pertinence des problèmes soulevés dans le matériel dramatique.

J'ai récemment assisté à une production de «La dot» en J'ai plongé dans le monde de la magnifique unité de la conception du réalisateur, du talent des acteurs et de l'atmosphère passionnante du spectacle. Étant dans la salle, je me sentais comme un acteur.

J'ai été particulièrement impressionné par la performance de l'actrice M. Magdalinina (le rôle de Larisa). Elle a magistralement réussi à créer l'image d'une héroïne douce et sincère, sensuelle et romantique. Ses mouvements combinaient légèreté et confiance, et ses virevoltes sur scène traduisaient avec beaucoup de succès le personnage de Larisa. La belle voix mélodique de l’actrice a contribué à l’intégrité de la création de l’image. Je pense qu'elle a joué son rôle avec brio.

Valery Potanin (le rôle de Karandyshev) a plu à la Russie par son talent. Son héros est apparu devant le public insatisfait et grincheux. Il semblait qu’il pouvait « exploser » à tout moment. Il y avait une intolérance constante, et parfois même de la haine, envers Paratov. Mais dans les moments d'humiliation par d'autres héros, Karandyshev s'est involontairement senti désolé pour lui. L'image véhiculée par Valery Potanin dans la pièce diffère de ma représentation de Karandyshev. Dans mon imagination, c'était un homme calme et respectable qui ne réagissait vivement qu'en cas d'injustice et de ressentiment.

Le rôle de Knurov a été joué, à mon avis, avec beaucoup de succès par l'artiste émérite de Russie A. Gladnev. Son héros donne l'impression d'une personne raisonnable. Ses mouvements sont pensés, impeccables, clairs. Ce n’est que parfois que la réflexion est visible dans l’image, ce qui crée l’impression d’un homme sage qui a vu beaucoup de choses sur son chemin de vie.

S. Karpov a joué Paratov dans la pièce. Il a réussi à transmettre rationalité, calme et passion dans sa communication avec Larisa. La seule chose que je voudrais noter, c’est que le type de l’acteur ne correspondait pas tout à fait à mon idée de l’apparence du héros.

Tout au long du spectacle, le merveilleux acteur qui jouait Robinson a diverti le public. L'image créée par l'acteur était étonnamment joyeuse et joyeuse. Grâce à la performance de cet acteur, le réalisateur a réussi à transmettre le motif de gentillesse et d'optimisme tout au long du spectacle.

Il convient de noter que la sélection des acteurs aurait été réalisée avec beaucoup de succès; leurs types, ainsi que leurs capacités vocales, ont contribué à la création d'images étonnantes et attrayantes du spectacle.

Le travail de la costumière et maquilleuse du spectacle est remarquable : tous les accessoires, costumes, maquillage, perruques ont été créés et sélectionnés avec savoir-faire.

Le paysage était tout à fait cohérent contenu idéologique performance. Le fait qu’ils n’aient pas changé au cours du processus de production avait également une charge idéologique et sémantique.

Mais, à mon avis, la composition lumineuse du spectacle n’a pas été suffisamment réfléchie. Dans ce cas, l'accent a été mis sur les projecteurs arrière, ce qui a déformé la vision de la scène par le public et affecté négativement les performances des acteurs.

Dans l'ensemble, l'impression de la production est bonne. La synthèse du professionnalisme du metteur en scène et de l'habileté des acteurs a contribué au fait que la pièce connue de longue date a commencé à briller dans mon esprit avec de nouvelles couleurs. C'est, à mon avis, l'une des tâches du théâtre : attirer l'attention du public sur des problèmes toujours d'actualité et aider le spectateur, par l'expérience, à devenir plus pur et plus sage. J'espère que les productions ultérieures de ce réalisateur me laisseront également une impression durable.

Particularités de l'évaluation des productions destinées au public des enfants

La critique du jeu des enfants correspond à tout caractéristiques du genre cet article critique. Lors de son écriture, il est important de prendre en compte le seul point : la production de la pièce, en règle générale, est conçue pour un certain âge d'enfants. Tant le texte de la pièce elle-même que toutes les solutions artistiques sur scène doivent correspondre à l'âge spécifié des enfants. Il est donc nécessaire d'analyser la production destinée aux enfants en tenant compte caractéristiques d'âge spectateurs.

La critique d’une performance est un produit de la créativité. Le critique doit essayer de transmettre l’esprit de la production afin que le spectateur veuille ou non la voir.