Edvard Munch - biographie et peintures de l'artiste dans le genre Symbolisme, Expressionnisme - Art Challenge. Le monde mystérieux des images, des sentiments et des expériences d'Edvard Munch

"Seul un fou pourrait écrire une chose pareille"- l'un des spectateurs étonnés a laissé cette inscription directement sur l'image elle-même Edvard Munch"Crier".

Il est difficile de contester cette affirmation, surtout compte tenu du fait que le peintre a en fait passé environ un an dans un hôpital psychiatrique. Mais je voudrais ajouter un peu aux propos du critique expressif: en effet, seul un fou pouvait dessiner une telle chose, seul ce psychopathe était clairement un génie.

Personne n'a jamais été capable d'exprimer autant d'émotions de manière simple, d'y mettre autant de sens. Devant nous se trouve une véritable icône, seulement elle ne parle pas de paradis, pas de salut, mais de désespoir, de solitude sans bornes et de désespoir complet. Mais pour comprendre comment Edvard Munch en est venu à sa peinture, il faut se plonger un peu dans l'histoire de sa vie.

Il est peut-être très symbolique que l'artiste, qui a eu un impact énorme sur la peinture du XXe siècle, soit né dans un pays si éloigné de l'art, ait toujours été considéré comme une province d'Europe, où le mot même "peinture" soulevé plus de questions que les associations.

L'enfance d'Edward ne peut clairement pas être qualifiée de heureuse. Son père, Christian Munch, était un médecin militaire qui gagnait toujours un peu. La famille vivait dans la pauvreté et déménageait régulièrement, changeant une maison dans les bidonvilles de Christiania (alors ville de province en Norvège, et maintenant - la capitale de l'État d'Oslo) à un autre. Être pauvre est toujours mauvais, mais être pauvre au 19ème siècle était bien pire qu'aujourd'hui. Après les romans de F. M. Dostoïevski (au fait, son écrivain préféré Edvard Munch), cela ne fait aucun doute.

La maladie et la mort sont les premières choses qu'il voit jeune talent Dans ma vie. Quand Edward avait cinq ans, sa mère mourut, et son père tomba dans le désespoir et tomba dans une religiosité douloureuse. Après la perte de sa femme, il sembla à Christian Munch que la mort s'installait à jamais dans leur maison. Essayant de sauver l'âme de ses enfants, il est au couleurs vives leur a décrit les tourments de l'enfer, en leur parlant de l'importance d'être vertueux pour gagner une place au paradis. Mais les histoires de son père ont fait une impression complètement différente sur le futur artiste. Il était tourmenté par des cauchemars, il ne pouvait pas dormir la nuit, car dans un rêve, tous les mots d'un parent religieux prenaient vie, acquérant une forme visuelle. L'enfant, qui ne se distinguait pas par une bonne santé, grandit renfermé, timide.

"La maladie, la folie et la mort - trois anges qui me hantent depuis l'enfance", - le peintre a écrit plus tard dans son journal personnel.

Convenez que c'était une sorte de vision de la trinité divine.

La seule personne qui a essayé de calmer le malheureux garçon victime d'intimidation et lui a donné des soins maternels dont il avait tant besoin était sa sœur Sophie. Mais il semble que Munch était destiné à perdre tout ce qui est précieux. Lorsque l'artiste avait quinze ans, exactement dix ans après la mort de sa mère, sa sœur est décédée. Alors, probablement, sa lutte a commencé, qu'il a menée avec la mort avec l'aide de l'art. La perte de sa sœur bien-aimée a été à la base de son premier chef-d'œuvre, le tableau "Sick Girl".

Inutile de dire que les "connaisseurs d'art" provinciaux de Norvège ont critiqué cette toile à fond. On l'a qualifié d'esquisse inachevée, on a reproché à l'auteur une négligence... Derrière tous ces mots, les critiques sont passés à côté de l'essentiel : ils avaient devant eux l'un des tableaux les plus sensuels de leur temps.

Par la suite, Munch a toujours dit qu'il ne recherchait jamais une image détaillée, mais ne transférait dans ses peintures que ce que son œil mettait en évidence, ce qui était vraiment important. C'est ce que l'on voit sur cette toile.

Seul le visage de la fille ressort, ou plutôt ses yeux. C'est le moment de la mort, quand il ne reste pratiquement plus rien de la réalité. Il semble que l'image de la vie ait été aspergée d'un solvant et que tous les objets commencent à se déformer avant de se transformer en néant. La figure d'une femme en noir, que l'on retrouve souvent dans les œuvres de l'artiste et qui personnifie la mort, a baissé la tête devant la mourante et lui tient déjà la main. Mais la fille ne la regarde pas, son regard est fixé. Oui, qui, sinon Munch, a compris : le véritable art est toujours un regard derrière le dos de la mort.

Et bien que l'artiste norvégienne se soit efforcée de regarder au-delà de la mort, elle s'est obstinément tenue devant ses yeux, a cherché à attirer l'attention sur elle-même. La mort de sa sœur aînée a donné l'impulsion à la naissance de son talent, mais il s'est épanoui dans le contexte d'un autre tragédie familiale. C'est alors que Munch, qui jusque-là aimait l'impressionnisme, est venu à un style complètement nouveau et a commencé à créer des peintures qui lui ont valu une renommée immortelle.

Une autre sœur de l'artiste, Laura, a été placée dans un hôpital psychiatrique et, en 1889, son père est décédé d'un accident vasculaire cérébral. Munch est tombé dans une profonde dépression, il ne restait plus personne de sa famille. A partir de ce moment, il est absolument seul, devient un ermite volontaire, retiré du monde et des gens. Il a traité la dépression seul avec une bouteille d'aquavit. Inutile de dire que le médicament est très douteux. Et bien que la plupart des créateurs aient trouvé le salut de leurs démons intérieurs dans l'amour, Edvard Munch n'était clairement pas l'un d'entre eux. Pour lui, l'amour et la mort étaient à peu près la même chose.

Déjà reconnu en France et beau peintre extérieurement, il connaît un grand succès auprès des femmes. Mais lui-même évitait les longues romances, pensant que de telles relations ne faisaient que rapprocher la mort. C'est arrivé au point que lors d'un rendez-vous, sans en expliquer les raisons, il pouvait se lever et partir, puis ne plus jamais revoir la femme qu'il avait quittée.

Qu'il suffise de rappeler le tableau "Maturation", également appelé " Âge de transition».

Dans la perception de Munch, la sexualité est une force puissante, mais sombre et dangereuse pour une personne. Ce n'est pas un hasard si l'ombre que la silhouette de la jeune fille projette sur le mur semble si peu naturelle. Elle ressemble plutôt à un fantôme, un esprit maléfique. L'amour est une possession des démons, et surtout, les démons rêvent de nuire à leur enveloppe corporelle. Alors personne n'a jamais parlé d'amour ! Le cycle de peintures "Frieze of Life" est dédié à ce sentiment. Soit dit en passant, c'est dans celui-ci que "Scream" a été présenté. Cette image est la dernière étape de l'amour.

"Je marchais le long d'un chemin avec deux amis - le soleil se couchait - soudain le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes sur le fjord bleu-noir et le ville - mes amis ont continué, et je me tenais tremblant d'excitation, sentant le cri sans fin transpercer la nature., - c'est ainsi que Munch a décrit dans son journal le sentiment qui l'a inspiré pour créer l'image.

Mais cette œuvre n'a pas été créée d'un seul coup d'inspiration, comme beaucoup le pensent. L'artiste y a travaillé très longtemps, changeant constamment l'idée, ajoutant certains détails. Et il a travaillé toute sa vie : il existe une centaine de versions de "Scream".

Cette célèbre figure d'une créature hurlante est apparue à Munch sous l'impression d'une exposition à musée ethnographique, où il a été le plus frappé par la momie péruvienne en position fœtale. Son image apparaît sur l'une des versions du tableau "Madonna".

L'ensemble de l'exposition « Frise de la vie » se composait de quatre parties : « La Naissance de l'Amour » (elle se termine par « Madone »); "L'ascension et la chute de l'amour" ; "Peur de la vie" (cette série de peintures est complétée par "Scream"); "Décès".

L'endroit que Munch décrit dans son "Scream" est bien réel. Il s'agit d'un belvédère célèbre à l'extérieur de la ville surplombant le fjord. Mais peu de gens savent ce qui reste en dehors de l'image. En bas, sous la plate-forme d'observation, à droite se trouvait un asile d'aliénés, où la sœur de l'artiste Laura était placée, et à gauche, un abattoir. Les cris de mort des animaux et les cris des malades mentaux étaient souvent accompagnés d'une vue magnifique mais effrayante de la nature nordique.

Dans cette image, toute la souffrance de Munch, toutes ses peurs reçoivent l'incarnation maximale. Devant nous n'est pas la figure d'un homme ou d'une femme, devant nous se trouve la conséquence de l'amour - l'âme jetée dans le monde. Et, une fois dedans, face à sa force et sa cruauté, l'âme ne peut que hurler, pas même hurler, mais hurler d'horreur. Après tout, il y a peu d'issues dans la vie, seulement trois : un ciel brûlant ou une falaise, et au pied de la falaise il y a un abattoir et un hôpital psychiatrique.

Il semblait qu'avec une telle vision du monde, la vie d'Edvard Munch ne pouvait tout simplement pas être longue. Mais tout s'est passé différemment - il a vécu jusqu'à 80 ans. Après traitement en clinique psychiatrique"lié" à l'alcool et faisant beaucoup moins d'art, vivant dans l'isolement absolu dans sa propre maison dans la banlieue d'Oslo.

Mais "Scream" attendait un destin bien triste. En effet, c'est maintenant l'une des peintures les plus chères et les plus célèbres au monde. Mais Culture de masse viole toujours les vrais chefs-d'œuvre, en leur effaçant le sens et la puissance que les maîtres y ont mis. Un exemple frappant- Monna Lisa.

La même chose s'est produite avec Scream. Il est devenu le sujet de blagues et de parodies, et c'est compréhensible : une personne essaie toujours de rire de ce dont elle a le plus peur. Ce n'est que maintenant que la peur n'ira nulle part - elle se cachera simplement et dépassera sûrement le farceur au moment où toute sa réserve de mots d'esprit sera épuisée.

Salutations aux lecteurs nouveaux et réguliers! Dans l'article "Edvard Munch : courte biographie et peintures de l'artiste » - brièvement sur la vie du peintre et graphiste norvégien, théoricien de l'art. Munch est l'un des premiers représentants de l'expressionnisme. Années de vie 1863-1944.

Edvard Munch: biographie

Edvard Munch- représentant le plus brillant l'expressionnisme, une nouvelle tendance dans la peinture du 20ème siècle. Ses œuvres, profondément émouvantes, saturées de désespoir et de souffrance, une fois vues, il est impossible de les oublier.

L'artiste a perçu la vie comme une série de choses préférées quittant une personne. C'est comme une rivière qui enlève toutes les choses les plus précieuses, mais qui ne se reconstitue pas avec de nouvelles eaux, et à la fin, elle s'assèche, se termine. Et l'horreur de cette inexorabilité et de cette éphémère, singulièrement subtilement véhiculée dans ses œuvres Munch.

Edward est né dans la province norvégienne de Hedmark le 12 décembre 1863. Quand il avait cinq ans, sa mère est morte de la tuberculose. En 1877, sœur Sophie, âgée de quinze ans, meurt de la même maladie.

Edward, 16 ans, entre à l'école technique supérieure d'Oslo. Mais bientôt il se transforme en Académie d'État l'artisanat. Munch a souffert désordre mental qui se reflète dans son style de dessin.

En 1885, il se rend à Paris, où il visite une exposition des impressionnistes. Première exposition personnelle L'artiste a pris place en 1889. Puis il partit pour l'Europe grâce à une bourse, et vécut à Berlin. Il a commencé à écrire à l'âge de 20 ans, mais ses peintures n'étaient reconnues qu'en dernières années sa vie.

Edward a eu plusieurs romances ratées. DANS vie privée l'artiste était seul. À l'âge de 60 ans, Munch a subi une hémorragie à l'œil droit. Cela a eu un impact négatif sur son travail. Edvard Munch est décédé en 1944, un mois après son quatre-vingtième anniversaire.

Peintures d'Edvard Munch

"Fille malade"

L'une des peintures de la période de sa formation est "The Sick Girl", peinte en 1885. Cependant, l'artiste jusqu'à la fin de sa vie la considérait comme l'une des principales de son travail. La toile représente une fille aux cheveux roux à moitié assise dans son lit, appuyée sur un grand oreiller blanc.

Le visage de la jeune fille est tourné vers une femme qui pleure avec sa tête sur le même oreiller. La jeune fille regarde gentiment la femme et semble la consoler. Ils se tiennent par la main et ont visiblement une conversation interrompue par les sanglots d'un proche, navré.

L'ensemble du tableau est dans des tons sombres et verdâtres, le seul point lumineux ici est la figure d'une femme mourante. Cette image, comme toutes les suivantes dans l'œuvre de l'artiste, est profondément autobiographique. Il a lui-même admis que le prototype personnage principal a servi sa sœur, Sophie Munch. Elle est décédée de la tuberculose à l'âge de 15 ans.

Leur mère était morte de la même maladie neuf ans plus tôt. Le père de l'artiste était un homme profondément religieux, son fils a dit qu'il lui avait donné des "pousses de folie".

Le chagrin pour les femmes qu'il aimait a encore exacerbé la religiosité de cet homme. Il a transformé la vie d'Edward en une série de jours sombres et remplis de chagrin. Tous ces motifs pour la mort d'un être cher, le chagrin et la perte de quelque chose de très cher, se lisent facilement sur l'image.

Cette œuvre n'était pas reconnue lors de sa première parution. Aujourd'hui, elle est certainement l'une des plus reconnaissables de la galerie de l'artiste.

"Crier"

Le tableau le plus célèbre d'Edvard Munch est Le Cri. Tout le monde connaît cette image, même ceux qui n'aiment pas étudier les arts. Sur la toile on voit un homme dont le visage est déformé dans un cri silencieux de désespoir et d'horreur. Il est debout sur le pont. Derrière lui, un ciel écarlate et une rivière bleu foncé se confondent à l'horizon.

L'arrière-plan semble tourner dans un tourbillon, pénètre dans le Tartare et emporte avec lui le personnage représenté. Il est impuissant devant ce courant et il ne lui reste plus qu'à crier en se tenant la tête. Initialement, le peintre appelait le tableau "Cri de la nature".

Dans l'un de ses journaux, il écrit que l'idée de la peinture lui est venue alors que lui et ses camarades marchaient le long du pont. Il a décrit comment le ciel est soudainement devenu rouge sang. Et il s'arrêta, écrasé par l'impossibilité de résister à une force immense qui lui enlève du temps, de l'amour et de tout.

Certains critiques ont même attribué à l'image des motifs prophétiques liés à tous les problèmes qui surviendront à l'avenir sur les épaules de Munch. Un des plus images émotionnelles dans l'histoire est devenu l'emblème de l'expressionnisme.

Par la suite, cette image de là a été utilisée plus d'une fois même dans la culture populaire. Par exemple, le même cri est lu dans le célèbre masque d'un maniaque du film d'horreur "Scream".

"Séparation"

Peint dans les années 1890, The Parting illustre littéralement la façon dont Edvard Munch percevait la vie. L'artiste considérait l'amour comme inséparable de la souffrance et de la mort. Par conséquent, sur sa toile, personnage principal souffre inconsolablement, se souvenant de sa bien-aimée.

Il est représenté au premier plan. Ses contours sont clairs, ses yeux sont fermés. Une main audacieusement soulignée de rouge est attachée à l'endroit où se trouve le cœur humain. Cependant, il est évident qu'il reste peu de choses du cœur du héros. L'homme est dépeint comme sombre et souffrant.

C'est peut-être ainsi que l'artiste a souffert en réalité et c'est pourquoi l'image est si désespérément triste. Il y a une tache lumineuse en arrière-plan. C'est la silhouette d'une fille qui s'éloigne, emportant tout le monde joyeux visible. L'homme se souvient d'elle et ressent avec douleur à quel point elle est irrémédiablement perdue pour lui.

L'image triste d'une fille en blanc, qui part joyeusement et avec arrogance, incarne la façon dont le maître voyait l'amour et la vie en général.

Vidéo

Dans cette vidéo, des informations supplémentaires sur le thème "Edvard Munch : une brève biographie et des peintures"

Edvard Munch. Crier. 1893 galerie nationale La Norvège à Oslo.

Tout le monde connaît le "Cri" d'Edvard Munch (1863-1944). Son influence sur l'art de masse moderne est trop importante. Et notamment le cinéma.

Qu'il suffise de rappeler la couverture de la cassette vidéo Home Alone ou le tueur masqué du film d'horreur Scream du même nom. L'image d'une créature effrayée à mort est très reconnaissable.

Quelle est la raison d'une telle popularité de l'image? Comment une image du 19e siècle a-t-elle réussi à se « faufiler » dans le 20e et même le 21e siècle ? Essayons de comprendre.

Qu'est-ce qui est si frappant dans l'image "Scream"

L'image "Scream" est fascinante visionneuse moderne. Imaginez ce que c'était pour un spectateur du 19ème siècle. Bien sûr, elle a été traitée de manière très critique. Comparaison du ciel rouge du tableau avec l'intérieur d'un abattoir.

Rien d'étonnant. La photo est extrêmement expressive. Il fait appel aux émotions humaines les plus profondes. Eveiller la peur de la solitude et de la mort.

Et cela à une époque où William Bouguereau était populaire. Qui cherchait aussi à faire appel aux émotions. Mais même dans des scènes effrayantes, il dépeint ses héros comme divinement idéaux. Même s'il s'agissait de pécheurs en enfer.

Guillaume Bouguereau. Dante et Virgile en enfer. 1850, Paris

Dans l'image de Munch, absolument tout allait à l'encontre des normes acceptées. Espace déformé. Il est visqueux, fondant. Pas une seule ligne droite, à l'exception de la rambarde du pont.

Et le personnage principal est une créature incroyablement étrange. Semblable à un extraterrestre. Certes, au 19ème siècle, les extraterrestres n'étaient pas encore entendus. Cette créature, comme l'espace qui l'entoure, perd sa forme - fond comme une bougie.

Comme si le monde et son héros étaient immergés dans l'eau. Après tout, lorsque nous regardons une personne sous l'eau, son image est également ondulée. Et différentes parties du corps sont rétrécies ou étirées.

Notez que la tête d'une personne qui marche au loin s'est tellement rétrécie qu'elle a presque disparu.

Edvard Munch. Cri (détail). 1893 Galerie nationale de Norvège à Oslo

Et un cri tente de percer ce plan d'eau. Mais c'est à peine audible, comme un bourdonnement dans les oreilles. Ainsi, dans un rêve, nous avons parfois envie de crier, mais quelque chose d'absurde se produit. L'effort l'emporte plusieurs fois sur le résultat.

Seules les balustrades semblent provenir du monde réel. Seulement ils nous retiennent pour ne pas tomber dans le tourbillon aspirant vers l'oubli.

Oui, il y a quelque chose à confondre. Et une fois que vous voyez une image, vous ne l'oublierez jamais.

L'histoire de la création de "Scream"

À propos de la façon dont l'idée de créer "The Scream" est née, Munch lui-même a raconté. En créant une copie de son chef-d'œuvre un an après l'original.

Cette fois, il a placé l'œuvre dans un cadre simple. Et dessus, il a cloué une pancarte sur laquelle il a écrit dans quelles circonstances il était nécessaire de créer le "Scream".

Edvard Munch. Crier. 1894 Pastels. Collection privée

Il s'avère qu'une fois, il se promenait avec des amis sur un pont près d'un fjord. Et soudain le ciel est devenu rouge. L'artiste était abasourdi par la peur. Et ses amis sont allés plus loin le long du pont. Il ressentit un désespoir insupportable à cause de ce qu'il vit. Il voulait crier...

C'est son état soudain sur fond de ciel rougi, qu'il a décidé de mettre en scène. Certes, au début, il a obtenu un tel travail.

Edvard Munch. Désespoir. 1892 Musée Munch, Oslo

Dans le tableau "Despair", Munch s'est représenté sur le pont au moment de la montée d'émotions désagréables.

Et seulement quelques mois plus tard, il a changé de personnage. Voici une des esquisses du tableau.

Edvard Munch. Crier. 1893 30x22cm Pastels. Musée Munch, Oslo

Mais l'image était clairement intrusive. Cependant, Munch était enclin à répéter les mêmes intrigues à plusieurs reprises. Et près de 20 ans plus tard, il crée un autre Scream.

Edvard Munch. Crier. 1910 Musée Munch à Oslo

À mon avis, c'est plus décoratif. Il n'a plus cette horreur lancinante. Le visage vert avec défi souligne que quelque chose de mauvais arrive au personnage principal. Et le ciel ressemble plus à un arc-en-ciel avec des couleurs plus positives.

Alors, quel genre de phénomène Munch a-t-il observé ? Ou le ciel rouge était-il le fruit de son imagination ?

Je penche plus pour la version selon laquelle l'artiste a observé un phénomène rare de nuages ​​de nacre. Ils se produisent à basse température près des montagnes. Ensuite, les cristaux de glace à haute altitude commencent à réfracter la lumière du soleil qui s'est couchée sous l'horizon.

Ainsi, les nuages ​​​​sont peints dans des tons roses, rouges et jaunes. En Norvège, de bonnes conditions pour l'émergence d'un tel phénomène. Il est possible que ce soit son Munch qui l'ait vu.

Le Cri est-il typique de Munch ?

"Le Cri" n'est pas la seule image qui effraie le spectateur. Pourtant, Munch était un homme sujet à la mélancolie et même à la dépression. Il y a donc beaucoup de vampires et de meurtriers dans son répertoire.

A gauche : Vampire. 1893 Musée Munch à Oslo. A droite : Tueur. 1910 Idem.

L'image d'un personnage avec une tête squelettique n'était pas non plus nouvelle pour Munch. Il avait déjà peint les mêmes visages avec des traits simplifiés. L'année précédente, ils apparaissent dans le tableau "Soirée sur la rue Karl John".

Edvard Munch. Soirée sur la rue Carl John. 1892 Collection Rasmus Meyer, Bergen

En général, Munch n'a délibérément pas dessiné de visages ni de mains. Il croyait que toute œuvre doit être vue de loin pour la percevoir dans son ensemble. Et dans ce cas, peu importe que les ongles des mains soient dessinés.

Edvard Munch. Réunion. 1921 Musée Munch, Oslo

Et le thème du pont était très proche de Munch. Il a créé d'innombrables œuvres avec des filles sur le pont. L'un d'eux est détenu à Moscou,

fille malade

crier Désespoir

Edvard Munch est un peintre et graphiste norvégien, artiste de théâtre, théoricien de l'art. L'un des premiers représentants de l'expressionnisme. Son travail a influencé l'art contemporain. L'œuvre de Munch est parcourue par les motifs de la mort, la solitude, mais en même temps, la soif de vivre.

Edvard Munch était le deuxième enfant d'un médecin militaire. En 1879, Munch entre à l'école technique supérieure d'Oslo, mais rejoint rapidement l'Académie nationale des arts et métiers. Au début, le sculpteur Middletun fut son professeur, et depuis 1882, le peintre Christian Krogh. Début jeune artiste a eu lieu en 1883 : lors du deuxième automne exposition d'art sa peinture a été présentée à Oslo Fille mettant du bois de chauffage dans le four, réalisé dans un esprit réaliste, sous l'influence manifeste de Krogh.

En 1886, Munch a l'opportunité de se rendre à Paris, où il visite la huitième et dernière exposition des impressionnistes. Puis il a créé son premier largement peinture célèbre, fille malade. La première exposition personnelle de l'artiste a lieu en 1889.

À la fin des années 1890, Munch a travaillé sur une série de peintures intitulée "La frise de la vie - un poème sur l'amour, la vie et la mort". Il comprend des œuvres unies par les thèmes de l'amour, de la féminité, de la peur, du désespoir et de la mort.

Le plus travail notable Munch - peinture crier. Il en existe quatre exemplaires, écrits entre 1893 et ​​1910. Le tableau s'appelait à l'origine Désespoir. L'homme terrifié de ce tableau est devenu l'une des images les plus reconnaissables de l'art.

Né (1863-1944) à Lathen (province norvégienne de Hedmark), dans la famille d'un médecin. Bientôt, la famille s'installe dans la capitale. En 1879, à la demande de son père, Munch entre à l'École technique supérieure. Mais, réalisant sa vocation artistique, il abandonne l'école et commence à étudier les bases de la culture artistique auprès du célèbre sculpteur Julius Middelthun. Mais un an plus tard, il quitte l'école de Middeltun et, en 1882, commence à visiter, parmi d'autres jeunes artistes, l'atelier de Christian Krogh. Krogh était à la tête du groupe, puis devint directeur de l'Académie des beaux-arts d'Oslo et président de l'Union des artistes norvégiens. Munch a étudié dur. En 1884, il étudie à Modum avec Frits Thaulov, un peintre paysagiste, l'un des peintres impressionnistes les plus intéressants de Norvège, qui donne des cours de peinture en plein air. Krogh et Thaulov ont tous deux enseigné à Munch non seulement l'artisanat. C'est ici que la passion du paysage a commencé - le genre le plus courant peinture nationale. Parmi les grands artistes norvégiens - les plus anciens contemporains de Munch - figuraient Eric Verenscholl, Gerhard Munte, Hans Heyerdahl. Leurs noms, auxquels les professeurs de Munch devraient être inclus, sont associés à l'essor de la langue norvégienne. arts visuels dernier tiers du XIXe siècle. En tant que représentants d'une nouvelle génération, ils ont cherché à surmonter les influences qui avaient auparavant été apportées sur le sol national par les centres artistiques d'Allemagne - Düsseldorf et Munich. Dans les années 80. l'orientation de l'art norvégien change. Désormais Paris devient le centre d'attraction, l'œuvre des maîtres norvégiens se développe sous l'influence d'autres impulsions, s'affranchissant des conventions et des canons qui la lient. Telle était la situation idéologique et artistique qui a déterminé le début du parcours de Munch. Dans le même temps, la vision du monde de l'artiste ne s'est pas formée isolément de l'ensemble de la situation sociale qui s'est formée en Norvège sous l'influence du processus de développement intensif du capitalisme et de la croissance du mouvement ouvrier. La vision du monde de Munch au premier stade de son développement a été grandement influencée par la communication avec le célèbre écrivain norvégien Hans Jaeger, le chef du cercle du mouvement bohémien. Munch ne partageait pas toutes les idées de ce cercle, qui professait un individualisme extrême. Cependant, dans les premières années de sa jeunesse, Munch avait un certain nombre de toiles ("The Next Day", "The Transitional Age" et autres), qui ont suscité l'indignation de la critique bourgeoise face à l'immoralité du sujet.

L'année 1889 s'avère importante pour Munch, cette année sa première exposition personnelle a lieu à Christiania (Oslo). Premiers travaux les masters ont été écrits principalement en fonction des intérêts créatifs art national, ils sont proches de la peinture de ses professeurs et d'autres paysagistes et portraitistes norvégiens. Ce sont les premières expériences de l'artiste. La formation de l'individualité créative de Munch a eu lieu au contact d'autres grandes écoles européennes et mouvements artistiques de l'époque. Un certain rôle à cet égard a été joué par sa connaissance du nouveau art français. Déjà au milieu des années 80. 19ème siècle Munch fit son premier voyage en France, et de 1889 à 1892 il vécut principalement dans ce pays. À Paris, Munch a visité l'atelier de Leon Bonn, où la passion de l'artiste pour la peinture impressionniste a commencé. L'acquisition par l'artiste de son propre style s'est faite non sans l'influence de la peinture de Paul Gauguin, dans laquelle il a perçu la couleur inhabituelle, la coloration décorative et l'univers des symboles poétiques de Gauguin. Le thème de l'homme et de la nature apparaît dans premiers travaux Croquer. En substance, ses peintures des années 80. sont paysage. Ils dessinent déjà le désir de généralisation de l'artiste, qui, bien sûr, n'a pas encore été élevé au niveau d'un symbole : le motif spécifique capturé par lui acquiert une signification, un lyrisme intense. L'essentiel est le transfert de l'état, de la psychologie, et non de l'événement. De plus, l'accent émotionnel apporte l'image d'une personne, déterminant l'ambiance du paysage. La nature pour Munch est un monde particulier qui vit selon ses propres lois, cet environnement spiritualisé dans lequel se déroule la vie humaine. Toutes ces tendances se poursuivront plus tard, déjà dans des paysages purs.

En 1889, Munch peint le tableau "Printemps". Rien ici ne détourne l'attention de l'essentiel. Au centre de la composition, sur une chaise à haut dossier, se trouve une fille malade, faible, au visage fatigué et pâle et aux mains maigres et faibles. À côté d'elle se trouve sa mère. Une brise fraîche s'engouffre par la fenêtre ouverte bordée de fleurs. Un rayon de soleil printanier transperce la pièce, jetant des reflets lumineux sur des objets, sur des visages pleins de souffrance et de tristesse. L'expressivité émotionnelle de l'image repose sur le contraste de deux intonations - optimiste et tragique, l'artiste montre le lent déclin de la vie malgré le joyeux renouveau de la nature.

Printemps (1889)

Des images de malades et de mourants sont apparues plus d'une fois sur les toiles du premier Munch. Sans aucun doute, ils reflétaient non seulement l'état intérieur de l'artiste, mais étaient également inspirés par les événements sombres de son enfance : Munch perdit sa mère à l'âge de cinq ans et mourut quelques années plus tard. sœur ainée Sophie et son frère Andreas. Toute une suite de toiles et de gravures «The Sick Girl» est consacrée au thème de la lente décoloration de la vie, dans laquelle une intrigue spécifique, pour ainsi dire, devient l'incarnation de divers états mentaux: illumination, tristesse, douleur, désespoir. Le développement progressif du thème, la recherche de ses diverses solutions, les variations d'un même motif font partie intégrante de méthode créative artiste. D'où les nombreuses répétitions d'une intrigue, le caractère cyclique du travail du maître. Munch crée des œuvres d'une grande vérité et humanité, exprimant son sens tragique de la vie. De 1886 à 1936, l'artiste répète huit fois The Sick Girl.

Fille malade (1896)

Une place particulière dans l'œuvre de Munch est occupée par les années 90. C'est durant cette décennie qu'il crée des œuvres dans lesquelles le thème de la souffrance, de la solitude acquiert une couleur nettement sombre. Sans joie, sourd au malheur d'autrui, le monde apparaît à l'artiste, qu'il incarne dans une succession de images symboliques. Le langage plastique de Munch acquiert une tension extrême. Grande importance l'artiste donne la structure rythmique de la gravure ou de la peinture : le son aigu des lignes, des silhouettes, des taches. Les techniques formelles utilisées par Munch découlent des particularités de sa vision du monde, emphatiquement tragique et émotionnellement nue. Une expression spéciale de l'image donne un son émotionnel de couleur accru. Dans la lithographie "Mort dans la chambre de malade", objets réels, les figures de personnes se transforment en taches contrastées de noir et blanc, l'espace de la chambre est à peine indiqué par la distribution de silhouettes nettes de personnages figés, les visages sont assimilés à des personnes lugubres masques symbolisant le chagrin humain. Munch emmène la scène représentée au-delà du cadre d'un événement privé. Les caractéristiques individuelles des personnages disparaissent complètement. La douleur ressentie dans les personnages et les visages devient ici le symbole d'une tragédie sans espoir. En plus de cette lithographie, il existe un certain nombre d'autres œuvres - des versions picturales et graphiques du même thème, dans lesquelles des changements dans les techniques artistiques peuvent être tracés.

Mort dans la chambre des malades (1896)

La dynamique tendue de l'espace, résolue par de vifs contrastes de plans, les lignes sinueuses du fjord et du ciel, couleurs inhabituelles l'ensemble du paysage, rouge flamboyant dans le tableau "Fear" de 1894, témoigne des nouveaux principes créatifs de Munch. Plusieurs variantes de cette composition montrent l'évolution du concept de l'artiste. De peinture en peinture, il valorise l'expression de la peinture, où la couleur devient le principal moyen de dramatisation de l'image. Le sien activité accrue, convention, fantasme transformer la réalité quotidienne, donner métaphorique, signification symbolique parcelle. Dans le tableau "Fear", le son perçant de la couleur donne lieu à un sentiment d'anxiété atroce. Comme des fantômes, les citadins marchent vers le spectateur. Il est difficile de distinguer leurs silhouettes, enfermées dans une seule masse-foule, il est difficile de distinguer les visages qui se sont transformés en masques figés cachant la peur. Privés d'individualité, des images sans visage de personnes - une sorte de grotesque, auquel l'artiste recourt. L'exagération transforme essentiellement l'apparence réelle des gens au degré de bizarre, irréel, les dotant d'un symbolisme sombre. Le monde apparaît à l'artiste comme sans joie, sans âme et déprimant.

Peur (1894)

Au cours de ces années, dans les peintures et les œuvres graphiques de Munch, dans son système pensée artistique les traits du symbolisme sont révélés. Une nouvelle réflexion figurative de la réalité dans le domaine des arts plastiques se réalise dans des formes conditionnelles qui transforment la réalité, principalement sous la forme du système pictural de la modernité. Dans l'œuvre de Munch, on peut trouver de nombreux thèmes et intrigues caractéristiques de la modernité, qui acquièrent de lui une originalité éclatante. Il faut souligner en même temps qu'elles sont dues à la fois aux circonstances réelles de la vie et à l'attitude de l'artiste. Il choisit les manifestations les plus aiguës de la vie et des passions humaines : la gravure « The Lonely » incarne le thème de la relation entre un homme et une femme, où l'attente anxieuse se cache dans des figures figées ; un sentiment qui tourmente une personne devient le contenu de la lithographie «Jalousie»; la soif d'unité, surmontant l'aliénation douloureuse et la peur de la solitude, résonne dans la gravure "Le Baiser".

Solitaire (Deux) (1899)

Jalousie (1896)

Baiser (1897-1898)

Le système figuratif du symbolisme a trouvé une expression particulièrement vive dans le cycle des œuvres sous Nom commun Frieze of Life est une sorte de poème sur la vie, l'amour et la mort. Les images symboliques et monumentales de la "Frise de la Vie" retracent les phases initiale et finale cycle de la vie, la vie d'une personne est comprise comme un drame de son âme. C'est durant cette période que vient le temps de la maturité, le talent de l'artiste se révèle pleinement. Ses peintures et œuvres graphiques atteignent une haute perfection. Le langage plastique acquiert une puissance exceptionnelle. Des images pleines de drame et d'angoisse, parfois marquées du cachet du grotesque, mais basées sur des expériences de vie, portent des réflexions sur le destin de l'homme, le sens de l'être.

Cendres (Cendres) (1894)

Femme et homme (1896)

Homme et femme (1905)

Homme et femme (1912-1915)

En 1893, Munch peint le tableau "Le Cri", qui sera ensuite répété dans plusieurs versions en peinture et en graphisme, et qui déterminera la nature du développement créatif de l'artiste dans les années 90. XIXe siècle Une figure humaine solitaire semble perdue dans un vaste monde oppressant. Les contours du fjord ne sont délimités que par des lignes sinueuses - des rayures perçantes de jaune, de rouge et de bleu. La diagonale du pont et les zigzags du paysage créent une puissante dynamique pour l'ensemble de la composition. Le visage humain est un masque figé, sans visage. Il pousse un cri. En contraste avec la grimace tragique de son visage, les figures paisibles de deux hommes sont données. La peinture de Munch atteint ici une énergie et une tension exceptionnelles, et des émotions - netteté et nudité. La toile est assimilée à une métaphore plastique du désespoir et de la solitude. L'image est devenue une étape importante non seulement dans l'œuvre de Munch, mais aussi dans l'art européen de cette époque. The Scream contenait tout un programme qui traçait la voie à suivre. La tension ultime des sentiments, la tragédie de l'image, le sentiment de l'effondrement du monde et l'activité du langage pictural, qui a dépassé la vision illusoire et naturaliste, tout cela est le signe d'un art nouveau, pas encore né, de le 20ème siècle à venir. Plusieurs années passeront et les tendances figuratives et stylistiques inhérentes à ce tableau seront poursuivies par les artistes expressionnistes.

Cri (1893)

Cri (1895)

Mélancolie (Bateau Jaune) (1891-1892)

Sur le pont (1893)

Le destin créatif de Munch, en particulier dans la période initiale, était lié à l'Allemagne. Munch est venu ici pour la première fois en 1892, il a passé les années suivantes principalement à Berlin. Jusqu'en 1907, Munch a également visité d'autres villes allemandes - Warnemünde et Hambourg, Lübeck et Weimar. Ce n'est pas un hasard si l'artiste a capturé leur apparence dans ses œuvres, créant une suite de vues de la ville. Les anciennes villes allemandes apparaissent dans le rythme ascétique des hautes tours et des façades pointues des maisons. Munch avait de nombreux amis en Allemagne. Il y recevait des commandes et vendait ses œuvres. Ici, la renommée lui est venue et le premier livre sur son travail a été publié. En Allemagne, Munch entre dans le cercle des écrivains et des artistes réunis autour du magazine Pan, qui soutient les nouvelles tendances de la littérature et de l'art. Parmi eux se trouvaient l'écrivain et artiste suédois August Strindberg, le poète polonais Stanislaw Przybyszewski, l'historien de l'art allemand Julius Meyer-Graefe, qui a joué certain rôle dans développement créatif Croquer.

Madone (1894-1895)

Vampire (1895-1902)

L'année 1892 est particulièrement importante dans la biographie de Munch. À l'automne de cette année, une exposition personnelle du maître norvégien a été ouverte à Berlin. L'invitation est venue de l'Association des artistes de Berlin. Ensuite, Munch n'était pas encore engagé dans la gravure et plus de cinquante de ses peintures ont été présentées à l'exposition. peintures. L'exposition est devenue un événement dans la vie artistique de Berlin. L'audacieuse indépendance de Munch, qui a franchi les limites étroites du naturalisme, a provoqué une tempête d'indignation. Le scandale qui en a résulté a conduit à une scission au sein de l'Association des artistes de Berlin. Toutes ces circonstances ont contribué à la grande popularité de Munch, d'abord en Allemagne, puis au-delà de ses frontières.

Dans les années 1900 dans l'œuvre de Munch, un changement est prévu, ce qui a conduit plus tard à des accents fondamentalement nouveaux dans son art. Des nouveautés sont déjà visibles dans le tableau "Métabolisme" de 1899, dans lequel un homme et une femme réconciliés sont représentés sur fond de paysage. La toile a été incluse dans le cycle "Frise de la vie". L'artiste cherche à se libérer du magnétisme d'une humeur pessimiste, à croire en d'autres forces. Ce n'est pas un hasard si, dans le processus de travail sur la toile, il refuse les attributs sémantiques sombres, bien qu'ils soient également interprétés de manière ambiguë : le crâne d'un animal pousse violemment avec des feuilles, le corps enfoui dans le sol, comme des tentacules, est enlacé par les racines d'un arbre. La vie vainc la mort. L'image devient un symbole de la renaissance éternelle de la vie. Il a été créé à la veille d'une nouvelle étape dans l'œuvre de Munch, à une époque où les notes sombres s'atténuent peu à peu, les motifs de désespoir et de solitude qui résonnaient depuis si longtemps dans ses œuvres disparaissent. Le pathos de l'affirmation de la vie vient la remplacer. C'était une époque où l'artiste surmontait une difficile crise interne.

Métabolisme (1896-1898)

En 1909, Munch, après un séjour à la clinique causé par plusieurs mois de dépression nerveuse, retourna dans son pays natal. En quête de paix et de tranquillité, il recherche la solitude - il vit quelque temps à Osgorstrand, Kragerø, Witten, sur la petite île de Yeleya, puis en 1916 il acquiert le domaine d'Ekelu, au nord de la capitale norvégienne, qu'il n'a pas partir jusqu'à la fin de ses jours. Après 1900, le portrait devient l'un des genres phares de l'œuvre de l'artiste. Munch, qui avait le don subtil d'un psychologue, était un grand maître de ce genre. Munch n'a pas peint de portraits de ces personnes qu'il ne connaissait pas bien, fixation ressemblance ne le satisfaisait pas. Les portraits de l'artiste sont une étude de l'âme humaine. En règle générale, Munch a créé des portraits de ceux avec qui il était en bons termes ou, moins souvent, en relations d'affaires. Avec beaucoup de ceux représentés, il était lié par des liens d'amitié créative. L'exception concerne les portraits de Friedrich Nietzsche en 1906, composés par l'artiste après avoir discuté avec la sœur du célèbre philosophe. Les portraits de Munch sont stricts et ascétiques, parfois lyriques. Ils sont exempts de narration excessive. L'artiste a évité une description détaillée, des détails mineurs, des arrière-plans élaborés. Son attention est toujours concentrée sur le visage du modèle, une caractéristique psychologique d'une personne, en règle générale, dotée d'un temps vie intérieure et l'énergie spirituelle. L'un des meilleurs parmi les portraits pittoresques de Munch est le portrait qu'il a peint en 1909 du professeur Daniel Jacobson, le médecin qui a soigné l'artiste. Le portrait attire l'attention sur la netteté de la caractérisation de l'image et les nouveautés de la manière picturale, qui prend forme à la fin de la première décennie du XXe siècle. La figure de Jacobson est représentée sur le fond d'une symphonie tendue de tons jaunes et rouges. Le dessin énergique met l'accent sur l'expressivité de la posture et des gestes. La peinture conserve son expression, acquérant en même temps les signes d'une nouvelle : le portrait est peint avec un pinceau capricieux, large et libre. Une débauche de couleurs, une texture dynamique sont des techniques dans lesquelles les principes impressionnistes sont en partie relancés, mais sur une base différente. L'artiste apporte ici la conquête culture artistique nouvelle époque, recourant à l'intensité de la couleur de Vangogh.

Portrait du Consul Christen Sandberg (1901)

Ibsen au café du Grand Hôtel de Christiania (1902)

Portrait de Frédéric Nietzsche (1906)

Professeur Daniel Jacobson (1909)

Dans les œuvres de Munch de la deuxième décennie du XXe siècle. les phénomènes post-impressionnistes se développent. Le style de peinture de Munch, reflétant sa subjectivité état émotionnel, se distingue par un trait large, une texture énergique, et conserve également le drame de la couleur, la construction dynamique de l'espace. La stylisation de la forme perd maintenant le début plan-ornemental accentué. Mais la ligne principale de créativité change de caractère et se développe maintenant avec de légères déviations. On sait qu'après avoir changé de style de peinture, il est devenu difficile pour l'artiste de vendre ses toiles. Même lorsqu'il est devenu un artiste de renommée mondiale, ils ont acheté principalement son premières œuvres. Par conséquent, il est arrivé que dans la période des années 1930-1940. Munch les a datés dix ou quinze ans plus tôt. Tarifs sur premières peintures Munch a constamment grandi. De plus en plus, Munch se tourne vers le thème du travail ; des images d'ouvriers, de pêcheurs et de paysans apparaissent dans ses peintures et ses graphiques.

Abondance (1899-1900)

Travaux de printemps (Krageryo) (1910)

Bûcheron (1913)

Labour de printemps (Ekelu) (1916)

Le don créatif de l'artiste s'est clairement manifesté dans une forme d'art telle que la peinture monumentale. Pendant 1909-1916. Munch a travaillé sur une série de panneaux décoratifs pour la salle de réunion de l'Université d'Oslo (Christiania), programmée pour coïncider avec son centenaire. Munch a cherché à parler de la Norvège dans un langage simple et compréhensible de ces œuvres. La composition "Histoire" représente un vieil homme sous la canopée d'un chêne géant - "l'arbre de vie", racontant l'histoire de son pays. Au centre du panneau Alma Mater, il y a une figure d'une mère avec un bébé dans ses bras, autour d'elle se trouvent des figures d'enfants jouant et se baignant. Le panneau "Soleil", inspiré du poème symphonique "Zarathoustra" de Richard Strauss, est situé sur le mur central de la salle de réunion. Le halo doré d'un gigantesque soleil chaud, envoyant ses rayons vers la terre, est représenté par l'artiste sur fond de fjord calme et de puissants rochers qui s'élèvent. Munch crée ici image héroïque Paysage norvégien. Ce n'est pas un hasard si Munch fait référence à cette image, source de pouvoir qui affirme la vie. Aujourd'hui, les visions sombres et tragiques qui dominaient les œuvres du tournant du siècle sont remplacées par des images de lumière et de soleil. Ils affirment des images du monde, pleines de clarté et d'harmonie.

Suite à la première expérience en peinture monumentale suivi du second, non moins important pour déterminer la position de l'artiste, son regard sur le public, valeur pédagogique art. En 1921-1922. Munch exécute des peintures monumentales dans la cantine de travail de la chocolaterie Freya à Oslo. Cependant, la frise des travailleurs qu'il a conçue n'a pas été mise en œuvre. Ce thème se reflète dans les nombreux croquis survivants de l'artiste. Les travaux se poursuivent en 1927-1933, à la même époque, Munch est retenu pour le concours de décoration de l'hôtel de ville de la capitale. L'artiste a voulu montrer les ouvriers du bâtiment, le travail des travailleurs de rue, les déneigeurs. Le projet est resté non réalisé. Plus tard, une nouvelle génération d'artistes norvégiens, qui ont également utilisé l'expérience créative de Munch, a complété l'ensemble des œuvres monumentales et décoratives de l'hôtel de ville. L'œuvre monumentale de Munch a jeté les bases de la création d'une école nationale de peinture monumentale et a également permis de le considérer comme l'un des maîtres éminents de l'art européen. art monumental 20ième siècle

L'idée de l'individualité créative de Munch sera incomplète, si ce n'est de ses nombreux autoportraits graphiques et picturaux. Ils décrivent le chemin spirituel du maître. Certains d'entre eux sont des sortes de monologues confessionnels, révélateurs de sentiments, d'autres sont retenus, marqués par une certaine forme d'aliénation qui rend difficile la pénétration dans les profondeurs. L'artiste décrit désormais fidèlement son apparence, puis refuse une ressemblance complète littérale, mais cherche plutôt à créer un portrait psychologiquement adéquat, empreint d'un lyrisme intense. Dans "l'Autoportrait" de 1905, exécuté par le pinceau confiant du maître, l'artiste met l'accent sur une grande ressemblance de portrait. C'est le temps de la maturité, le temps de la réussite et de la découverte de soi. Dans les traits énergiques et volontaires du visage, l'anxiété et la tension se cachent. Munch ne se dévoile pas, il est réservé, réservé. L'apparition de l'artiste dans "Autoportrait à la cigarette", dotée d'un certain narcissisme, apparaît différemment. Dans les traits esquissés du visage - fatigue et amertume. La fumée qui coule, divergeant dans les anneaux concentriques du fond, qui créent la base rythmique de la composition, et la lumière inégale et changeante évoquent un sentiment de dépassement de la matérialité, transformant l'image en une vision, presque un mirage. Dans les autoportraits de Munch, d'esprit romantique dans période au début, plein d'angoisse, d'amertume et de douleur ou d'humilité courageuse et de fatigue à l'âge adulte, le chemin de ses errances spirituelles apparaît. Ils contiennent le destin de Munch, un homme et un artiste qui a traversé le déclin d'un siècle et les bouleversements d'un autre.

Autoportrait - Sur la table d'opération (1902-1903)

Autoportrait (1905)

Autoportrait à la cigarette (1908-1909)

Pres de la fenetre. Autoportrait (1942)

Une grande place dans l'œuvre de Munch est occupée par les paysages, principalement scandinaves. L'artiste a peint principalement la nature nordique, capturant son originalité unique. Nous sentons la grandeur de ses rochers, les éléments durs de la mer froide, le miroitement mystérieux du ciel nocturne. Les images de la nature sont toujours réfractées à travers l'humeur de l'artiste. Munch donne du sens à la nature, quelque chose d'inhabituel, d'envoûtant, de l'élevant au-dessus de l'ordinaire y apparaît. Parfois, les motifs choisis eux-mêmes y contribuent. Un motif aussi constant dans la peinture et les graphiques de Munch était le clair de lune, transformant tout ce qui est terrestre, amenant l'image au surréalisme. Il peint souvent des paysages nocturnes, leur crépuscule mystérieux, les nuits blanches du nord, qui se transforment en une sorte de vision dans ses toiles, comme un rêve. Le maître met l'accent sur la grandeur sévère et la monumentalité du paysage norvégien, le transmettant les caractéristiques: le ciel suspendu au-dessus de la mer froide, des rochers déserts polis par l'eau et le temps, une maison solitaire sur le rivage. La description avare et fiable, le langage tendu de la gravure en noir et blanc aident l'artiste à créer une image universelle et intemporelle de la nature. Les motifs du paysage d'hiver dans la peinture de Munch ne sont pas rares.

Fumée des trains (1900)

nuit blanche(1901)

Nuit d'été (sur le rivage) (1902)

Soleil (1909-1911)

Paysage. Étude (1912)

Paysage d'hiver côtier (1915)

Paysage de printemps avec une maison rouge (Ekelu) (1935-1940)

L'une des célèbres séries de paysages dans l'œuvre de Munch est "Girls on the Bridge (White Night)". Des lignes rapides de ponts, des figures de filles figées et envoûtées, un lac miroir et de puissantes silhouettes d'arbres aux cimes luxuriantes passent d'une composition à l'autre. Une caractéristique de ce paysage est la fusion complète de l'homme avec la nature en un seul tout spiritualisé, leur harmonie éternelle. Le tableau «Femmes sur le pont» est saturé d'une expression particulière de sentiment, que l'artiste réalise à l'aide de tons intenses, de rouge chaud et de jaune orangé qui inondent tout le paysage. La couleur conditionnelle et la caractérisation picturale-plastique du paysage représenté donnent lieu à une image généralisée de la nature norvégienne, pleine d'un lyrisme intense et d'une contemplation approfondie. Dans cette œuvre tardive et peut-être la plus importante de Munch, remplie de soleil et de lumière, l'artiste incarnait son amour de la vie, son admiration pour la beauté et l'harmonie de la nature.

Filles sur le pont (nuit d'été) (1903)

Femmes sur le pont (Osgorsrann) (1935)

Dans l'art du XXe siècle. Munch est entré en tant qu'artiste graphique exceptionnel avec un style créatif individuel. Son mérite est la transformation de la gravure en un domaine indépendant de la culture artistique nationale. Une grande place dans son art est occupée par la lithographie et la gravure sur bois, une plus petite par l'eau-forte, qui l'occupe principalement au début. Les premières gravures de Munch apparaissent en 1894 et remportent rapidement le succès auprès des collectionneurs et du public. Déjà en 1895, Julius Meyer-Gdrefe publiait neuf eaux-fortes de Munch. Un an plus tard, Ambroise Vollard fait figurer la lithographie "Peur" dans le premier tome de l'"Album des peintres-graveurs". En 1904, les mécènes allemands Arnold Litauer et Paul Cassirer ont commencé à vendre les gravures de Munch. En 1906, Gustav Schefler publie le premier volume d'un catalogue de ses œuvres graphiques. Il comprenait environ trois cents feuilles. Tout cela a largement contribué à la renommée européenne de l'artiste. Les graphismes de Munch ne se sont pas séparés dans une sphère séparée et indépendante de son travail. En règle générale, la plupart des intrigues, motifs, compositions ont été développés en parallèle dans la peinture et la gravure. De plus, Munch a traduit en graphisme le travail issu à l'origine de la peinture.

Chêne (1903)

Madone avec broche (1903)

Chat (1913-1914)

Les graphismes de Munch frappent avec une variété de techniques. En peu de temps, il en maîtrise tous les genres : lithographie en noir et blanc et en couleurs, variétés d'eaux-fortes, gravures sur bois en tons et en couleurs. De nombreuses feuilles sont réalisées en techniques mixtes pour obtenir la plus grande expressivité et netteté de l'image. Souvent, l'artiste préfère une technique de pointe sèche claire et nette et des gravures sur bois aux bords durs. La rigidité et la rigidité du matériau créent une intensité particulière et supplémentaire de l'image. Munch met l'accent sur la texture du bois dans ses gravures sur bois, l'utilisant comme technique artistique. C'est lui qui a commencé à utiliser des planches d'épicéa, qui ont ensuite été emportées par les expressionnistes. Réalisant son plan, Munch a surmonté toutes les difficultés d'exécution. Munch a beaucoup expérimenté la gravure en couleur, en utilisant des techniques mixtes. Le langage de ces œuvres repose sur une composition laconique, dépourvue de verbosité, de couleur locale, souvent décidée sur un choc de tons. Gravure sur bois en couleur clair de lune» 1901. Le visage de la femme, enveloppé de mystère, est capturé par la douce lueur du clair de lune. La lumière froide de la lune et les plans clairs de tons verts et bruns chauds sont juxtaposés avec retenue. Le clair de lune sépare doucement l'ombre légère de figure féminine et révèle avec audace la texture du mur de la maison, combinée avec le matériau et dessin au trait planche à graver. Le pouvoir transformateur de la lumière, dotant le monde environnant de mystère et d'illusion, sa capacité à influencer l'état de l'âme humaine déterminent le contenu de cette feuille.

Clair de lune (1901)

Les dernières années de la vie de l'artiste sont associées à des événements sombres. Histoire européenne. La guerre est intervenue dans son destin. Lorsque l'Allemagne hitlérienne occupa la Norvège en 1940, Munch avait 76 ans. Pendant cette période, Munch a mené une vie recluse, n'a presque pas quitté Ekel, continuant à travailler intensément. Une nouvelle période de vie a commencé sous les autorités d'occupation. Avec eux, Munch n'a fait aucun compromis. Les nazis n'ont pas osé persécuter directement le célèbre artiste. Munch a refusé de manière décisive l'invitation à participer au "conseil honoraire de l'art" et à la célébration de son 80e anniversaire.

Les traits de personnalité de Munch, artiste et personne, transparaissent clairement dans ces épisodes de sa vie. Elles sont captées dans les lettres de l'artiste, les livres de ses contemporains, ses propos, saturés de pensées aiguës, parfois paradoxales. Munch était différent : tragique, calme, dérangeant. Homme difficile, déséquilibré, voire étrange, Munch était une personne éloignée des circonstances ordinaires de la vie, mais en même temps devenue un miroir des collisions et des bouleversements spirituels du tournant du siècle. Silencieux, insociable, ironique, sombre et méfiant, doux et susceptible, intransigeant, doutant et insatisfait de lui-même, témoignage de ses recherches et de ses errances. Munch avait du mal à s'entendre avec les gens, même s'il avait assez d'amis : préférant la solitude, il s'efforçait toujours d'être parmi eux.

En 1963, à l'occasion du 100e anniversaire de la naissance de l'artiste, le musée Munch a été ouvert dans son pays natal à Oslo. Son travail est un dialogue entre l'artiste et la vie. L'art de Munch est ambigu. En tant que grand artiste, Munch a exprimé dans son travail les collisions spirituelles les plus aiguës du tournant du siècle, une ère de confusion sociale, où l'artiste ne pouvait s'empêcher de ressentir l'inévitabilité de l'effondrement de l'ancien. La nouvelle semblait toujours inquiétante, peu claire. C'est pourquoi l'art de Munch est si tendu et tragique.

Danse de la vie (1900)

Famille sur la route (1903)

Quatre filles (Osgarstrand) (1905)

Nu (1913)

Votre bien-aimé est brisé téléphone mobile Samsung et maintenant vous ne savez pas vers qui vous tourner avec votre problème ? La réparation Samsung Galaxy sur Teh-Profi vous y aidera. Rapidement et efficacement par des professionnels dans leur domaine.